Dieses Seminar hat einen äußerst praktischen Fokus: eine 3D-Software (Blender 3.0) als vielseitiges und formbares Werkzeug für einen künstlerischen Ausdruck (selbst) zu lernen. In einer "panécastique"-Tradition von Joseph Jacotot werden wir uns auf ein kollektives Erlernen des Werkzeugs einlassen. Es ist nicht nur ein kraftvolles Instrument, sondern spricht auch die Stimme der Zeitgenossenschaft. Hoffentlich führt das Seminar zu von Studierenden initiierten künstlerischen (animierten oder VR/AR) Projekten.

The eminent theorist of contemporary abolition, Joy James, suggests that abolition displaces revolution. Inspired by her, Fred Moten and I ask whether revolution displaces communism. Is exodus the necessary supplement to abolition? The radical American movement, MOVE, thought so, alternately fighting police brutality and for animal rights, and withdrawing from the state and city to live differently. They will be a point of departure as we explore their praxis but also how a form of revolutionary leadership followed and undermined them in exodus. We will study the dialectic between abolition and exodus as it is playing out in contemporary thought and practice, reading such theorists as James, Angela Davis, and George Jackson. We will also explore the relationship between the carceral and the imperial. Please note this seminar will include a one-week intensive in the first week of November at the Performance Art Forum outside Paris, as well as weekly seminars.

Die beliebteste Antwort auf die Frage "Für wen ist dieser Film?" ist: "Ja, äh, eigentlich so für alle." Schöner Gedanke, sollte man auch nicht gleich in die Tonne treten. Aber vielleicht für einen Moment beiseite legen. Zunächst schauen wir auf die kurzen Texte, die Ihr mitgebracht habt: Gedanken, Beobachtungen, Wünsche, Sorgen, wirre Notizen, Absichtserklärung, Gesellschaftskritik ... oder auch schon eine Synopsis oder ein Entwurf für einen Film, egal ob lang, kurz oder seriell. Es geht darum, aus dem, was Ihr notiert habt, Texte für Filme zu machen. Am Ende werden es Drehbücher sein (wenn Ihr schon eins in der Hinterhand habt, dann können wir uns auch damit beschäftigen). Vielleicht entsteht erstmal nur ein schönes Exposé oder die eine Seite, die Euch durch die weitere Arbeit trägt. Oder ein Gerüst, das stabil genug ist, um sich danach dem Chaos der Imagination hinzugeben. Das macht ein bisschen Arbeit: Zwischen den (Doppel-)Terminen (wir haben jeweils den Montag UND den Dienstag, um mit allem einmal durchzukommen) werden alle schreiben. Diese Texte gehen dann zurück in die Runde. Wir bewegen uns zwischen Struktur und Phantasie, zwischen dem absolut notwendigen Chaos und der äußerst hilfreichen Ordnung. Wir probieren Sachen aus und treffen Entscheidungen. Vielleicht stellen wir am Ende fest: Es ist nie alles für alle. Es ist nie alles für immer. Außer die Geschichten. Wenn wir sie so erzählen, dass sie gehört und weitererzählt werden.

Das Klangatelier bleibt auch in diesem Semester eine Werkstatt zur Entwicklung von individuell konstruierten Instrumenten, selbstspielenden Musikmaschinen oder Klanginstallationen. Aus Alltagsgegenständen, Schrott, Gebäudeteilen oder elektrischen Geräten konstruieren wir eigenständige elektromechanische Installationen und Instrumente, die mit Kontaktmikrofonen oder E-Gitarren-Pickups verstärkt werden können. Das automatisierte Anspielen dieser Klangobjekte mit Motoren, Solenoids oder auch Ebows (die eine Saite elektromagnetisch in Schwingung versetzen) führt manchmal zu ungeplanten Ergebnissen und überraschenden Klang-Varianten. Während im Bereich der aleatorischen Musik der Zufall gezielt als kompositorisches Mittel zum Einsatz kommt, wird bei manchen mechanisch konstruierten Klangobjekten ein unkontrollierbares oder nur bedingt vorhersehbares „Eigenleben“ der Apparatur als Einschränkung und Konstruktionsfehler empfunden. In diesem Seminar geht es darum, die Momente und den Zauber dieser Unvorhersehbarkeit zu entdecken und gezielt zu inszenieren, wobei die vielfältigen Formen des Zufalls von leichter Unbestimmtheit im begrenzen Rahmen bis hin zu chaotischem Wirrwarr gleichermaßen Beachtung finden sollen. Im Gegenpol dazu untersuchen wir unterschiedliche Methoden und Möglichkeiten zur systematischen Ansteuerung (zum Beispiel mit Hilfe von selbstgebauten Sequenzern und festgelegten Choreographien).

Das Klangatelier bietet auch in diesem Semester sowohl einen Ort zum Austausch über Projekte und Ideen als auch eine Werkstatt zur Entwicklung von selbstspielenden Musikmaschinen, Klanginstallationen oder Live-Performances mit individuell konstruierten Instrumenten. Wir entwickeln elektronische Schaltungen zur Ansteuerung von Motoren oder Hubmagneten, um elektromechanische Klangerzeuger anzusteuern und nutzen Arduinos, um Interfaces zu bauen und Choreographien zu entwickeln. Ein Fokus liegt diesmal auf experimenteller Klangerzeugung mit Stahl-, Nylon- und Darm-Saiten, die u.a. gezupft, gestrichen, geschlagen, gehämmert, gerieben, beworfen und elektromagnetisch in Schwingung versetzt werden können.

Das renommierte Animafest Zagreb veranstaltet neben einem internationalen Programm mit Kurzfilmen, Abschlussfilmen, TV-Produktionen und Spielfilmen auch kompakte Animations-Workshops, Ausstellungen und Seminareinheiten mit Vertretern des Festivals und der Filmbranche, die uns besondere Einblicke in die Welt des Animationsfilms gewähren. Animafest Zagreb ist ein Ort der Inspiration, Kreativität und des Austauschs von Ideen, ein Ort der Innovation, Kommunikation und internationalen Vielfalt. Interessierte können sich Anfang April in eine Teilnehmerliste im Animationsstudio eintragen. Diese Exkursion richtet sich an Studierende im Hauptstudium, die sich im engeren Sinne mit Animation befassen.

The focus of this academic block is on contemporary aesthetic transgressions into the fields of ethics, politics and other communicative acts. Animation, in a very expanded sense, being a starting point of our investigations, will take us further into the realm of artistic practices driven by such discursive strategies as “art as experience” and furthering into the fields of non-representationalism and everyday aesthetics, action-oriented aesthetics, relational aesthetics and etc.

The focus of this academic block is on contemporary aesthetic transgressions into the fields of ethics, politics and other communicative acts. Animation, in a very expanded sense and in a wide overlap with film, being a starting point of our investigations, will take us further into the realm of artistic practices driven by such discursive strategies as “art as experience” and also the fields of non-representationalism and everyday aesthetics, action-oriented aesthetics, relational aesthetics and etc. Our academic travail will lead us through Lacanian triad, and into Badiou’s intersection of finitude by infinity, and quite likely beyond…

The focus of this academic block is on contemporary aesthetic transgressions into the fields of ethics, politics and other communicative acts. Animation, in a very expanded sense, being a starting point of our investigations, will take us further into the realm of artistic practices driven by such discursive strategies as “art as experience” and furthering into the fields of non-representationalism and everyday aesthetics, action-oriented aesthetics, relational aesthetics and etc.

In diesem Seminar sollen vor allem Studierenden mit wenig Vorkenntnissen die Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann. Kurze Aufgaben werden die Studenten schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein.

A project-based course in which students will be exposed to the different phases of production, while making a collaborative animation project. Dieser Kurs ist sowohl theoretischen als auch praktischen Charakters und richtet sich an die Student*innen, die bereits über Vorkenntnisse im Bereich Animation verfügen und daran interessiert sind, ihre Kenntnisse bezüglich mit traditioneller Techniken und auch alternativer Repräsentationsplattformen und -räume (Film, VR, Installationen, Performance) zu vertiefen. Die Student*innen arbeiten gemeinsam und mit einem literarischen Text, anhand dessen Struktur sie experimentieren und Sprachen sowie Deutungstechniken entwickeln. Der Kurs wird ergänzt durch Vorführung und Analyse von Filmen und Kunstwerken sowie Lesungen.

A project-based course in which students will go through the different phases of production while making a collaborative animated video-mapping project. During the semester students will create an animated videomapping as part of #FUTURE_21 industrial culture. This is a cooperative project led by the Regional Associations Rhineland (LVR) and Westphalia-Lippe (LWL) on occasion of the 75th anniversary of the Land of North Rhine-Westphalia, Germany. This course is both theoretical and practical, and is designed for students who have experience with animation and are interested in experimenting with different multimedia platforms like videomapping. From working on the production line to industrial robots and artificial intelligence – how will new technologies change our work and our daily lives? What are the challenges for a future-oriented use of resources? And how can creativity and art contribute to creating visions for a new industrial culture?

Das renommierte Animationsfilm-Festival Annecy findet jährlich in den französischen Alpen statt. Das „Festival international du film d‘animation d‘Annecy“ veranstaltet neben einem internationalen Programm mit Kurzfilmen, Abschlussfilmen, TV-Produktionen und Spielfilmen auch kompakte Animations-Workshops und Seminareinheiten mit Vertretern des Festivals und der Filmbranche, die uns besondere Einblicke in die Welt des Animationsfilms gewähren. Interessierte können sich Anfang April in eine Teilnehmerliste im Animationsstudio eintragen. Die verbindliche Anmeldung in Form der Akkreditierung erfolgt nach Teilnahme am Vorbereitungstreffen Mitte April 2022.

Wir wollen der Frage nachgehen in wie fern sich die Arbeit mit Laiendarsteller*innen von der Arbeit mit professionellen Schauspieler*innen unterscheidet. Dies tun wir indem wir an uns selbst arbeiten- uns selbst (als Laie) beim Schauspielen wahrnehmen und uns gegenseitig inszenieren. Wir setzen uns mit verschiedenen Schauspieltechniken auseinander und versuchen diese auf die Arbeit mit Laien anzuwenden. Stanislavski („An Actor Prepares“) wird die Grundlage unserer Schauspielarbeit sein. Wir wollen persönlichen Fragestellungen nachgehen und einen Raum erschaffen für experimentelle Ansätze, bzw. individuelle Herangehensweisen. During this seminar we want to explore the differences in working with non professional actors vs. professional ones. We will do this by working on ourselves - perceiving ourselves (as amateurs) while acting and directing each other, exploring different techniques in this process. Stanislavski ("An Actor Prepares") will be the reference for our acting work. We want to explore personal questions and create a space for experimental approaches.

A project involving research and no idea how to proceed? Scared of your upcoming theory chapter? Confused by a philosophical text? Stuck in a theoretical impasse with your Hausarbeit or your Qualifizierungsprojekt? In need of a group of passionate nerds to discuss your latest theoretical endeavour with? Join us now! We want to create an open forum for discussion of your projects involving theory and research. In each session, we’ll discuss two of your projects in depth. Be prepared to prepare (we’ll read each other’s projects beforehand)! The colloquium is open for Grund- and Hauptstudium and also for KüWi projects. Deutsch und English  Dates: 25. Oktober 08. November 22. November 29. November 13. Dezember 10. Januar 17. Januar

Das Fotografieseminar besteht in diesem Semester aus zwei Teilen: Zum einen soll es ein offenes Kolloquium geben, das an die Bedürfnisse der Studierenden angepasst ist. In einem zweiten Teil beschäftigen wir uns als Fotograf*innen mit KI-basierter Bilderzeugung. Kolloquium: Das Kolloquium der Fotografie ist ein offener und unstrukturierter Raum, in dem Arbeitsansätze ausprobiert und diskutiert werden – ein Raum, der es ermöglichen könnte, der eigenen Grundmotivation näher zu kommen. Das Kolloquium könnte auch ein Experimentierfeld sein, um die multiplen äußeren und inneren Krisen zu transformieren und fruchtbar zu machen. Das Seminar wird sich ausgehend von den Bedürfnissen aller Teilnehmenden entwickeln und mit der Zeit organisch ausbreiten. Erster Startpunkt: Am Anfang des Semesters wird uns die Künstlerin Stefanie Zoche besuchen. Sie beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Arbeit mit ökologischen Fragestellungen im Kontext der Klimakrise. Im Rahmen des Kolloquiums ist es möglich, CASE-Ausstellungen zu realisieren. KI und Fotografie: Wir werden uns aus einer fotografischen Perspektive mit dem Thema KI-Bildgenerierung beschäftigen. Folgende Fragen möchten wir dabei ansprechen: Sind generierte Bilder ein weiterer Schritt in der Entwicklung der Fotografie, ähnlich wie der Übergang von analoger zu digitaler Fotografie? Wie funktionieren die generierten Bilder auf der visuellen Ebene? Welche Literatur können wir zum Thema Fotografie und Bildgenerierung finden? Lässt sich Literatur aus dem Kanon der Fototheorie auf dieses Thema anwenden? Wir lesen zusammen ausgewählte Texte, um mit den Studierenden eine erste Einordnung der generierten Bilder zu versuchen. Gleichzeitig arbeiten wir mit Programmen wie Stable Diffusion oder Midjourney an eigenen Projekten, die wir im Seminar besprechen.

Das Fotografieseminar im Sommersemester ist eine Fortsetzung des Seminars aus dem Wintersemester 2023/24: Das Kolloquium der Fotografie ist ein offener und unstrukturierter Raum, in dem Arbeitsansätze ausprobiert und diskutiert werden – ein Raum, der es ermöglichen könnte, der eigenen Grundmotivation näherzukommen. Das Kolloquium könnte auch ein Experimentierfeld sein, um die multiplen äußeren und inneren Krisen zu transformieren und fruchtbar zu machen. Wir haben für das Sommersemester fünf CASE-Ausstellungen geplant, leider können wir keine weiteren Slots vergeben. Gäste, u.a. 12. April 2024: Hannah Darabi, "From Enghelab Street to Persian Square"

Wie steht es eigentlich um dekolonialisierende Archivpraxen im deutschsprachigen Raum? In Filmen, virtuellen und physischen Exkursionen, im Austausch mit Gäst*innen und in der Lektüre von Texten nähern wir uns machtkritischen, poetischen, interaktiven, sprachlich-visuellen Archivpraxen, die sich dekolonialen und queerpolitischen Anliegen verschrieben haben. Im Sinne der Filmemacherin und Komponistin Trinh T. Min-ha begeben wir uns dabei auf die Suche nach einem enthierarchiserenden ‚Archiving Nearby', das es vermag, vergangene Bewegungen und Zwischenräume von Mehrfachzugehörigkeiten, fluiden Lebensformen und undiszipliniertem Denken in die Gegenwart zu holen. Welche archivpolitischen, künstlerischen und/oder theoriebildenden Interventionen könnten als Formen des ‚Archiving Nearby' beschrieben werden? Das Seminar schließt an mein Seminar zu machtsensiblen Archivpraxen aus dem Wintersemester an. Dessen Besuch ist aber keine Voraussetzung für die Teilnahme. Ausgewählte Sitzungen finden in Kollaboration mit Philip Scheffner (Professur dokumentarische Praxen) statt. Literatur: Alice Creischer/ Andreas Siekmann, Das Potosí-Prinzip. Wie können wir das Lied des Herrn im fremden Land singen. Koloniale Bildproduktion in der globalen Ökonomie, Köln, 2010. Elske Rosenfeld/ Suza Husse, wildes wiederholen. Dissidente Geschichte(n) zwischen DDR und (p)Ostdeutschland, Berlin 2019. Forschungsgruppe 'Staatsprojekt Europa' (Hg.) Die EU in der Krise, Münster 2012. Romy Rügger: A Text for Sedje Hémon, Sonsbek/Arnheim 2022. Im Seminar besprochene/besuchte Archive: Die fünfte Wand. Werkarchiv Navina Nundaram, Romani Phen, GrauZone/ Dokumentationsstelle zur nichtstaatlichen Frauenbewegung in der DDR, DOMID/ Dokumentationszentrum über die Migration in Deutschland. Filme: Trinh T. Minh-ha, Reassemblage (1986), Phllipp Scheffner, The Half-Moon Files (2019) Gäst*innen: Samirah Kenawi (GrauZone), Merle Kröger und Mareike Bernien (Die fünfte Wand), Vassilis Tsianos (Forschungsgruppe Staatsprojekt Europa), Nihad Nino Pušija (Paradise Lost) Seminarsprachen: Deutsch und Englisch

Developing a series is a collaborative endeavour: the artistic and the production side will come together as a creative team to get the project moving. Working as a team will show streaming services or public broadcasters you are serious in your intentions and give the confidence you will be able to execute your project. In this seminar, you will develop and discuss your series ideas and prepare to approach broadcasters. Additionally, for those interested, you can enter the RTL+ Storytellers competition. Registering for the seminar is not required, please join us on 31.10 in seminar room 0.18/0.19.

Are series still going strong, or is it a dwindling trend? Either way, series are here to stay. In this seminar we will study how the storytelling structure of series has changed over time, analyse different streaming platforms, dive into the vocabulary of the series market and make a start with developing ideas for series. For those interested, cooperations with WDR and RTL/TVnow are in place, this seminar will be followed up by meetings with these tv broadcasters. Additionally, we will meet with directors/writers developing Netflix series.

Aristotle's Poetics: lecture notes by Aristotle himself? Or note-taking by one of his students? Is this surviving fragment a rulebook, a prescriptive guide for narrative structure (as Robert McKee, among others, claims)? What does Plato, French classicists, Italian Renaissance scholars and Shakespeare have to do with it? And what about the many books claiming that adopting Aristotle's ideas makes for good screenwriting? Let's read Aristotle's Poetics and supporting texts, inspect examples from the books of his misreaders (Syd Field, Michael Tierno) and opposers (Augusto Boal) to make up our own minds.

We have read a lot about artificial intelligence in the news, but in our KHM reality, we might have had, until now, little to do with AI in filmmaking. In the seminar "Artificial Intelligence and Film", we will look at the wide variety of AI applications in film (pre-)production, screenwriting, image generation and other aspects of AI in the film industry. We will meet with producers, filmmakers and broadcasters to ask how they implement AI, inquire into the advantages and limitations they encounter using these tools, and how they approach future developments in AI. Besides that, we will explore whether AI is indeed artificial and/or intelligent, what the legal and moral implications are, and how we can operate, experiment with and subvert this relatively new tool. Or, as ChatGPT text: Embark on an exploration of the cutting-edge intersection between Artificial Intelligence (AI) and the art of filmmaking. This seminar aims to illuminate the transformative role that AI plays in various aspects of the filmmaking process, from preproduction and screenwriting to image generation. As technology continues to evolve, the marriage of AI and filmmaking opens up exciting possibilities for creative expression, efficiency, and innovation. One more time, this time prompted to write for an art academy: Embark on a captivating exploration at the intersection of artistic expression and technological innovation. Our seminar, "AI and Cinematic Artistry," delves into the transformative role that Artificial Intelligence (AI) plays in various facets of cinematic creation, from preproduction and screenwriting to image generation. This seminar, tailored for the artistic minds of our community, promises to unveil the exciting possibilities AI brings to the canvas of filmmaking. You Thank you ChatGPT You're welcome! If you have any more questions or if there's anything else I can help you with, feel free to ask. Enjoy your seminar, and best of luck with your artistic endeavors!

Der Ausdruck „in the wild“ wurde erstmals in den 1980er Jahren populär als Jean Lave, Lucy Suchman und Ed Hutchins begannen, über „cognition in the wild“ zu schreiben. Heute hat „research in the wild“ eine breitere Bedeutung und adressiert vor allem Forschungen, die versuchen, die drastischen Auswirkungen der Technik auf das tägliche Leben besser zu verstehen. In den letzten Jahren tauchte der Begriff auch vermehrt in Publikationen im Bereich Human Computer Interaction (HCI) auf. Dort wurde er zum Synonym für eine Reihe von Ansätzen, die sich auf forschungsbasierte Studien konzentrieren, die im Gegensatz zu laborbasierten Studien in „natürlichen“, „situierten“ Kontexten stattfinden. Im Kern geht es darum, die Sicherheit der kontrollierten, laborbasierten Umgebung zu verlassen und die Forschung in die „Wildnis“, d.h. das reale Leben zu verlagern. Die heutige technische Bedingtheit unserer Lebensverhältnisse (die zunehmende Künstlichkeit unserer technikbasierten Wirklichkeit) und ihre gleichzeitige Unkontrollierbarkeit und Komplexität werden zu irreduziblen Grundprinzipien der Forschung erklärt. Im Seminar werden Doktoranden der KHM Fragestellungen aus ihren laufenden Promotionsprojekten vorstellen und mit uns diskutieren. Im Zentrum der Arbeiten steht das Machen (die Herstellung, der Entwurf, das Experiment) unter aktuellen Bedingungen und dessen philosophische Reflexion. Aktuelle Informationen zu den einzelnen Vorträgen unter ground-zero.khm.de

Das Seminar findet im Odeon Kino statt. (In Anlehnung an Karl Schlögel): Dies ist ein Seminar „nicht für Augen, sondern für Köpfe, die Augen haben, zu sehen, oder wenigstens mit ihren Augen arbeiten wollen“. Der Anfang ist im Nachdenken über das Herstellen, die Politiken des und die sinnliche Erfahrung von filmischen Bildern von zentraler Bedeutung: Als zeitbasiertes Medium hat jeder Film (im Unterschied zum Gemälde, der Skulptur, aber auch geloopten Installationen in der Galerie) seinen Anfang, in dem ein Rhythmus, ein Modus des Sehens, eine Perspektive, erste Spuren des rationalen Verstehens und phänomenologischen Wahrnehmens gelegt werden. Alles darauf Folgende bezieht sich immer zurück auf diesen, bzw. wird von ihm bespielt. Im Theorieseminar werden wir ein Semester lang ein besonderes Augenmerk auf Filmanfänge richten — auf ihre historische Entwicklung, ästhetische Verdichtung, politische Dimension und narrative Funktionen. Jede Sitzung wird mit der sehr detaillierten Analyse von Filmanfängen des Spiel- und Dokumentarfilms beginnen, im Anschluss soll der ganze Film dann zu seinem Anfang ins Verhältnis gesetzt werden. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Landschaften sind materiell existierende Formationen, die unser Leben, Denken, Fühlen prägen und mitstrukturieren und radikale Projektionsflächen, die das Kino seit seinen Anfängen mit immer anderen Vorstellungen verbindet, bespielt und selbst mit hervorbringt. Sie erzählen von historischen Ablagerungen, gesellschaftlichen Strukturen und geopolitischen Verhältnissen (und sind darin politisch) und fungieren zugleich als Spiegel einer wie auch immer gearteten Innerlichkeit. In dem Seminar werden wir uns Filme aus den Gattungen des Spielfilms, Dokumentarfilms und Experimentalfilms gemeinsam ansehen, diese verhandeln und mit theoretischen Überlegungen in ein Verhältnis setzen, um der Frage, was das eigentlich ist — eine Landschaft? — entlang ihrer filmischen Konstruktionen nachzugehen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie. Landscapes are materially existing formations that shape and co-structure our lives, thoughts, and feelings, and they are radical projection surfaces that cinema, since its beginnings, has always connected with, played upon, and itself helped to create. They tell of historical deposits, social structures and geopolitical conditions (and are political in this) and at the same time function as mirrors of an inwardness of whatever kind. In this seminar we will look at films from the genres of feature film, documentary film and experimental film together, discuss them and relate them to theoretical considerations in order to answer the question of what that actually is - a landscape? - along its cinematic constructions. Starting point of all considerations and connections to be drawn are the films themselves, supplemented by selected texts as well as the active, involved, critical and passionate speaking about them.

Im filmischen Blick auf die Sozialfiguren von Menschen mit körperlichen und geistigen Behinderungen oder neurodiversen Verfasstheiten wird deutlich, was die Struktur aller Blicke prägt. Das in den meisten gesellschaftlichen Diskursen vorherrschende Verhältnis von Norm und Devianz kann in künstlerischen Arbeiten reproduziert, verstärkt, hinterfragt, unterlaufen und – im besten Fall – durch einen anderen Blick zerlegt werden. Dieser Ansatz spiegelt sich im Slogan „Nothing About Us Without Us“ wider, der die Bedeutung der Beteiligung und Repräsentation von Menschen, die als anders markiert werden, in sämtlichen Diskursen hervorhebt. Wir erforschen die feinen Unterschiede im Feld der Blicke und Gegenblicke, indem wir uns einem vielfältigen Spektrum filmischer Werke zuwenden. Dieses Spektrum umfasst alles, von außergewöhnlichen Hollywoodproduktionen über experimentellen Film und Videokunst der späten 60er Jahre, zeitgenössischen Dokumentarfilmen bis hin zu Aufzeichnungen von Performances und Aufführungen. Ziel ist es, den alles durchziehenden Ableismus der uns umgebenden und prägenden Strukturen auf den Grund zu gehen und das – ästhetisch wie gesellschaftlich – utopische Potenzial eines „anderen Blicks“ freizulegen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um theoretische Texte, sowie das aktive, involvierte, kritische Sprechen über sie.

Wie geht's euch so? Gut? Nicht so gut? Lust zu arbeiten? Trotzdem? Ja? Na gut. Versuchen wir's. Das hier ist ein Seminar zur Stoffentwicklung, für fiktionale filmische Projekte (lang/kurz/seriell). Und das funktioniert ungefähr so: Ihr schickt mir eine Ideenskizze für einen Film oder auch einen kurzen Text über ein Projekt, das schon in Entwicklung ist. Maximal eine Seite und bitte als Textdokument: Word, LibreOffice, Pages, RTF o.ä.; bitte keine PDFs. Dann reden wir drüber. Jedes Mal. Über alle Projekte. Und weil das so ist, können auch nur maximal 8 Leute teilnehmen, sorry. Anmelden ist per Mail (m.busch@khm.de). Den Text könnt ihr direkt mitschicken oder bis spätestens 08.04.2024 nachliefern. Das Ganze findet 14-täglich in 6 "Doppelterminen" statt (jeweils Montag UND Dienstag). Zwischen den Doppelterminen schreiben alle. Diese Texte gehen zurück in die Gruppe als Vorbereitung für das nächste Treffen. Manchmal gibt es Anekdoten. Meistens auch Kaffee. Das ist eigentlich immer ganz lustig. Und mitunter bringt es die Dinge echt voran.

Die Seminar-Reihe Auteurismen geht verschiedenen Formen nach, Autorenschaft in der meist radikal arbeitsteiligen künstlerischen Form Kino zu denken. Im ersten Teil stehen drei Autor*innen des zeitgenössischen Kinos – Claire Denis, Lucrecia Martel und Mati Diop – im Zentrum, die bei aller Unterschiedlichkeit thematische und formale Schnittmengen aufweisen. Dabei werden wir einzelne Filme der drei miteinander ins Verhältnis setzen, um die jeweilige écriture, die individuelle Form als Ausdruck einer künstlerischen Subjektivität jeder einzelnen Autorin zu erarbeiten, und zugleich – im Dialog der Filmemacherinnen miteinander – Unterschiede und Ähnlichkeiten zu denken. Dabei werden uns Fragen nach dem Körper im Kino/der Körperlichkeit des Kinos, der Gegenwart postkolonialer Realitäten sowie des female gaze im Kino beschäftigen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie. The seminar series Auteurisms explores different ways of thinking about authorship in the artistic form of cinema, which is usually based on a radical division of labor. In the first part, we will focus on three authors of contemporary cinema - Claire Denis, Lucrecia Martel and Mati Diop - who, for all their differences, are related through thematic and formal intersections. We will relate individual films of the three to each other in order to work out the respective écriture, the individual form as an expression of an artistic subjectivity of each author, and at the same time - in the dialogue of the filmmakers with each other - to think about differences and similarities. In doing so, we will be concerned with questions of the body in cinema/the corporeality of cinema, the presence of postcolonial realities, and the female gaze in cinema. Starting point of all considerations and connections to be drawn are the films themselves, complemented by selected texts as well as the active, involved, critical and passionate speaking about them.

In a virtual digital space characterized by diversity, dispersion, and contingency, who decides what 'we' consider as beautiful? Ideology, our democratic society, artificial intelligence? Certainly not ‘us’, right? So how do algorithms and synthetic organisms look at faces? How does virtual and traditional capital penetrate and consume our daily masked but networked existence? How do organic desires emerge & disappear? What is the role of sexism, racism and ableism in this context? The meaning of the digital face as a sign is derived from its relation to other signs. Scars and desires constitute the value & meaning of a face concerning contemporary imagery, technology, faith, tradition, and politics. Algorithmically-driven newsfeeds, the quantified self, and cosmetic surgery led to the emergence of a multitude of machine-biased views on the ‘ideal’ face.  Recursive loops throughout digital & physical realms create new forms of facial existences and #nonbinary tensions between spectra of self to other, virtuality to reality, and identification to difference. Symmetrical faces combined with forms of intelligence are a highly rare occurence and reflect concepts of rarity in collectibles #cryptopunks #judgement #collectibles #math #hardcoded #facialrecognition #gendering #nonbinary #nohomework #nopressure #judgement. The ‘Beautification & Rarity’ seminar zooms in on Chinese and Korean social media & focuses on the creation of applied art. Together we try to examine our bias and develop ‘neutral’ attitudes through research-based art, Crypto (NFTs/blockchain), and digital media or alternate reality experiments. On a weekly basis, UBERMORGEN in collaboration with Echo Can Luo, drop a 'Beautification' NFT, and students are invited to drop & develop their own work. The goal is to discuss and critically reflect the weekly drops.

Anhand von drei konkreten künstlerischen Projekten widmet sich das Seminar künstlerischen Kollaborationen mit vergangenen Personen und ihren künstlerischen und politischen Praxen. Die Lektüre begleitender Texte hinzuziehend, beschäftigen wir uns mit Möglichkeiten einer künstlerischen Bündnisarbeit mit zwangsmigrierten und teilweise verstorbenen Personen. In Istanbul veröffentlicht Banu Cennetoğlu posthum die Tagebücher von Gurbetelli Ersöz (1998/ 2013). Nachdem die Redakteurin einer prokurdischen Zeitung in der Haft gefoltert wurde, schloss sie sich der Guerilla an und führte von 1995 bis zu ihrer Ermordung 1997 ein Tagebuch. Cennetoğlu veröffentlichte es in Form gebundener Lithografien und nachdem ihr Buch in der Türkei verboten wurde, als Druckplatten (2017). In Dublin rekonstruiert Alice Rekab die Lebensträume ihres karibischen Vaters und ihrer irischen Mutter, deren Migration und Armut ihnen die künstlerische Praxis verunmöglichte. Für ihre ortspezifische Arbeit in der Münchener Villa Stuck (2023) collagiert sie Fotografien von künstlerischen Arbeiten der Eltern und präsentiert sie neben eigenen Plastiken. In Kapstadt bittet Kemang Wa Lehulere seine Tante um Erinnerungsskizzen zu den Wandmalereien der in den 70ern verstorbenen Gladys Mgudlandlu. Anhand dieser gelingt es ihm, die Malereien in einem benachbarten Haus zu bergen. In Form einer Dokumentation ihrer Restaurierung integriert er Mgudlandlus Arbeiten in seine Ausstellung in einem Berliner Ausstellungshaus (2017). In der eingehenden Lektüre dieser Arbeitsweisen fragt das Seminar inwiefern künstlerische Taktiken Bündnissen mit weniger sichtbaren und privilegierten Künstler*innen ermöglichen, die an einem anderen Ort oder zu einer anderen Zeit ihre Lebensträume hatten. Texte: Elke Bippus, Cairo Clarke, Khanya Mashabela und Aram Yayninevi Künstlerische Arbeiten: Banu Cennetoğlu, Alice Rekab und Kemang Wa Lehulere

Wer Literatur schreibt, kommt nicht drum herum, auch darüber zu sprechen. Sei es in Seminaren, Lektoratsgesprächen oder Interviews, als Teil einer Jury, als Herausgeber*in, Kurator*in oder Moderator*in. Um gut schreiben zu können, muss man nicht zwangsweise auch gut über Literatur sprechen können. Doch das Sprechen über Literatur geht einher mit dem Nachdenken über Literatur und fördert das Herausbilden einer eigenen Poetik. Das Seminar besteht aus zwei Teilen: Zum Einen werden wir uns theoretisch mit Gesprächen über Literatur auseinandersetzen. Dafür analysieren wir Jurydiskussionen beim Bachmann-Preis, Interviews und Werkstattgespräche und ergründen, wie ein öffentliches Verständnis von (guter) Literatur hergestellt wird. Außerdem setzen wir uns mit dem Format des Podcasts auseinander. Welche Formen gibt es? Was funktioniert und was nicht? In einem zweiten, praktischen Teil führen wir selbst Gespräche über Literatur mit Autor*innen und erlernen die technischen Voraussetzungen, die es braucht, um einen Literaturpodcast umzusetzen.

In diesem Seminar des Literarischen Schreibens in Zusammenarbeit mit dem Schauspiel Köln wird eine Shakespeareüberschreibung der Schweizer Gegenwartsdramatikerin Katja Brunner und deren Bühnenumsetzung zum Gegenstand haben. Was bedeutet es, einen Klassiker zu überschreiben, noch mal zu überschreiben, mit anderen Überschreibungen zu arbeiten, und welche Inszenierungspraxis wird bei der Umsetzung ausgewählt? Warum heute Shakespeare, warum „1 sprachausfluss aus der TASTATUR DES TERRORS“ (K.B.) Das Stück wird Ende April im Schauspiel uraufgeführt. Da wir den Probenprozess begleiten wollen, liegen die Termine dieses Seminars nicht ausschließlich im Semester. In den beiden Lektüresitzungen im März verhandeln wir Shakespeares „Richard III.“ und Katja Brunners Überschreibung, sowie ihre Einflüsse. Danach sprechen mit Autorin, Dramaturgie und Regie, werden Proben am Schauspiel besuchen, zur Premiere gehen und mit dem Theaterteam eine Nachbesprechung haben. Starttermin ist der 11.3. um 11.00 im Raum 2.04 am Filzengraben 8-10, alle weiteren Termine liegen in dem Zeitraum bis spätestens 15.5. und finden zum größten Teil im Schauspiel Köln statt. Anmeldungen bitte unter roeggla@khm.de bis 1.3.2022 – Die Teilnehmerzahl ist auf 10 begrenzt

Die Projektion viel größer, der Raum tiefschwarz, man hat sich Zeit genommen, schaut mit Anderen. Oder man verschlingt Folge für Folge auf allen möglichen Geräten, in allen möglichen Situationen. Muss man auf das Medium reagieren? Ändert sich die Bildgestaltung? Zum einen soll es genau darum gehen. Wie verändert das neue Schauen die Bildgestaltung? Oder ändern wir die Rezeption? Müssen wir das? Wollen wir das? Zum anderen, ganz praktisch, wie verändert das die Vorbereitung, den Dreh, die Zusammenarbeit. Nach welchen Gesichtspunkten engagiert die Produktion oder die Regie die Bildgestaltung im Kino oder der Serie? Was ändert das in der Zusammenarbeit mit den anderen Gewerken. Dafür werden auch Gäste aus der Branche erzählen, wie sie Bildgestaltung erleben. Was sie von der Bildgestaltung erwarten. Ändert die Technik das Erzählen oder sind es immer noch wir?

Prefigured in the Negritude Movement and the Harlem Renaissance, the Black Arts Movements of the 1960’s and 1970’s were informed by a global political awakening and mobilization amongst black people and other colonized people. Energized and inspired by anti-colonial, civil rights, and black power politics, the Black Arts Movements responded with innovation and renewal. However these art movements were not merely the aesthetic representation of this mobilization but experiments in the new forms of social life this mobilization might take. The collectives of the Black Arts Movements were the vanguard of the revolution, but a vanguard returning to the source, as Amilcar Cabral put it. Or as the founder of Kuumba Theatre in Chicago Val Gray Ward put it ‘black art is black life.’ In their commitment to finding necessary ways to work together, to serve the people, and to dismantle the figure of the artist and the scene of the art world in favor of something more organic, the Blacks Arts Movements anticipated transversality. Moreover these transversal experiments found their most expansive form in performance, no matter the media or art discipline out of which they emerged. This seminar thus proposes to look at three festivals: Festac ‘77 in Nigeria, Carifesta ‘76 in Jamaica, and WattStax ‘72 in Los Angeles. None of these festivals was without its problems but at their best they reconfigured audiences and peoples, and to misquote Cabral art became the humus out of which something like revolution might emerge. Alongside our study of these festivals we will screen several films including London’s Black Audio Collective and their film Handsworth Songs (1986), a film from Los Angeles Rebellion, Charles Burnett’s The Killer of Sheep (1978), Juan Declan’s AfriCOBRA: Art for the People , and more recently films by younger generation film-maker Ephraim Isili. The seminar will also draw on the following key texts.

Das Fotografie-Seminar besteht in diesem Semester aus zwei Schwerpunkten: Wir wollen einerseits eine Gruppenausstellung in Paris für November 2022 vorbereiten, andererseits möchten wir mit Euch zusammen im Sommersemester vier CASE-Einzelausstellungen realisieren. Für beide Schwerpunkte sind die Studierenden eingeladen, die Fotografie als eine dokumentarische, fiktive, medienreflexive Praxis zu verstehen: die Fotografie in das Bewegtbild, in den 3D-Raum, in die Skulptur hineinzuentwickeln, Fotografie und Text zu verbinden oder die Fotografie als Handlung in Netzen zu verstehen. Die Gruppenausstellung ist Teil der Reihe „La jeune photographie allemande" und wird im Goethe-Institut zeitgleich zur PARIS PHOTO gezeigt. Die Ausstellung wird von Ami Beckmann kuratiert, sie wird sich thematisch auf die ökologische Krise fokussieren. Mit den ausstellenden Studierenden ist eine Exkursion nach Paris geplant. Die vier CASE-Ausstellungen sind dagegen thematisch nicht gebunden. Im Laufe des Semesters wird es im Seminar verschiedene Inputs und Vortragseinladungen zu dem Thema der ökologische Krise geben. Sprechstunden: Für die Buchung einer Sprechstunde bei Alex Grein oder Beate Gütschow bitte uns jeweils eine E-Mail schreiben.

Exkursion zum Gallery Weekend Berlin 27. – 30. April 2023. Geplant ist darüber hinaus eine Gruppenausstellung zu Schwerpunkten: ökologische Krise, Aktivismus, Identität, entgrenzte Fotografie.

„Circuit Training“ (dt.: Zirkeltraining, Kreistraining) ist eine Organisationsform des Sports, bei der die Trainierenden einzelne Stationen in vorgegebener Reihenfolge und Zeit durchlaufen. Nach einer kurzen Aufwärmphase absolvieren die Seminar-Teilnehmer*innen im Laufe des Semesters drei aufeinanderfolgende Übungen auf Basis vorgegebener, frei interpretierbarer Themen. Ziel einer jeden Übung ist die systematische Entwicklung eigener Prototypen, die in einem vierstufigen Prozess (Ideenfindung, Recherche, Prototyping, Finalisierung) gemeinsam erprobt werden soll. Aufeinander aufbauend kommen dabei folgende Techniken und Arbeitsmittel zum Einsatz: Prototyping mit einfachen Materialien, Grundlagen der Mechanik, Elektronik und Elektrotechnik, Sensoren & Aktoren, Arduino, Raspberry Pi, Programmierung, CAD, Rapid Prototyping sowie Konzeption, Dokumentation und Präsentation.

Dichter, die Dichter erfunden haben, von James MacPhersons „Ossian“ bis hin zu Fernando Pessoa, Lars Gustafsson und Franz Josef Czernin: In diesem Seminar lesen wir nicht nur die Klassiker des lyrischen Maskenspiels und stellen sie Sitzung um Sitzung in kurzen Referaten vor, sondern tun es ihnen gleich. Genauer: Wir erfinden Dichter, ihr Wirken und ihre Biographie – und schreiben ihre Gedichte in ihrem Namen. Es wird sich um Texte handeln müssen, die uns und unserer eigenen Poetologie einerseits so fremd sind, dass wir sie nie unter eigenem Namen veröffentlichen würden, und die doch einem Aspekt unseres eigenen Schreibens nahe kommen, die vielleicht einer geheimen Vorliebe entsprechen, die uns jedenfalls interessant genug erscheinen, um sie überhaupt schreiben zu können. Er bewege sich „du connu à l’inconnu“, bemerkte Émile Zola einst zum experimentellen Roman. Gleiches muss von jedem neuen Gedicht verlangt werden, doch setzen wir noch früher an und erfinden den Entdecker dieses Unbekannten gleich mit. Gemeinsam ließe sich so ins Grübeln kommen über Rollengedichte und Dichterrollen – und aus neuer und unvertrauter Perspektive über ganz grundsätzliche Fragen der Form, der Tradition, des Stils reden. Neben den neuen Gedichten der imaginären Dichter, vor dem Hintergrund dieses fremden Schreibens, können auch zuvor verfasste, eigene Gedichte der Seminarteilnehmer*innen besprochen werden. Vielleicht gelingt es sogar, als krönenden Abschluss ein kleines „Festival der erfundenen Dichter“ zu organisieren?

“Fundamentally shaped by indigenous, colonial, industrial, and neoliberal histories, surfing—as religion, cultural practice, ludic pursuit, countercultural iconography, competitive sport, multinational industry, and consumer culture—is a profoundly complex global practice, rife with contradictions.” Das vorangestellte Zitat stammt aus der Einleitung des Critcial Surf Studies Reader (Duke University Press, 2017) und zeigt bereits deutlich, wie vielschichtig und komplex eine kritische Auseinandersetzung mit der Kultur und Bewegung des Wellenreitens sein kann und muss. Auch wenn es verlockend erscheint, sich während des kühlen und dunklen Wintersemesters (zumal an einer Hochschule, die hunderte – wenn nicht tausende – Kilometer vom nächsten Surfspot entfernt liegt) in wärmere Gefilde und an paradiesische Strände zu träumen, um sich in Gedanken den Idealisierungen eines Endless Summer hinzugeben, sind es genau diese klischeehaften und zum Teil hochproblematischen Repräsentationen der Surfkultur, die wir im Seminar hinterfragen und dekonstruieren wollen. Die kolonialen, kommerziellen, patriarchalen und neoliberalen Impulse des modernen Surfens sollen anhand von konkreten Beispielen und Textlektüren herausgearbeitet und analysiert werden. Es geht u.a. um die sub- und popkulturelle Darstellung der Surfkultur in Film, Fotografie, Literatur und Musik, um sexistische und rassistische Tendenzen, Erotisierung und Exotisierung, um das „Whitewashing“ der Geschichte des Surfings, um Kommodifizierung und Kapitalisierung sowie um Problematiken des Surf-Tourismus und seine sozialen und ökologischen Folgen. Darüber hinaus spielen phänomenologische Betrachtungen der Praxis des Wellenreitens eine Rolle und wir blicken auch auf die medientheoretischen, philosophischen und kulturtheoretischen Implikationen des Surfens, die u.a. bei Marshall McLuhan, Gilles Deleuze und John Fiske anklingen. Quellenauswahl: Comer, Krista. Surfer Girls in the New World Order. Duke University Press, 2010. Cooley, Timothy J. Surfing about Music. University of California Press, 2014. Hough-Snee, Dexter Zavalza und Alexander Sotelo Eastman, Hrsg. T he Critical Surf Studies Reader. Duke University Press, 2017. Ingersoll, Karin Amimoto. Waves of Knowing: A Seascape Epistemology. Duke University Press,2016. Laderman, Scott. Empire in Waves: A Political History of Surfing. University of California Press,2014. Lawler, Kristin. The American Surfer: Radical Culture and Capitalism. Routledge, 2011. lisahunter. Surfing, Sex, Genders and Sexualities. Routledge, 2018. Out in the Line-Up: Uncovering the Taboo of Homosexuality in Surfing. Regie: Ian W. Thomson, 2014. Stranger, Mark. Surfing Life: Surface, Substructure, and the Commodification of the Sublime. Routledge, 2011. The Endless Summer. Regie: Bruce Brown, 1966. Walker, Isaiah Helekunihi. Waves of Resistance: Surfing and History in Twentieth-Century Hawai‘i. University of Hawai’i Press, 2011. White Wash. Regie: Ted Woods, 2011.

We'll continue to read contemporary phenomena through the lens of "access", and query them for their potential as raw material for art. How do you provide access to your art? To yourself? Under which conditions? Who do you exclude? How is the work defined by the way it is being accessed by an audience? We'll discuss your concepts-in-progress in a free colloquium. New students from all backgrounds are welcome to join this ongoing process. The aim is to develop new methods and approaches, especially those that cross diverse media in a performative way. *ctrl-space live is a praxis seminar that addresses "control" in two ways: a) in its cybernetic sense, meaning not domination but interdependence (the role of the artist becomes that of one actor among many, who can take a shot at affecting processes largely out of her/his control, making connections, encounters, relationships possible), and b) the Deleuzian concept of control, a fluid regime of discipline and mutual surveillance. This is a seminar about the sites where these processes take place. Its aim is to open up spaces for things to happen, in interventions and performances on- and offline. At its heart this is a performance seminar, addressing the uniqueness of the present moment.

We will continue to read contemporary phenomena through the lens of the term "access" and query them for their potential as raw material for art. How do you provide access to your art? To yourself? Under which conditions? Who do you exclude? How is the work defined by the way it is being accessed by / the way it positions itself to the audience? We'll discuss your concepts-in-progress in a free colloquium. New students from all backgrounds are welcome to join this ongoing process. The aim is to develop new methods and approaches, especially those that cross diverse media in a performative way. *ctrl-space live is a praxis seminar that addresses "control" in two ways: a) in its cybernetic sense, meaning not domination but interdependence (the role of the artist as one actor among many, who can take a shot at affecting processes largely out of anyone's sole authority, managing connections, encounters, relationships), and b) the Deleuzian "control society", a fluid regime of mutual surveillance and continuous behavior modulation. This is a seminar about the sites where these processes take place. Its aim is to open up spaces for things to happen, in interventions and performances on- and offline. At its heart this is a performance seminar, addressing the uniqueness of the present moment. Workshops: Mid Term Review *if the pandemic allows. Cryptoparty@Glasmoog Working language is English.

»Ich stelle die menschlichen Einfälle und meine persönlichen Einfälle einfach als Gedanken dar, die zum menschlichen Bereich gehören, und trenne sie scharf von denen des anderen Bereichs.« (Michel de Montaigne) / »Der mit Abstand beste Beweis ist die Erfahrung. « (Francis Bacon) / »Wenn die Wahrheit nicht in den Regalen des Britischen Museums zu finden ist, wo, so fragte ich mich, während ich zu Notizbuch und Bleistift griff, sollte sie sonst zu finden sein? (Virginia Woolf) / »Der Essay aber lässt sich sein Ressort nicht vorschreiben.« (Theodor W. Adorno) / »Ein Essay ist ein Spaziergang, ein Lustwandeln, keine Handelsreise.« (Michael Hamburger) / »Wir erzählen uns Geschichten, um zu leben.« (Joan Didion) / »Der durch Fragen ausgelöste Schwindel setzt ein Leben ständiger Selbstprüfung in Gang.« (George Steiner) / »Die einzigen interessanten Antworten sind die, die die Fragen zerstören.« (Susan Sontag) / »Niemand kann von mir verlangen, daß ich Zusammenhänge herstelle, solange sie vermeidbar sind.« (Ilse Aichinger) / »Man gewöhnt sich daran, dass das Leben wie ein Netz ist, etwas bleibt ja doch darin hängen. Nach dem Rest darf man nicht greifen, sonst reißen die Maschen, und dann ist alles weg.« (Asal Dardan). Über die Frage, was ein Essay ist, was ihn von der fiktionalen Prosa unterscheidet, wieviel Persönliches darin verhandelt werden darf (alles!), darüber wollen wir anhand von ausgesuchten Beispielen aus der Tradition und der Gegenwart sprechen. Zudem sind alle Teilnehmer*innen des Seminars gebeten, Essays zu schreiben und zur Diskussion zu stellen. Der Besuch von Gästen ist geplant.

Als der Schriftsteller W.G. Sebald am 14. Dezember 2001 in der Nähe seines Wohnortes in Ostengland bei einem Autounfall ums Leben kam, löste diese Nachricht in der literarischen Welt einen Schock aus. Wenige Monate zuvor war sein gefeierter erster Roman »Austerlitz« erschienen, die englischsprachige Welt überschlug sich vor Begeisterung, und auch in Deutschland kam der aus dem allgäuerischen Wertach stammende Schriftsteller immer mehr im Bewusstsein der Leser*innen an. W.G. Sebald galt vielen spätestens seit seinem Erzählband »Die Ausgewanderten« als moderner Klassiker, aber auch zuvor hatte er mit jedem seiner Bücher – sei es mit seinen Essays zur österreichischen Literatur, mit seinem Langgedicht »Nach der Natur« und seinem ersten Prosabuch »Schwindel. Gefühle« für Aufsehen gesorgt. Es ist etwas Seltsames um die Literatur dieses Wanderers zwischen den Welten, »ein Einzelgänger, ein melancholischer promeneur solitaire, angezogen von geheimen Macht – und Unheilsorten (...), dessen Blick die Schichten des Gewesenen durchdringt und hinter dem Geschauten synchron das Verschwundene imaginiert« (Sigrid Löffler). Diese Mischung aus Erzählung, Bericht, Naturkunde und Reflexion sucht in der deutschsprachigen Literatur ihresgleichen. Wo enden die Fakten, und wo beginnt die Geschichte? Was hat es auf sich mit den Fotografien, die sich in allen seinen Büchern finden? Und was mit dieser sinnlich-altmodischen Sprache, jenen weit ausschwingenden Sätzen, in denen die Toten umgehen wie die Lebenden, und von einer Zeit erzählen, die gerade erst vergangen und zugleich weit entfernt zu sein scheint? Wir wollen uns dem schmalen, aber zugleich unerschöpflichen Werk W.G. Sebalds nähern, indem wir einige ausgewählte Essays und Erzählungen untersuchen, uns mit dem Schriftsteller auf eine Wanderung durch Suffolk begeben und seinen Roman »Austerlitz« gemeinsam lesen.

Dana Bunescu is a Romanian film editor and sound editor. She is best known for editing Cristian Mungiu's films 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (2007, the film won three awards at the 2007 Cannes Film Festival, including the Palme d'Or), The Autobiography of Nicolae Ceaușescu (dir. Andrei Ujică, 2010, screened at Cannes) as well as Calin Netzer’s Ana, Mon Amour (2017, Berlinale), for which she won the Silver Bear for Outstanding Artistic Contribution. As a sound designer Dana worked on films such as Child’s Pose by Călin Peter Netzer, winner of Golden Bear for Best Film, Berlinale 2013, and Aferim! by Radu Jude (winner of Silver Bear at the Berlinale 2015). In this seminar we will watch a selection of the films Dana Bunescu worked on as editor and/or as sound designer, ranging from well-known films to lesser known ones, and read texts placing these films into historic and cinematic context. Main goal of the seminar is to have close look at how screenwriting, camera, editing as well as sound design stand in relation to one another. In English and German. Please note: Dana Bunescu will give a workshop in the compact week, 12-16 June 2023, please see the compact seminar-text.

Fortsetzung des im WiSe begonnenen Seminars mit Schwerpunkt auf Drehvorbereitung und praktische Umsetzung. Dreh im Juli an 4 Tagen. Im zweiten Teil des Seminars geht es um die Fertigstellung der Drehbücher für die 4 Kurzfilme, die an 4 Drehtagen realisiert werden sollen. Es werden die notwendigen Räume, also Motive, auf ihre Eignung für eine visuell interessante Umsetzung geprüft, Kriterien zur Auswahl definiert und der Ablauf einer Motivsuche und einer Motivbesichtigung zum Dreh besprochen und analysiert. Was geht unter welchen Umständen und wie ist es realisierbar? Dabei gilt zu beachten, dass der Mangel Personal, Material und an „Räumen“ immer besteht: Zeitraum, physikalischer Raum, psychologischer Raum, finanzieller Spiel“raum“… Wie geht man damit in welcher Funktion im Team um? Ist Mangel ein Motor für Kreativität? Danach wird an der Auflösung gearbeitet: Wie ist das Verhältnis von Personen und Raum zueinander und im Verhältnis zu Einstellungsgröße und Kamerabewegung für den Zuschauer nachvollziehbar darzustellen? Welche Prioritäten müssen / können gesetzt werden? Rhythmus und Montage sind zu bedenken. Welche Informationen sollen zuverlässig und welche unzuverlässig, also weit interpretierbar an den Zuschauer vermittelt werden? Kann / sollte man das Verhältnis von Atmosphäre und Information vor dem Dreh definieren und nach welchen Kriterien kann man das beurteilen? Gibt es technische Besonderheiten, die zu testen sind? Dann machen wir das. Und wird es am Ende noch Platz für das Spielerische geben? Schränken sehr genaue Drehvorbereitungen den Raum für kurzfristige Änderungen zu sehr ein? Was ist mit Improvisation…? Etc.pp.

Stoffentwicklung, erster Schritt: aus Ideen, Ahnungen, Wünschen, Ängsten (oder was auch immer uns sonst so antreibt) einen Text machen. Für einen Film, für ein filmisches Projekt. Egal ob kurz, lang oder seriell. Damit das funktioniert, wird es praktisch: Zwischen den Terminen werden alle schreiben. Diese Texte gehen dann zurück in die Runde, damit wir beim nächsten Termin wieder einen Schritt weiter kommen. Ziel ist die eine Seite, auf der im Grunde schon alles steht. Denn eine reiche Seite ist wie Saatgut, das die Dürre der weiteren Arbeit überdauern wird. Und wenn es schnell geht, dann kommt gleich die nächste Idee dran.

Despite playing a central role in the Ad Tech ecosystem, the primary business model of the Internet, users are surprisingly disconnected from the particularities of this industry. This is especially critical since user data is the main resource of Ad Tech. Performed by mundane gestures such as clicking and scrolling, user data is ubiquitously extracted, processed and commercialized by legions of algorithms organized and activated by global corporations and their intermediaries. This gigantic yet incredibly obfuscated maze of tangled contingencies (including algorithms, tracking technologies, devices, data centers, electricity, marketers, designers, engineers, CEOs, user data and foremost, money) traverses millions of bodies (both human, and non-human) spread all over the world. However, regardless of the compelling role of this diverse mesh of bodies in the organization and activation of Ad Tech, both their intrinsic material and their affective dimensions are dramatically neglected, thus exposing them to increasingly exploitative practices. This, in turn, excludes the possibility of repairing these systems to make them more sustainable in every sense of the word. Thus, it is urgent to create new paradigms that propose a renewed way to imagine the diversity of relationships that occur within the Internet in order to inhabit this system sustainably. The goal of this seminar is not only to foster a deep understanding of these systems, but also to empower students with the knowledge and tools to re-balance and repair the existing disparities. Through a combination of artistic research, embodied knowledge, critical pedagogy, and basic investigative journalism methods, we'll perform an in-depth analysis of the historical legacies, infrastructures, economic frameworks, cultures, materialities and affects that construct the current map of the Internet. Guest Speakers: 23 May 2024, 7 pm - Matthew Fuller (in person), public lecture at the Aula May 2024 - Ben Grosser (in person, TBC) June 2024 - Marloes de Vaelk (in person, TBC)

Our so-called networked society has failed so far to transpose the logic of interconnectedness into our lives. Citizens are becoming increasingly machine-like and dependent on data, threatening the connection between humans and their natural habitats. Although most of our daily transactions are carried out through electronic devices, we know very little of the apparatus that facilitates such interactions, or in other words, about the factory that lies beyond the interface. In this seminar, we will perform an in-depth exploration of the interface as a well-engineered capitalist machine that disconnects users from the material complexities of global chains of commodity and data production—and also social reproduction—with the aim of increasing economic profit. Thus, it is necessary to trace the connections that exist between things—as well as the workload involved in the basic maintenance of those connections—if the user is to fully understand the systems they operate in, in order to balance and repair the profoundly asymmetrical distribution of agency, energy, labor, time, care and resources within these planetary networks. The goal of this seminar is not only to foster an understanding of these systems, but also to empower students with the knowledge and tools to re-balance and repair the existing disparities. Office hours: Thursdays, 10:00 – 13:00 h either at Atelier Netze or at the office.

Stefano Harney & Guest: Max Jorge Hinderer Cruz What would it mean to move from thinking about decoloniality to putting it into practice - in an art school, in a city, in a society? What is the relationship of decolonial theory to anti-colonial praxis, to post-colonial theory (and another kind of practice) and to the continuing domination of the neo-colonial and the imperial? What are the connections to the history of Third Worldism and the Non-aligned Movement? What are the links to development theory? For instance, to notions of underdevelopment, combined and uneven development, and the problem of the comprador classes? Finally, what is the relation of decolonial theory and practice to anti-blackness and to indigenous philosophies? This seminar will be co-led with the Director of the Academy of World Culture in Cologne (ADKDW), Max Jorge Hindered Cruz. This seminar is conceived as a collective endeavour. Students will be invited to contribute readings, documentaries, and suggestions for guests in the seminars. Guests will contribute their own perspective, including Her Excellency Tonika Sealy Thompson, Ambassador of Barbados to Brazil, who will speak on her concept and practice of decolonial diplomacy.

Stefano Harney & Guest: Max Jorge Hinderer Cruz We will continue our investigations into the thought and practice of decolonization, including but not limited to contemporary calls to decolonize institutions, curricula, and public space and public history. The seminar will revolve around invited speakers who will lead us in conversation around these issues. Week by week we will continue to search for a praxis, a coming together of theory and practice. Further explorations will be made of the eras of decolonization, the anti-colonial movements, and the emergence of new theoretical trajectories such as decolonial theory. Where possible we will also investigate spaces in Cologne itself, and the region more generally.

Wie wird aus dem Abbild einer Person ein Porträt? Wie beeinflusst die über 4.000 Jahre währende Tradition des Porträts die Gattung in unserer gegenwärtigen medialen Situation, insbesondere im repräsentationskritischen Experimentalfilm? Wie steht es um das Gebot der Abbildungstreue des Dokumentarischen bei Porträts von Menschen, die gar nicht existieren? Wie um die Perspektive des/r Betrachtenden, das problematische Verhältnis von Voyeurismus und Narzissmus, Vorstellen und Ausstellen, dem wir im Porträt begegnen? Wie in kurzen filmischen Formen dem sozialen und kulturellen Umfeld gerecht werden, in dem die Porträtierten stehen? Und wie die gängige Zu- und Festschreibung des Porträts umgehen: „So bist Du“? Wir sehen filmische Porträts von Individuen, Paaren und Gruppen, von Außenseiter*innen und Einzelgänger*innen, Künstler*innen und anderen Arbeitenden, von queeren, behinderten, jungen und alten, verehrten und geliebten, auch von abwesenden, toten und imaginierten Menschen. Filme von Agustina Comedi, Jana Debus, Andrés Duque, Forugh Farrochzad, Luke Fowler, Robert Frank, Hollis Frampton, Richard Fung, Chloé Galibert-Laîné, Birgit Hein, Mike Hoolboom, Edward Owens, Florian Riegel, Margaret Tait, Leslie Thornton u.v.a.

Da wären die Ästhetik der Flaute, der Passivität, des Unvermögens und die der Nachhaltigkeit. Dranbleiben oder ablassen? Ablassen! Was aber bedeutet Degrowth für die künstlerische Produktion? Wie sinnvoll ist die Unterscheidung von High Energy und Low Energy Texten – und woran lassen sie sich überhaupt unterscheiden? Ist Textenergie eine Sache der Syntax, der Semantik, des Rhythmus? Anhand von Beispielen aus theoretischen, fiktionalen und poetischen Textgattungen befassen wir uns mit vielen Erscheinungsformen der Deflation und beobachten dabei, wie sich die Lektüre mit der Rezeptionshaltung ändert, etwa wenn wir Gedichte als Theorie lesen, oder umgekehrt. Ein Seminar über Spannungsabfall, schwankende Textenergien und die Möglichkeiten von Text-Recycling. Inklusive eines Workshops zum Verkommenlassen für Anfänger und Fortgeschrittene. Lasst Parasiten heran! Mit Texten [in englischer und deutscher Sprache] von Ottessa Moshfegh, Álvaro de Campos, Michael Donhauser, Luise Meier, Hans-Christian Dany, Hayley Campbell, Eduardo Viveiros de Castro, Paul Lafargue, Michel Serres, Petra Coronato (tongue tongue Hongkong), Sonja vom Brocke, Kathrin Busch, Etel Adnan, Octavia Butler, Joyelle McSweeney und anderen. [CN: Tod]

Erster Termin: 18. April 2023, 13 Uhr, weitere Termine nach Absprache In diesem Seminar geht es darum, gemeinsam am Literaturbetrieb teilzunehmen. Nach Jahren abgesagter und ins Digitale verlegter Veranstaltungen, wollen wir wieder live und vor Ort dabei sein, mit allem, was dazu gehört, den Begegnungen und Gesprächen, davor, währenddessen und danach. Dabei geht es nicht nur darum, Literaturveranstaltungen zu besuchen und unterschiedliche Formate kennenzulernen, Ziel soll es auch sein, die eigene Haltung gegenüber poetologischen Fragestellungen zu ergründen. Zusätzlich gibt es Gelegenheiten, sich in der kleinen Gruppe, aber auch darüber hinaus, über Literatur, den Literaturbetrieb und aktuelle Feuilleton-Debatten auszutauschen und daran teilzunehmen. Das Seminar "Den Literaturbetrieb erleben" kann als Ergänzung zum Kompaktseminar "Den Literaturbetrieb verstehen" besucht werden, funktioniert aber auch ganz eigenständig. Wir starten mit der Poetica, die dieses Jahr das Thema „Writing in the name of…“ in Lesungen, Debatten und Workshops zur Diskussion stellt. Außerdem wird eine Exkursion zum Literaturfestival PROSANOVA nach Hildesheim Teil des Seminars sein. Weitere Infos & Veranstaltungen folgen.

De rerum natura: A climate change is a collaborative production project between different institutions and art centers around the world, during which we will be making a film about the impact of the climate change in our daily lives. Its methodology is a cadavre exquis where the concepts / audio tracks are exchanged amongst the participants during the first phase of production. During the seminar each participant will present their work process and remains in constant contact with the other team from whom they have received the concept and soundtrack. Participating institutions: KHM - Kunshochshule für Medien, Cologne (Germany), NID - National Institute of Design, Vijeywada (India), CAFA - Central Academy of Fine Arts, Beijing (China), BBAA - Facultad de Bellas Artes, Bilbao (Spain), VAA - Vilnius Academy of Arts, Vilnius (Lithuania), Accademia Belle Arti di Napoli, Naples, Italy, Estudio el palmeral, Barcelona (Spain).

Nachdem wir „Saint Omer“ von Alice Diop (Internationale Filmfestspiele von Venedig 2022, u.a. Großen Preis der Jury) und „Anatomy of a Fall“ von Justine Trier (Goldene Palme Filmfestspiele in Cannes, Europäischer Filmpreis 2023 ) gesehen haben, hatten wir großen Gesprächsbedarf. Aus welcher Perspektive erzählt das audiovisuelle Werk, in welchem historischen Kontext ist es zu sehen? Verändert sich der Gerechtigkeitsbegriff über die Jahre? Wie kann ein Film Gerechtigkeit abbilden? Wie steht der westliche Rechtskreis in Spannung zu anderen Rechtskreisen? Was ist Recht überhaupt? In welchem Verhältnis stehen Recht und Gerechtigkeit zueinander? Und, was ist Moral? Gerichtsfilme sind Filme, deren Handlungsstrang schwerpunktmäßig das Geschehen vor Gericht darstellen. Oft geht es nicht nur um bewegende Plädoyers, schockierende Wendungen und einen klaren Konflikt zwischen Gut und Böse. Nicht selten werden gesellschaftlich relevante Themen behandelt oder das Rechtssystem selbst hinterfragt. Menschen werden beurteilt, verurteilt, freigesprochen. Opfer können zu Täter*innen werden. Immer geht es um Recht, Sühne, Gerechtigkeit und Moral. Um (Ver)schweigen, Lügen, um Verweigern und Gestehen. Um eine bestimmte Sprache. Ob Spielfilm, Dokumentarfilm, Serie oder Essay, gemeinsam möchten wir mit euch im Theorieseminar „Der Gerichtsfilm - Annäherung an ein Genre“ die filmästhetischen und narrativen Merkmale analysieren und die gesellschaftlichen Implikationen anhand von (rechts-)philosophischen und filmtheoretischen Texten untersuchen. After watching "Saint Omer" by Alice Diop (Venice International Film Festival 2022, Grand Jury Prize, among others) and "Anatomy of a Fall" by Justine Trier (Palme d'Or at the Cannes Film Festival, European Film Award 2023 ), we had a great need to talk. From which perspective is the film told, and in which historical context should it be seen? Does the concept of justice change over the years? How can a film depict justice? How is the Western legal system in tension with other legal systems? What is justice anyway? What is the relationship between law and justice? And what is morality? Courtroom movies are films whose storylines focus on what happens in court. It is often not just about touching pleadings, shocking twists and turns and a clear conflict between good and evil. It is not uncommon for socially relevant topics to be addressed or for the legal system itself to be scrutinized. People are judged, convicted and acquitted. Victims can become perpetrators. It is always about law, atonement, justice and morality. About silence, lies, denial and confession. About a certain language. Be it a feature film, documentary, series or essay, we would like to analyze the film aesthetic and narrative characteristics together with you in the theory seminar "The Courtroom Film - Approaching a Genre" and examine the social implications using (legal) philosophical and film theory texts.

Das Doktorand*innen -Kolloquium versteht sich als eine freie Denkwerkstatt, in der Verfahrensweisen, Analysetechniken und Untersuchungsmethoden des künstlerisch-wissenschaftlichen Forschens ausgelotet werden. Das Kolloquium möchte den Teilnehmer*innen die Möglichkeit bieten, ihre je eigenen künstlerisch-wissenschaftlichen Themen und Fragestellungen zu präsentieren. Promovend*innen können Ideen und Konzepte, den jeweiligen Stand eines Promotionsvorhabens, noch ausstehende Arbeitsschritte einer laufenden Dissertationsarbeit oder den jeweiligen Konsolidierungsgrad eines Forschungsvorhabens zur Diskussion stellen und im geschützten Raum einer solidarischen Gesprächsgemeinschaft austesten.

Ort: Montepulciano, Italien Die globalen Folgen unseres technischen Handels zeigen sehr deutlich: Wir müssen die kulturelle Dimension von Technik und Poiesis neu denken! Die nüchterne wissenschaftliche Analyse hat noch nie gereicht, um Technik kulturell zu integrieren und das Handeln des Menschen zu ändern. Was vor allem fehlt, sind andere Erzählungen unseres Umgangs mit Technik. Einerseits muss die Funktionsweise technischer Objekte verständlich gemacht werden, andererseits gilt es, das grundsätzliche Verhältnis von Mensch und Technik herauszuarbeiten. Nach Simondon gibt es in unseren artifiziellen Objekten ein poetisches Potential, das aufgrund des Mangels an technischen Poeten noch nicht erschlossen ist. Dafür muss das technische Objekt als etwas entfaltet werden, das über den bloßen Status des Geschaffenen und Funktionierten hinausgeht. Das technische Objekt muss zuerst von der reinen Zweckrationalität befreit werden, damit es den angemessenen Ort in unserer Kultur finden kann. In der Folge geht es vor allem auch darum, neue Narrative zu entwickeln, mit denen wir die technische Bedingtheit unseres Lebens in den Griff bekommen. Nicht zuletzt müssen wir aber auch das Machen selbst reformieren. Dies ist nur über einen experimentellen Zugang möglich, der die Möglichkeitsräume des Machens praktisch erkundet und gleichzeitig theoretisch reflektiert.

Transferring artistic practice into the exhibition space not only enables an aesthetic spatial experience. Rather, artists operate with displays and spaces of projection in order to irritate ways of seeing and looking, to make time and space experiences as non-linear movements also tactilely experienceable. The seminar will focus on installative and moving image-oriented interventions in the exhibition space that address and transform images, spatiotemporal experiences in a geopoetic way, such as Isaac Julien's or Bouchra Khalilis' multi-channel installations, Zadie Xas', Michaela Melián's or the Raqs Media Collective's installations. Geopoetic practices and procedures have been reflected primarily in literature since the 1970s, especially in the exploration of linguistic and geographical edges and spatially mapping movements. Poetics can thereby be understood beyond their aesthetic and linguistic dimensions as forms of “coming together”, of becoming communal (Kerry Banazek). In art, however, not only since documenta 11 have they been a significant part of the engagement with transitory, nomadic, diasporic movements and poetics, with themes of Third Space (Bhabha), constantly in process as alternative and nomadic-subjective spaces (Braidotti). Edouard Glissant describes this poetic as relational, radiant, multiplicity, differential force. In the seminar we will discuss time- and geopoetic texts and artistic translations into the exhibition space, go in search of artistic examples and engage in a workshop with Isaac Julien's exhibition at K21. A reader and reading list will be provided in the seminar. As texts, we will develop a short exhibition reflection and a free essay on a topic of your own choice in the context of the seminar. Künstlerische Praxis in den Ausstellungsraum zu transferieren, ermöglicht nicht nur eine ästhetische Raumerfahrung. Vielmehr operieren Künstler*innen mit Displays und Projektionsräumen, um Sicht- und Blickweisen zu irritieren, Zeit- und Raumerfahrungen als non-lineare Bewegungen auch taktil erfahrbar werden zu lassen. Dabei stehen im Seminar installative und bewegtbildorientierte Interventionen in den Ausstellungsraum im Fokus, die in geopoetischer Weise Bilder, raumzeitliche Erfahrungen adressieren und transformieren, wie die Mehrkanalinstallationen Isaac Juliens oder Bouchra Khalilis, die Installationen Zadie Xas, Michaela Meliáns oder des Raqs Media Collectives. Geopoetische Praktiken und Verfahren wurden seit den 1970ern vor allem literarisch reflektiert, insbesondere in der Auseinandersetzung mit sprachlichen und geografischen Rändern und raumkartierenden Bewegungen. Poetiken können dabei über ihre ästhetische und sprachliche Dimension hinaus auch als Formen des Zusammenkommens, des gemeinschaftlichen Werdens verstanden werden (Kerry Banazek). In der Kunst sind sie jedoch nicht erst seit der documenta 11 maßgeblich Teil der Auseinandersetzung mit transitorischen, nomadischen, diasporischen Bewegungen und Poetiken, mit Thematiken des Third Space (Bhabha), beständig im Prozess als alternative und nomadisch-subjektive Räume (Braidotti). Edouard Glissant beschreibt diese poetische als relationale, (aus)strahlende, multiple, differente Kraft. Im Seminar diskutieren wir zeit- und geopoetische Texte und künstlerische Übersetzungen in den Ausstellungsraum, machen uns auf Suche nach künstlerischen Beispielen und setzen uns in einem Workshop mit Isaac Juliens Ausstellung im K21auseinenader. Ein Reader und eine Literaturliste sind Teil des Seminars. Als Texte erarbeiten wir eine kurze Ausstellungsreflexion und einen freien Essay zu einem selbstgewählten Thema im Rahmen des Seminars.

Im Seminar Diplom- und Debütkolloquium habt ihr die Möglichkeit über eure Diplomfilme und zukünftigen Debütstoffe zu sprechen und euch auszutauschen. Die Projekte können in unterschiedlichen Schaffensstadien sein, das heißt von Ideenskizze bis Rohschnitt, egal ob fiktional, dokumentarisch oder experimentell. Es geht darum, vom Feedback anderer zu lernen, sich selbst zu positionieren, eine eigene Erzählhaltung zum eigenen Stoff zu entwickeln und sich auch das Handwerk anzueignen, um sich später auf dem Markt positionieren zu können. Aus diesem Grund wird es auch immer Exkurse zu verschiedenen Themen (Antrag bei Filmförderungen - auch für den Diplomfilm -, erste Verträge etc.) geben, um auf die Zeit nach dem Studium vorbereitet zu sein. In this Diploma and Debut Colloquium, you will be able to discuss and exchange ideas about your diploma film and, if applicable, debut film. The projects can be in different stages of development, from idea sketch to rough cut, no matter if fictional, documentary or experimental. The point is to learn from the feedback of others, to position oneself, to develop one's own narrative and stance towards one's own material and to gain and acquire knowledge, experience and tools in order to be able to position oneself in the ‘industry’. To support this, we will also visit topics such as debut broadcasters, funding, festivals, etc., in order to be prepared for your time after graduation.

Im Seminar Diplom- und Debütfilmkolloquium habt ihr die Möglichkeit über eure Diplomfilme und zukünftigen Debütstoffe zu sprechen und euch auszutauschen. Die Projekte können in unterschiedlichen Schaffensstadien sein, das heißt von Ideenskizze bis Rohschnitt, egal ob fiktional, dokumentarisch oder experimentell. Es geht darum, vom Feedback anderer zu lernen, sich selbst zu positionieren, eine eigene Erzählhaltung zum eigenen Stoff zu entwickeln und sich auch das Handwerk anzueignen, um sich später auf dem Markt positionieren zu können. Aus diesem Grund wird es auch immer Exkurse zu verschiedenen Themen (Debütredaktionen, Förderungen, Festivals etc.) geben, um auf die Zeit nach dem Studium vorbereitet zu sein. In this Diploma and Debut Colloquium, you will be able to discuss and exchange ideas about your diploma film and, if applicable, debut film. The projects can be in different stages of development, from idea sketch to rough cut, no matter if fictional, documentary or experimental. The point is to learn from the feedback of others, to position oneself, to develop one's own narrative and stance towards one's own material and to gain and acquire knowledge, experience and tools in order to be able to position oneself in the ‘industry’. To support this, we will also visit topics such as debut broadcasters, funding, festivals, etc., in order to be prepared for your time after graduation. Termine/dates: Do, 20.04.2023, 04.05.23, 11.05.23, 25.05.23, 01.06.23, 22.06.23, 06.07.23

Im Seminar Diplom- und Debütkolloquium habt ihr die Möglichkeit über eure Diplomfilme und zukünftigen Debütstoffe zu sprechen und euch auszutauschen. Die Projekte können in unterschiedlichen Schaffensstadien sein, das heißt von Ideenskizze bis Rohschnitt, egal ob fiktional, dokumentarisch oder experimentell. Es geht darum, vom Feedback anderer zu lernen, sich selbst zu positionieren, eine eigene Erzählhaltung zum eigenen Stoff zu entwickeln und sich auch das Handwerk anzueignen, um sich später auf dem Markt positionieren zu können. Aus diesem Grund wird es auch immer Exkurse zu verschiedenen Themen (Antrag bei Filmförderungen - auch für den Diplomfilm -, erste Verträge etc.) geben, um auf die Zeit nach dem Studium vorbereitet zu sein. In this Diploma and Debut Colloquium, you will be able to discuss and exchange ideas about your diploma film and, if applicable, debut film. The projects can be in different stages of development, from idea sketch to rough cut, no matter if fictional, documentary or experimental. The point is to learn from the feedback of others, to position oneself, to develop one's own narrative and stance towards one's own material and to gain and acquire knowledge, experience and tools in order to be able to position oneself in the ‘industry’. To support this, we will also visit topics such as debut broadcasters, funding, festivals, etc., in order to be prepared for your time after graduation.

We have been seeing more and more hybrid cinema forms since the 1980s. Is it true that classical cinema is dead as Godard announced? Or are we moving into the merged space between theatrical narrative and radical journalism? The underground filmmaking in China, in the Arabic world and in other non-western countries have suggested a more political and radical cinematic language, yet, the west and especially Hollywood is still refining the expensive studio and superstar-oriented production. We might need new terms to replace the word ‘documentary’ or ‘fiction’ in the current world of film practice. But we can never change the essence of storytelling in cinema. What is the particularity of docu-fiction narrative? What are the ways of dealing with facts, archives, documentary real people in their environments, and dramatization? And how should we direct reenactment and performative scenes? In this class, we will examine these issues. We will study and discuss the clips from key films, and will have short film exercises to explore various cinematic languages. Outcome: Through discussion and short film exercises, students will learn different modes of visual narrative. In particular, students will acquire a sophisticated sense of hybrid storytelling that will assist them in forging a cinematic language and a visual narrative of their own. This course is divided into two parts. Part 1 (wks 1-5): study of the hybrid form and essential skills for hybrid cinema. Part 2 (wks 6- end of term): hybrid storytelling workshop: reenactment, performative, dramatization, improvisation from the scripted or non scripted projects, and other modes of narrative.

Theorieseminar und/and Workshop Die documenta 1955 – vom Künstler und Professor der dortigen Kunstakademie Arnold Bode als demokratische Ausstellungsreihe im kriegszerstörten Kassel begründet - trat an, um die in der NSZeit verfemte und unsichtbar gemachte moderne Kunst zu rehabilitieren. Sie begann jedoch ebenfalls mit dem Anspruch einer Bestandsaufnahme zunächst nationaler, dann internationaler aber überwiegend westlicher Kunst seit 1945, um seismographisch gegenwärtige Tendenzen, unabhängig vom Kunstmarkt aufzugreifen. Im fünfjährigen Turnus mit wechselnden Kurator*innen, spezifischen thematischen oder medialen Schwerpunkten an geschichtsträchtigen Orten angelegt, wurde erst mit Catherine David 1997 den Stadtraum und die kritische Kunst belebende Kuratorin berufen und mit der documenta 11 vom Kurator Okwui Enwezor das Ausstellungsformat um vier diskursive Plattformen mit globalen Themen und de/postkolonialen Fokussierungen erweitert. Doch die Maßstäbe setzende Großausstellung steht in der Kritik - nicht nur, dass sie eine wachsende Biennalisierung, Kunsttourismus und Wertschöpfung befördere, sondern auch die Teilhabe von beteiligten Ausstellungsmachern am NS-System. Die auf europäische und nordamerikanische Kunst ausgerichtete Schau war zunächst wenig heterogen und es gab kaum Künstlerinnenbeteiligung. In gemeinsamen Lektüren und Workshops mit sowie Recherchen vor Ort in der Ausstellung und im documenta-Archiv nehmen wir in close readings am Beispiel der documenta mit kuratorischen Konzepten, Ausstellungsgeschichte und -praxis kritische Tiefenbohrungen vor. The seminar dedicates itself to a critical reflection of the documenta founded in 1955 by the artist and Art Academy professor Arnold Bode as democratic exhibition series in Kassel in ruins after WWII. It started not only to make repressed modern art visible again and to work on its rehabilitation, but with the claim to review national, later international western art since 1945 to show actual tendencies independently from the art market. While opening every five years with changing curators, specific themes or media focuses at historical places, only in 1997 a female curator was nominated with Catherine David who addressed also the public space and critical art. With documenta 11 by curator Okwui Enwezor the exhibition format was expanded by four discursive platforms with global topics and de/postcolonial focuses. But this major exhibition series is criticized for supporting a biennialization, art tourism and value creation, as well as the participation of curators and staff during the Nazi system. The first versions of the exhibition were mainly oriented towards European and North American art, not heterogeneous, and nearly no female artists. By reading together and doing workshops and research on spot in the exhibition and the documenta Archive with the example of the documenta we will critically explore curatorial concepts, exhibition history and practice in depth. Readings (Auswahl/selection) Lukas Bärfuss /Regine Falkenberg u. a., Documenta, Geschichte/Kunst/Politik, Berlin 2020. Okwui Enwezor, Democracy unrealized, Documenta 11. Platform 1, Ostfildern 2002. Charles Green/Anthony Gardner, Biennials, Triennials, and documenta, Malden 2016. Johannes Kirschenmann u. a (Hg.). Documenta Kassel. Skulptur Münster. Biennale Venedig, München 2007. Ernesto Laclau/Chantal Mouffe, Hegemonie und radikale Demokratie, Wien 2000. Oliver Marchart, Hegemonie im Kunstfeld. Die documenta-Ausst. u. die Politik der Biennalisierung, Köln 2008. Erstes Treffen/ First date: 06.04.2022

Das regelmäßige Doktorandenkolloquium dient dazu, Ideen, kritische Anregungen sowie offene Fragen zu übergreifenden Forschungsthemen auszutauschen und miteinander zu besprechen. Ins-besondere werden in regelmäßigen Abständen die Fortschritte der einzelnen Promotionsvorhaben vorgestellt und diskutiert.

Das Doktorand*innen -Kolloquium versteht sich als eine freie Denkwerkstatt, in der Verfahrensweisen, Analysetechniken und Untersuchungsmethoden des künstlerisch-wissenschaftlichen Forschens ausgelotet werden. Promovend*innen können erste Ideen und Konzepte, den jeweiligen Stand eines Promotionsvorhabens, noch ausstehende Arbeitsschritte oder den jeweiligen Konsolidierungsgrad eines Forschungsvorhabens präsentieren und im geschützten Raum einer solidarischen Gesprächsgemeinschaft zur Diskussion stellen.

„Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen.“ (Jonas Mekas) Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? “ Es gibt keinen Dokumentarfilm.“  (Trinh T. Minh-ha) Das über 3 Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von Filmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, Recherche und Vororterkundung, Umgang mit Kamera und Mikrophon, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen. Der erste dokumentarische Kurzfilm wird auf 16 mm realisiert. Flankiert wird das Seminar mit technischen Einführungen u.a. zu Settonaufnahme und Montage. Im zweiten Teil des GLS (SS 2024) werden dann situativ basierten Miniaturen in einem engen Zeithorizont realisiert. "My greatest discovery was to understand that I don't have to do anything: All I have to do is allow things to happen [...] not stand in their way." (Jonas Mekas) What is the relationship between me and the "things that can happen"? Who is "standing in the way of whom" and what does all this have to do with documentary film? " There is no such thing as documentary film."  (Trinh T. Minh-ha) The seminar, which runs over 3 semesters, combines analysis and discussion of films with first miniatures of one's own documentary practice. The students will try out the search for suitable material, research and preliminary location scouting, handling the camera and microphone, team building, and how to behave towards the protagonists. The first documentary short film is realised on 16 mm. The seminar is flanked by technical introductions, e.g. on set recording and editing. In the second part of the GLS (SS 2024), situationally based miniatures will be realised within a narrow time horizon.

Im 2. Teil des Grundlagenseminars „Dokumentarische Miniaturen“ begleiten wir die Fertigstellung der dokumentarischen 16 mm Miniaturen. Neben der Sichtung der Rohschnittfassungen und weiteren Postproduktionsschritten wird es eine Einführung in die Montage geben. Zudem stellen wir weiterhin Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor. Das Seminar findet in Deutsch/Englisch statt. In the 2nd part of the basic seminar "Documentary Miniatures" we will accompany the completion of the documentary 16 mm miniatures. In addition to viewing the rough cut versions and further post-production steps, there will be an introduction to editing. We will also present documentary films from the history of documentary film. The seminar will be held in German/English.

Im zweiten Teil des Grundlagenseminars Dokumentarische Miniaturen sichten und besprechen wir die Rohschnitte der bisher gedrehten Miniaturen, die im Laufe des Semesters fertiggestellt werden. Eine zweite Miniatur, die mit 2 Rollen 16 mm Material gedreht werden kann, soll recherchiert und konzipiert werden. Dazu wird ein filmisches Konzept entwickelt und die eher visuell gestaltete Miniatur im Team verwirklicht. Darüber hinaus stellen wir weiter beispielhaft Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor.

Im 3. Teil des Grundlagenseminars Dokumentarische Miniaturen begleiten wir die gedrehten oder geplanten dokumentarischen Kurzfilme bis zur Fertigstellung (Montage, Mischung und Grading). Darüber hinaus stellen wir weiterhin wegbereitende Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor.

„Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen.“ Jonas Mekas Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? “Es gibt keinen Dokumentarfilm.“ Trinh T. Minh-ha Das über zwei Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von Filmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, Recherche und Vororterkundung, Umgang mit Kamera und Mikrophon, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen. Diese situativ basierten Miniaturen werden in einem engen Zeithorizont realisiert. Im zweiten Teil (SoSe 2022) wird ein dokumentarischer Kurzfilm auf 16 mm realisiert.

„Meine größte Entdeckung war zu verstehen, dass ich nichts tun muss: Alles, was ich tun muss, ist zuzulassen, dass die Dinge passieren können […] ihnen nicht im Weg stehen. “ Jonas Mekas Welches Verhältnis besteht zwischen mir und den „Dingen, die passieren können“? Wer „steht da wem im Weg“ und was hat das alles mit Dokumentarfilm zu tun? “Es gibt keinen Dokumentarfilm.“ Trinh T. Minh-ha Das über drei Semester laufende Seminar vereint Analyse und Diskussion von Dokumentarfilmen mit ersten Miniaturen zur eigenen dokumentarischen Praxis. Erprobt wird die Suche nach geeigneten Stoffen, Recherche und Vororterkundung, Umgang mit Kamera und Mikrophon, Teambildung, Verhalten gegenüber Protagonist*innen. Darüber hinaus stellen wir beispielhaft Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor. Im ersten Teil (WS 2022/23) wird ein dokumentarische Miniatur auf 16 mm im Team realisiert. Im zweiten Teil (SoSe 2023) werden situativ basierte dokumentarische Miniaturen in einem engen Zeithorizont realisiert. Im dritten Semester werden gegenwärtige Tendenzen und Trends des dokumentarischen Arbeitens im Verhältnis zum eigenen künstlerischen Schaffen diskutiert. Flankiert wird das Seminar mit technischen Einführungen u.a. zu 16mm, Settonaufnahme und Schnitt.

Im 2. Teil des Grundlagenseminars „Dokumentarische Miniaturen“ begleiten wir die Fertigstellung der ersten dokumentarischen 16 mm Miniaturen. Neben der Sichtung der Rohschnittfassungen und weiterer Postproduktionsschritte wird es eine Einführung in die Montage geben. Darüberhinaus stellen wir weiterhin wegbereitende Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor. Fragen gerne an: sklassen@khm.de franke@khm.de

Im dritten Teil des Grundlagenseminars "Dokumentarische Miniaturen" begleiten wir die Fertigstellung der ersten dokumentarischen Kurzfilme. Eine weitere dokumentarische Miniatur kann auf 16 mm gedreht werden, dazu gibt es zwei Rollen Filmmaterial, welches nach genauer Recherche und Erstellung eines filmischen Konzepts genutzt werden kann. Die Montage erfolgt digital. Auch hier werden die Rohschnitt Fassungen anschließend im Seminar besprochen. Technische und produktionstechnische Einführungen sollen im Seminar begleitend angeboten werden. Darüber hinaus stellen wir weiter wegbereitende Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte vor.

Im dritten Teil des Grundlagenseminars ''Dokumentarische Miniaturen'' begleiten wir die Fertigstellung der dokumentarischen 16 mm Miniaturen. Darüber hinaus zeigen wir wegbereitende Dokumentarfilme aus der Dokumentarfilmgeschichte.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film) practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to the projects of others. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

„Ich habe beobachtet…Ich interessiere mich für…Mich beschäftigt schon lange… Das lässt mich nicht los…Gerade jetzt ist es wichtig… Ich habe eine Idee…?“ Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und austauschen können. Ein Raum, der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren. „Ich habe eine Idee…“  – aber was genau interessiert mich eigentlich daran und warum? – Was ist mein eigener, spezifischer Blick darauf? – Welche Perspektive nehme ich ein? – Wie kann aus dieser Idee ein Film werden? – Warum soll das überhaupt ein Film werden? – Wie kann ich im jetzigen Stadium über das eigene (Film-)Projekt sprechen? – Was wünsche und erwarte ich von meinen Zuhörer:innen? – Welche Zweifel habe ich und wo komme ich nicht weiter? – Haben andere ähnliche Schwierigkeiten? – Bin ich allein oder gibt es ein Wir? – Gibt es Filme, die uns beim Nachdenken helfen können? – Filmemacher:innen, die wir konkret ansprechen sollten? – Was wäre der nächste sinnvolle Schritt? Für das eigene Projekt. Für die Projekte der Anderen. Für eine gemeinsame Praxis.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig.

Location: Atelier 4a/4b or at Studio A In winter 2023, the Live/Art seminar continues to collectively read and interrogate dramatic texts by a number of authors from different backgrounds as a way of reflecting not only on historical and contemporary performative traditions but also on important social and political issues of our time. Over the course of the semester we will also explore directorial and performative exercises, using scenes and excerpts to illustrate various interpretative approaches, as well as looking at the role of live camera, music, and the influence of pop culture in performative settings. In Dramarama we will be looking at significant texts and excerpts from plays written by Biyi Bandele, Howard Barker, Staceyann Chin, Caryl Churchill, Lynn Nottage and Wole Soyinka. Field Trips and Excursions: There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, dance, theatre, exhibitions, concerts).

The seminar also takes place at Studio A. In summer 2024 the Dramarama 2! Live/Art seminar continues collectively reading and interrogating dramatic texts together as a way of reflecting on contemporary and historical theatrical traditions. Over the course of the semester we will also explore directorial and performative exercises using scenes and excerpts to illustrate interpretative approaches and looking at the role of live camera and the influence of pop culture in performative settings. In Dramarama 2! we will be looking at significant texts and excerpts from plays written by Alan Bennett, Anton Chekhov, Staceyann Chin, Caryl Churchill, Heiner Müller, Lynn Nottage, Claudia Rankine. Reading List: Samuel Beckett - Not I Alan Bennett - Talking Heads Anton Chekhov - Three Sisters Staceyann Chin - Crossfire Caryl Churchill - Top Girls, Cloud Nine Heiner Müller - Hamletmachine, Mauser Lynn Nottage - Intimate Apparel, Sweat Claudia Rankine - Don’t Let Me Be Lonely Field Trips and Excursions: There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, dance, theatre, exhibitions, concerts).

As a triggering starting point, we will defined an Easy-Lazy strategy of AI design / Easy coding with Dal.e 2 and MidJourney to create dirty digital Shelters in specific Situation (Including Scenario of Fiction-Function). A blog will be developed for URL, HyperTXT, InfraTXT… and large printing of OUTPUT to ‘’pollute’’ the actual ground studio’s ‘’Walls, Ceilings and Attics’’. The Lab will in parallel plans and develops its next evolution (April) about Robotic with a Kuka Machine 7 axes (or Similar), including condition of production (indeterminism artifacts) and strategy of design, means and meaning. From ‘’Bachelor Desirable Machines’ to narrative masochism, from illusion of efficiency and protocols of accuracy to uncertainties, losing control, and unpredictable OUTPUT artifact (including BioTech, Chemistry, Nozzles, Computations, Real Scale fabrication, FeedBack…). A small Robot AR3 will be included first to test the software and system.

Eine Geschichte kann in unendlich vielen Facetten, aus unendlich vielen Blickwinkeln erzählt werden. Je nachdem, wer sie erzählt. Es wird eine Szene geben. Für alle ein und die selbe. Das Ziel ist, dass jede*r Bildgestalter*in ihren bzw. seinen ganz eigenen Weg findet, sie visuell umzusetzen. Und mehr über sich erfährt, wie sie oder er Geschichten wahrnimmt und interpretiert. Der individuelle Ansatz. Das ist das Wichtigste: das Einzigartige entdecken, was das filmische und vor allem visuelle Erzählen betrifft. An sich selbst. An vier Drehtagen werden dabei vier Regie-/Kamerateams (ein Drehtag pro Team) eine vorgegebene Szene filmisch umsetzen.

"(T)he political seems to have as a characteristic the quality of arranging the relationship of things and of people within some form of society. It is an ordering principle, distinguishing the lawful or authorized order of things while itself being the origin of the regulation. We associate, then, the political with power, authority, order, law, the state, force, and violence—all of these are phenomena which restrict the outcome, deflect the extraneous, limit the relevant forces." Cedric J. Robinson, The Terms of Order "Queerness is not yet here. Queerness is an ideality. Put another way, we are not yet queer. (…) Queerness is a longing that propels us onward, beyond romances of the negative and toiling in the present. Queerness is that thing that lets us feel that this world is not enough, that indeed something is missing." José Esteban Muñoz , Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity It begins with desire. A desire to breathe in resonance, to search for other forms of collectivity and hospitality that could accommodate the strangeness, “extraneous” that some of us call home. This seminar offers a home that emerges from cultures of collaborative and collective practices as a refusal to bear the responsibility of a single author. To foreground syncretism is to position ourselves toward decentralized ways of (en)acting together. What we might want to manifest time and again is “that this world is not enough, that indeed something is missing.” If queerness, as Muñoz indicates in his introduction to Cruising Utopia , must be theorized as collectivity, then mourning is, similarly, a mode of communicating or feeling-with that cannot make sense in isolation. That something is missing marks not only a radical disregard for solitary existence but also a fundamental disbelief in the metaphysics of completeness. Gone or not arrived yet, that which we mourn and makes us (home)sick, echoes our brokenness. A (partial) selection of artist collectives to look at: Gugulective, Keleketla! Library, Chimurenga Chronic, Ni Santas Collective, Ruangrupa, The Black Archives, MADEYOULOOK, The Bettys, Gutai Art Association, Center for Historical Reenactments, Raqs Media Collective, … Reading List: Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity , José Esteban Muñoz Zong! , M. Nourbese Philip “Each One Teach One; Practice-Theory-Practice; Collective Support; Mutual Respect & Equal Participation”, Judy Seidman with Medu Art Ensemble, in Chimurenga 15 “The Curriculum is Everything” (2010) “MEDU: Art and Resistance in Exile by Sergio-Albio González” , in Thami Mnyele + Medu Art Ensemble Retrospective , Jacana (2009) “What, How and for Whom (WHW), Collaborations in curating, research and writing to create translocal knowledge and experience” , by Maja and Reuben Fowkes in translocal.org Liam Gillick “Maybe it will be better if we worked in groups of three” part 1& 2, in e-flux Journal The Production of Social Space as Artwork: Protocols of Community in the Work of Le Groupe Amos and Huit Facettes by Okwui Enwezor, in “Collectivism after Modernism. The Art of Social Imagination after 1945" Guest Artists: Sujatro Ghosh Ronan Levoyer, Laure Badufle and kimura byol (OKAP artist collective) Public Talk: "stimmen afrikas" will host a conversation on hybrid, fluent, and constructed identities: Kwame Anthony Appiah and Fatin Abbas, moderated by donna Kukama, – 26 June 2024, 7 pm, Aula of KHM Sprechstunden: donna Kukama: Tuesdays, 11–17 h & Thursdays 13–17 h Ronald Rose-Antoinette: Wednesdays, 11–13 h

"(T)he political seems to have as a characteristic the quality of arranging the relationship of things and of people within some form of society. It is an ordering principle, distinguishing the lawful or authorized order of things while itself being the origin of the regulation. We associate, then, the political with power, authority, order, law, the state, force, and violence— all of these are phenomena which restrict the outcome, deflect the extraneous, limit the relevant forc es." Cedric J. Robinson, The Terms of Order "Queerness is not yet here. Queerness is an ideality. Put another way, we are not yet queer. (…) Queerness is a longing that propels us onward, beyond romances of the negative and toiling in the present. Queerness is that thing that lets us feel that this world is not enough, that indeed something is missing." José Esteban Muñoz, Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity It begins with desire. A desire to breathe in resonance, to search for other forms of collectivity and hospitality that could accommodate the strangeness, “extraneous” that some of us call home. This seminar offers a home that emerges from cultures of collaborative and collective practices as a refusal to bear the responsibility of a single author. To foreground syncretism is to position ourselves toward decentralized ways of (en)acting together. What we might want to manifest time and again is “that this world is not enough, that indeed something is missing.” If queerness, as Muñoz indicates in his introduction to C ruising Utopia , must be theorized as collectivity, then mourning is, similarly, a mode of communicating or feeling-with that cannot make sense in isolation. That something is missing marks not only a radical disregard for solitary existence but also a fundamental disbelief in the metaphysics of completeness. Gone or not arrived yet, that which we mourn and makes us (home)sick, echoes our brokenness. A (partial) selection of artist collectives: Gugulective, Chto delat?, Keleketla! Library, Chimurenga Chronic, Ni Santas Collective, Ruangrupa, The Black Archives, MADEYOULOOK, The Bettys, Gutai Art Association, Center for Historical Reenactments, Raqs Media Collective, … Reading List: Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity , José Esteban Muñoz Zong! , M. Nourbese Philip “Each One Teach One; Practice-Theory-Practice; Collective Support; Mutual Respect & Equal Participation” Judy Seidman with Medu Art Ensemble in Chimurenga 15 “The Curriculum is Everything” (2010) “MEDU: Art and Resistance in Exile by Sergio-Albio González”, in Thami Mnyele + Medu Art Ensemble Retrospective , Jacana (2009) “What, How and for Whom (WHW), Collaborations in curating, research and writing to create translocal knowledge and experience” by Maja and Reuben Fowkes in translocal.org Liam Gillick “Maybe it will be better if we worked in groups of three” part 1& 2 in e-flux Journal The Production of Social Space as Artwork: Protocols of Community in the Work of Le Groupe Amos and Huit Facettes by Okwui Enwezor in “Collectivism after Modernism” Guest Artists: Listening at PUNGWE, Nyabhinghi Lab, Sujatro Ghosh, Le Mardi Gras Listening Collective, Jamilah Sabur, Sara Sejin Chang, Hera Schan, Jeremy (de’jon) Guyton Sprechstunden: Tuesdays, 14–16 h (donna Kukama) Wednesdays, 11–13 h (Ronald Rose-Antoinette)

The seminar is intended as a workshop to help you develop your project further and gain a clearer understanding of the NATURE of your project as perceived by the Market / Industry outside the KHM. Building on the topics from the winter semester - simulating a lab - we will invite 3 specific guests (Streaming, Festival, Development- Lab) working on the threshold between the Art Market and Cinema Industry, to join us within the context of the seminar and give feedback and insight to 6 Projects, that are Work-in-progress. The purpose is to get an in-depth look at the potential of one’s project. Exploring possible directions for further development. And to hopefully to get ideas for a strategy to help you realise the project. Through the seminar, we hope to gain a creative and pragmatic understanding of what the market is for film as an Art Form. We also hope to feed off the experience of our guests and understand what possibilities there are for navigating this realm. The Seminar is intended for students who are working with film (fiction, documentary, hybrid or experimental) and are in the process of realising their Diploma and who wish to start thinking about where they are heading after the KHM. Only six projects can be discussed within the period of the seminar, as we would like each guest to interact with each project. We would like to continue with some projects from the winter semester, but we are also delighted to receive new projects at an advanced stage.

Simulating a lab, we will invite 3 specific guests (Director, Producer, World Sales) working on the threshold between the Art Market and Cinema Industry, to join us within the context of the seminar and give feedback and insight to the selection of Projects. The purpose is to gain feedback and get an in-depth look at the potential of one’s project. Exploring the strengths and possible directions for further development. But the purpose is also to generate a strategy for realising the project. Through the seminar, we hope to gain a creative and pragmatic understanding of what the market is for film as an Art Form. We also hope to feed off the experience of our guests and understand what possibilities there are for navigating this field and realising our projects. The Seminar is intended for students who are working with film (fiction, documentary, hybrid or experimental) and are in the process of realising their Diploma and who wish to start thinking about where they are heading after the KHM. Only six projects can be discussed within the period of the seminar, as we would like each guest to interact with each project. Participation as an observer without a project is possible and desired.

Vorbesprechung: Donnerstag, 13. April 2023 Beginn des Seminars: Mittwoch, 26. April 2023, 14 Uhr, im Atelier Netze und via Zoom. Exkursion: 30. April – 7. Mai 2023 (Circa-Termin, plus/minus 1 Tag) nach Montepulciano oder an einen Ersatzort. Das Seminar schließt mit einem Kompaktseminar in der Kompaktwoche vom 12. Juni – 16. Juni 2023 ab. Zeit/Ortstermine während des Semesters in Absprache mit den Teilnehmenden. Zentraler Fokus des Seminars ist die Auseinandersetzung mit dem Format Musikvideo. Im Rahmen der Exkursion nach Montepulciano oder an einen Ersatzort am Anfang des Semesters planen wir eine 5-Tage-Session, in der wir gemeinsam die Kulturtechnik und das Medium Musikvideo auseinandernehmen, erforschen und analysieren. Wir schauen auf das Zusammenspiel von Mode, Musik, Politik, Technik, Technologie, Gesellschaft, Queerness, Gender, Diversity und anderer Komponenten. Wir finden versteckte und offensichtliche Symbolik, Tropes (racist, sexist, ableist, normative, classist etc.) und Referenzsysteme. Wir arbeiten miteinander oder auch alleine nach persönlichem Bedarf. Es wird ausdrücklich eingeladen, eigene Videolisten einzubringen. Im Rahmen dieser Übung setzen wir uns außerdem mit künstlerischen, journalistischen und wissenschaftlichen Research-Techniken auseinander. Wir definieren vor Ort, was das Ergebnis der Übung sein kann oder soll – eine Datenbank/Website, die die Gesprächsergebnisse darstellt, eigene neue Videoarbeiten bzw. Musikarbeiten bzw. Soundarbeiten bzw. Musikvideoarbeiten – genauso können die Ergebnisse aber auch von der Exkursion inspiriert ober frei definierte Arbeiten aus freien Bereichen sein. And as always: Death to Neoliberalism.

Students will be familiarized with such techniques--relevant to the expanded field of animation--as motion capture, 3D scanning, augmented and virtual reality, interaction, character automation and other creative AI techniques. These artistic - technical focus areas are essential in addressing an array of resounding issues weighing on the whole field of computer graphics: (1.) Dilemma between representing real and signifying it. Specifically, when it is necessary, fruitful or appropriate to strive for a hyper-real mode of representation and when usage of stylized graphic language is more effective. (2.) Neural networks, deep learning and its feasibility and narrative implications in creation of autonomous animated agents (3.) Orientation-disorientation in VR. Navigation in 3D space (4.) An “uncanny valley” (UV) phenomenon plaguing 3D animation since introduction of powerful reality-mimicking methodology. UV is not only a result of hyper-realistic humanoid design but also a problem of recreating the human-like locomotion. (5.) VR as an extended collaborative framework. (6.) Forensic design. Effect of evidence-based scanning on content creation.

Students will be familiarized with such techniques--relevant to the expanded field of animation--as motion capture, 3D scanning, augmented and virtual reality, interaction, character automation and other creative AI techniques. These artistic - technical focus areas are essential in addressing an array of resounding issues weighing on the whole field of computer graphics: (1.) Dilemma between representing real and signifying it. Specifically, when it is necessary, fruitful or appropriate to strive for a hyper-real mode of representation and when usage of stylized graphic language is more effective. (2.) Neural networks, deep learning and its feasibility and narrative implications in creation of autonomous animated agents (3.) Orientation-disorientation in VR. Navigation in 3D space (4.) An “uncanny valley” (UV) phenomenon plaguing 3D animation since introduction of powerful reality-mimicking methodology. UV is not only a result of hyper-realistic humanoid design but also a problem of recreating the human-like locomotion. (5.) VR as an extended collaborative framework. (6.) Forensic design. Effect of evidence-based scanning on content creation.

Students will be familiarized with such techniques--relevant to the expanded field of animation--as motion capture, 3D scanning, augmented and virtual reality, interaction, character automation and other creative AI techniques. These artistic - technical focus areas are essential in addressing an array of resounding issues weighing on the whole field of computer graphics: (1.) Dilemma between representing real and signifying it. Specifically, when it is necessary, fruitful or appropriate to strive for a hyper-real mode of representation and when usage of stylized graphic language is more effective. (2.) Neural networks, deep learning and its feasibility and narrative implications in creation of autonomous animated agents (3.) Orientation-disorientation in VR. Navigation in 3D space (4.) An “uncanny valley” (UV) phenomenon plaguing 3D animation since introduction of powerful reality-mimicking methodology. UV is not only a result of hyper-realistic humanoid design but also a problem of recreating the human-like locomotion. (5.) VR as an extended collaborative framework. (6.) Forensic design. Effect of evidence-based scanning on content creation.

Im Experimentalfilm-Forum haben Studierende die Möglichkeit, eigene Produktionen in verschiedenen Arbeitsphasen zur Diskussion zu stellen. Erwünscht ist ein ebenso offener wie konstruktiver Austausch. Diese Veranstaltung bietet sowohl ein Forum für unlängst abgeschlossene Arbeiten als auch für Unfertiges und Fragmentarisches. Ziel ist es, im Arbeitsprozess getroffene Entscheidungen nachvollziehbar werden zu lassen und neue Perspektiven zu entwickeln. Studierende, die Projekte vorstellen möchten, senden bitte frühzeitig eine E-Mail mit genauen Angaben und einem Sichtungslink an die Veranstalter. Daneben widmen wir uns in verschiedenen kuratierten Programmen der Repräsentation von Räumen im experimentellen Film. Zusätzlich begrüßen wir als Gäste Filmemacher*innen und Kurator*innen, die eigene Programme vorstellen und mit uns diskutieren werden. Gäste: Rebana John, Viktor Brim, Peter Miller, Dietmar Schwärzler (sixpack film) u.a.

Im Experimentalfilm-Forum haben Studierende die Möglichkeit, eigene Produktionen in verschiedenen Arbeitsphasen zur Diskussion zu stellen. Erwünscht ist ein ebenso offener wie konstruktiver Austausch. Diese Veranstaltung bietet sowohl ein Forum für unlängst abgeschlossene Arbeiten als auch für Unfertiges und Fragmentarisches. Ziel ist es, im Arbeitsprozess getroffene Entscheidungen nachvollziehbar werden zu lassen und neue Perspektiven zu entwickeln. Studierende, die Projekte vorstellen möchten, senden bitte frühzeitig eine E-Mail mit genauen Angaben und einem Sichtungslink an die Veranstalter. Darüber hinaus begrüßen wir als Gäste Filmemacher*innen und Kurator*innen, die eigene Programme vorstellen und mit uns diskutieren werden.

Während ein guter Teil der frühen Filmtheorie wie auch nicht wenige Praktizierende des Kinos immer auf Distanz zu den anderen Künsten gegangen sind, um eben die Einzigartigkeit des Mediums Film in dieser Bewegung hervorzuheben, ist das Kino und seine Geschichte voll von Blicken und Filmen, deren spezifisches Interesse genau diesen anderen Künsten – der Musik, der Malerei, der Bildhauerei, dem Theater – gewidmet ist. Die Aufmerksamkeit richtet sich dabei meist nicht auf das fertige, abgeschlossene Werk, sondern eben auf den Prozess seiner Hervorbringung. Im Seminar werden wir uns mit Spiel-, Dokumentar- und Experimentalfilmen beschäftigen, die diese künstlerischen Prozesse beobachten und darin zugleich reflexiv über sich selbst nachdenken: Im Blick auf das Malen, das Musizieren, das Formen und Gestalten lässt sich immer auch auf neue Weise darüber nachdenken, was das heißt: Filme machen. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Die unheimliche Gegenwart des Vergangenen: Lichtphänomene, die vor unseren Augen in der Dunkelheit sichtbar werden und dabei auf etwas verweisen, das gewesen ist – vor kurzem oder, im Fall der ersten Filmbilder im Dezember 1895, vor fast 130 Jahren. Das Kino hat seit jeher etwas Geisterhaftes, es ist Teil seines Wesens – lebedinge Erscheinungen von vergangenen, vielleicht schon toten Menschen, Tieren, Landschaften. In der 7. Sequenz der Filmgeschichte(n) werden wir den Geistern des Mediums nachspüren: Von den Reaktionen auf die ersten Filmbilder zu den Formatierungen des amerikanischen oder japanischen Horror-Subgenres Geisterfilm: von den Geistern der Maschine, denen das experimentelle Kino nachjagt zu den Heimsuchungen der Geschichte im politischen Spiel- und Dokumentarfilm. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Einem der vielen forschend-kreativen Stränge, die zur Erfindung des Mediums Film führten, ging die Frage voraus, ob ein galoppierendes Pferd jemals zeitgleich alle vier Hufe in der Luft hat: Edward Muybridges Chronofotografie vermochte, die Bewegungen des Pferdes in Zeiteinheiten unterteilt sichtbar zu machen und die Frage so mit „Ja“ zu beantworten. In der zweiten Sequenz der Seminarreihe „Filmgeschichte(n)“ wollen wir dieser Konstellation entlang eines Programms von Filmen und einer Auswahl theoretischer Texte folgen: Was bedeutet es, durch die Formatierungen eines Mediums auf die Welt zu blicken? Wann ist dieses andere Sehen ein Mehr-sehen und wann eher eine Form von Blindheit und wie hat die Filmgeschichte selbst über diese Fragen, die das Ästhetische mit dem Politischen verbinden nachgedacht? Mit Filmen aus den Gattungen des Spiel-, Dokumentar- und Experimentalfilms, von Regisseur*innen wie Michelangelo Antonioni, Andrea Arnold, Rebecca Baron, Harun Farocki, Alfred Hitchcock, Philip Scheffner, Brian de Palma, Agnés Varda, Dziga Vertov uva. wird so eine kleine Geschichte des Films sichtbar, in der die Welt zu betrachten und das Betrachten zu reflektieren dargeboten wird. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst und das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Den Ausgangspunkt der 3. Sequenz in der Reihe Filmgeschichte(n) bildet Jean Rouchs und Edgar Morins Chronique d'un été (Frankreich 1961), der zum einen dem Alltag der Menschen in Paris im Jahr 1960 nachgeht, und darin zum anderen eine Methode des Dokumentarischen – das Cinéma vérité – praktisch umsetzt, die davon ausgeht, dass die Anwesenheit der Kamera erst Realität hervorbringt. Ausgehend von den inhaltlichen wie ästhetischen Linien des Films, werden wir im Laufe des Seminars gemeinsam forschend eine Filmgeschichte entwickeln, die die Kamerawahrheit dieses Films mit denen anderer Filme ins Verhältnis setzt. Der Algerienkrieg, die Unabhängigkeit des Kongo, die Shoah – ihre Darstellung im Film, ihr Verhandeln wie auch ihr Erinnern im Kino als auch die Fragen nach den Möglichkeiten des Films, von der Welt zu erzählen, führen uns zu Arbeiten von Jean-Luc Godard, Safi Faye, Michael Haneke, Med Hondo, Marceline Lauridan-Ivens, Gillo Pontecorvo, René Vautier, Mamadou Sarr & Paulin Soumanou Vieyra u.a. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

In den späten 70er Jahren, dem sogenannten „Deutschen Herbst“ bis in die Gegenwart hinein verhandelt das Kino in Deutschland wiederkehrend die RAF — ihre politische Haltung und realen Strategien, die Reaktion des Staates, die unvermeidbare Mythologisierung und die realen Spuren, die diese Zeit hinterlassen hat. Von diesem hierzulande sehr vertrauten Kontext wollen wir den Blick weiten und diesen mit anderen Filmen — aus Italien, Japan, Indien, Argentinien, den Philippinen, den USA etc. — in einen Dialog bringen, um einerseits das Verhältnis von militanter Politik und (zum Teil auch: militantem) Kino zu erforschen und andererseits diese Form der Filmarbeit als eine sichtbar zu machen, die lokale Konflikte jenseits der Beschränkungen nationalen Denkens in den Blick rückt. Wie können Filme militante Politik darstellen, verhandeln, befragen, wie kann ein Kino selbst militant werden, um aus der Position der Beobachtung in die Position der Tat überzugehen? Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie.

Als Fortführung der dritten (Ein Sommer in Paris) und vierten Sequenz (Nicht nur Deutschland im Herbst) der Reihe Filmgeschichte(n) nimmt die 5. Sequenz Winter in America das gleichnamige Album von Gil-Scott Heron und Brian Jackson zum Ausgangspunkt, um einen filmischen Blick auf die USA in den 1970er Jahren zu werfen. Im Fokus soll dabei erneut die Frage stehen, was ein politisches Filmemachen auszeichnet, wie es sich in einem spezifischen zeithistorischen Kontext situiert und welche Einsichten aus einem solchen für die Praxis einer Gegenwart produktiv werden können. Dabei sollen drei Perspektiven auf diese Zeit miteinander verschränkt werden: Neben zeitgenössischen Bewegungen wie der L.A. Rebellion und ausgewählten Arbeiten des New Hollywood sowie deren perspektivische Verlängerungen in BRD und DDR stehen Blicke von außen (etwa aus Cuba) und filmische Verhandlungen der 1970er Jahre in den USA aus der Gegenwart. Ausgangspunkt aller Überlegungen und zu zeichnender Verbindungen sind die Filme selbst, ergänzt um ausgewählte Texte sowie das aktive, involvierte, kritische und leidenschaftliche Sprechen über sie. As a continuation of the third (A Summer in Paris) and fourth sequence (Not only a German Autumn) of the series Filmhistory's Filmhistories, the 5th sequence Winter in America takes the album of the same name by Gil-Scott Heron and Brian Jackson as a starting point to foster a cinematic look at the USA in the 1970s. The focus will once again be on the question of what distinguishes political filmmaking, how it is situated in a specific contemporary historical context, and which insights from such a context can become productive for the practice of the present. Three perspectives on this period will be intertwined: Alongside contemporary movements such as the L.A. Rebellion and selected works of New Hollywood as well as their perspectival extensions in the FRG and the GDR, there are views from outside (for example from Cuba) and cinematic negotiations of the 1970s in the USA from the present. Starting point of all considerations and connections to be drawn are the films themselves, supplemented by selected texts as well as the active, involved, critical and passionate speaking about them.

Mit seinem zweiteiligen Projekt „Film ist“ hat der österreichische Künstler Gustav Deutsch 1998 und 2002 eine Phänomenologie des Mediums Film vorgelegt. Seine Untersuchungsgegenstände waren dabei der Wissenschafts-, Lehr- und Industriefilm sowie das frühe Kino. In Kapiteln mit Titeln wie „Schrift und Sprache“, „Erinnerung und Dokument“ oder „Gefühl und Leidenschaft“ sezierte und re-arrangierte Deutsch in „Film ist“ das filmische Zeichensystem und trug damit zur Beantwortung der Frage des Filmtheoretikers André Bazin bei: „Qu’est-ce que le cinéma?“. Gustav Deutschs Verfahren aufgreifend, werden wir uns in diesem Seminar anhand zahlreicher Beispiele aus der Geschichte des experimentellen Films mit denjenigen grundlegenden Elementen beschäftigen, die Film konstituieren: Material, Licht und Dunkel, Farbe, Bildfeld und Offscreen Space, Montage, Wiederholung und Differenz, Wort und Text im Bild, der Interaktion von Akteur*innen, der Welt der Objekte. Die hier vorgestellten Filme, die die gängige Syntax des Films unterlaufen und erweitern, auch in die Konventionen des Kinos eingreifen, versuchen, den Festschreibungen dessen, was „Film ist“, keine weiteren hinzuzufügen, sondern Möglichkeitsräume zu eröffnen: Was könnte Film sein? Künstler*nnen: Stan Brakhage, William Burroughs & Antony Balch, Cécile Fontaine, Hollis Frampton, Johann Lurf, Peter Miller, Sergei Parajanov, Maryam Tafakory, Jürgen Reble, Miranda Pennell u.a.

Was bestimmt die eigene Identität? Wie wirkt sich diese auf die eigene Wahrnehmung aus? Wie wird die eigene Wahrnehmung zur Quelle von Inspiration? Welchen Einfluss hat das eigene Geschlecht auf die persönliche Wahrnehmung und die künstlerische Transformation von Personen, Ideen und Räumen und damit auf die Perspektive eigener Abbildung von Wirklichkeit? Wie und von wem werden Geschichten erzählt, die besonders hohe Resonanz hervorrufen? In welchem Maß hat das mit dem eigenen Geschlecht zu tun? Und ganz wichtig: Wie gehen die Abgebildeten damit um? Ausgehend von der genauen Analyse anregender sehr aktueller und alter Filme, Literatur und bildender Kunst wollen wir der Geschichte der oben angedeuteten Fragen genauer auf die Spur kommen. Ziel ist das Erstellen eines „Filters“ der Reflexion, die Geschlechterperspektive aus der Entwicklung heraus zu erfassen und Schlüsse für den eigenen Umgang damit zu ziehen. Die Unterscheidung von Moden und langfristigen Entwicklungen soll dabei genauso thematisiert werden, wie die aktuelle Diskussion um die Rolle des Geschlechts im Kontext zur künstlerischen Praxis besonders in der filmischen Visualisierung. Gesellschaftliche Konventionen sollen im Kontext zu konventioneller Darstellung geprüft werden, wie auch das Unkonventionelle, das dem Dilemma des Abweichenden unterliegt, was oft zu ökonomischen Folgen führt. Alle Seminarteilenhmer*innen sollen anhand selbst ausgesuchter Filmbeispiele einen Aspekt des Themas zur praxisbezogenen Analyse im Vortrag darstellen. Das Seminar läuft über zwei Semester, was zur Erlangung eines Theoriescheins vollständig zu absolvieren ist.

Was bestimmt die eigene Identität? Wie wirkt sich diese auf die eigene Wahrnehmung aus? Wie wird die eigene Wahrnehmung zur Quelle von Inspiration? Welchen Einfluss hat das eigene Geschlecht auf die persönliche Wahrnehmung und die künstlerische Transformation von Personen, Ideen und Räumen und damit auf die Perspektive eigener Abbildung von Wirklichkeit? Wie und von wem werden Geschichten erzählt, die besonders hohe Resonanz hervorrufen? In welchem Maß hat das mit dem eigenen Geschlecht zu tun? Und ganz wichtig: Wie gehen die Abgebildeten damit um? Ausgehend von der genauen Analyse anregender sehr aktueller und alter Filme, Literatur und bildender Kunst wollen wir der Geschichte der oben angedeuteten Fragen genauer auf die Spur kommen. Ziel ist das Erstellen eines „Filters“ der Reflexion, die Geschlechterperspektive aus der Entwicklung heraus zu erfassen und Schlüsse für den eigenen Umgang damit zu ziehen. Die Unterscheidung von Moden und langfristigen Entwicklungen soll dabei genauso thematisiert werden, wie die aktuelle Diskussion um die Rolle des Geschlechts im Kontext zur künstlerischen Praxis besonders in der filmischen Visualisierung. Gesellschaftliche Konventionen sollen im Kontext zu konventioneller Darstellung geprüft werden, wie auch das Unkonventionelle, das dem Dilemma des Abweichenden unterliegt, was oft zu ökonomischen Folgen führt. Alle Seminarteilenhmer*innen sollen anhand selbst ausgesuchter Filmbeispiele einen Aspekt des Themas zur praxisbezogenen Analyse im Vortrag darstellen.

Die 2020 geführte Debatte um den Film LOVEMOBIL (Elke Margarethe Lehrenkraus, 2019) verweist mit Blick auf die Frage der Relevanz des Dokumentarfilms für die Gegenwart auf ein Doppeltes: In ihrer Breite steckt ein Potenzial, sie deutet an, dass das Nachdenken über das Verhältnis von Abbild und Wahrheit weit mehr Menschen interessiert, als es die übliche Bereitschaft, sich wirklich gute Dokumentarfilme anzusehen, vermuten ließe. In ihrem Begriff der dokumentarischen Form dagegen tut sich ein Missverständnis auf, das den Film eher als Medium der Abbildung von Realität als sein Potenzial mit Blick auf das Eingreifen in die Realität begreift. In dem Seminar werden wir ganz grundlegend davon ausgehen, dass es keinen Dokumentarfilm gibt, der nicht in die Welt eingreift und eher danach fragen, welche Formen des Eingriffs welche Begriffe von Realität implizieren. Entlang von historischen und zeitgenössischen Filmen und in Ergänzung um theoretische Positionen werden wir konkrete Filme sichten, diskutieren und auf ihre spezifischen Potenziale hin befragen. Der Dokumentarfilm wird hier als Ursprung eines Diskurses gedacht, der ganz grundsätzlich danach fragt, wie das, was uns umgibt, filmisch erfasst und verhandelt werden kann.

In diesem Seminar geht es um die Grundlagen des Erzählens in der Prosa. Plot, Erzählhaltungen, Dialoge, Perspektiven und Figurenbeschreibungen werden näher untersucht und ausprobiert. Was ist eigentlich ein guter Anfang? Was macht einen Titel aus? Wie baue ich am besten einen Rückblick ein? Wie wähle ich die richtige Perspektive für meinen Text und wie bleibe ich bei meiner Figur? Das Seminar beleuchtet die einzelnen Elemente des literarischen Erzählens anhand exemplarischer Lektüren und bietet die Möglichkeit im Rahmen kleinerer und größerer Schreibaufgaben die eigenen Texte zur Diskussion zu stellen. Neben traditionell erzählter Prosa lernen wir Textformen kennen, die sich im Grenzbereich herkömmlicher Gattungsvorstellungen bewegen. Es wird spannend!

In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit unterschiedlichen Erzählverfahren in der Prosa. Dabei wollen wir Plot und Setting, Stil und Erzählhaltungen, Perspektiven und Figurenbeschreibungen näher untersuchen: Wie ist ein Text dramaturgisch aufgebaut und welcher Mittel bedient er sich dabei? Wer spricht zu wem und warum? Was unterscheidet personale von auktorialen Erzählperspektiven? In welchem Verhältnis stehen Erzählzeit und erzählte Zeit? Konstituiert sich eine Geschichte anhand ihrer Figuren? Was macht eine Figur zu einer Figur? Und wie verortet man sie in Zeit und Raum? Wie erzeugt man Spannung? Kann man auch ohne Plot erzählen? Und wie findet man den Ton, der zur jeweiligen Erzählung passt? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und in gemeinsamen Diskussionen einen kritisch-konstruktiven Umgang mit eigenen und fremden Texten üben.

In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit unterschiedlichen Erzählverfahren in der Prosa. Dabei wollen wir Plot und Setting, Stil und Erzählhaltungen, Perspektiven und Figurenbeschreibungen näher untersuchen: Wie ist ein Text dramaturgisch aufgebaut und welcher Mittel bedient er sich dabei? Wer spricht zu wem und warum? Was unterscheidet personale von auktorialen Erzählperspektiven? In welchem Verhältnis stehen Erzählzeit und erzählte Zeit? Konstituiert sich eine Geschichte anhand ihrer Figuren? Was macht eine Figur zu einer Figur? Und wie verortet man sie in Zeit und Raum? Wie erzeugt man Spannung? Kann man auch ohne Plot erzählen? Und wie findet man den Ton, der zur jeweiligen Erzählung passt? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und in gemeinsamen Diskussionen einen kritisch-konstruktiven Umgang mit eigenen und fremden Texten üben.

To enter an archive is to enter a fortress. You might have been invited in or even gotten a key, but the openness is only selective and temporary. We think of archiving an inward movement: finding things, bringing them together, sorting them, and guarding them in a safe and stable place. The model of this type of archiving is the fortress. This model already provides a clear sense of the limits of the archive: fire, flooding, and data loss. Can we think of the archive differently? How can we manage the contradictions between conservation and accessibility? There is another way of archiving: to use things, bring them into circulation, and distribute them (in all senses of the word). A process that operates based on projecting films, sharing spread-sheets, scanning books, printing objects, uploading mixtapes. In the seminar, we will read, discuss, do, write, watch, listen and create a publication together. The outcome will be a publication.

Das Seminar besteht aus zwei wöchentlich wechselnden Teilen. In einem Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. Daneben wird eine Auswahl sowohl etablierter als auch aktueller künstlerischer Positionen, die mit dem Medium Fotografie arbeiten, im Seminar vorgestellt und diskutiert. In dem anderen Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen vermittelt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit digitalen Spiegelreflexkameras behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich und der Umgang mit den verschiedenen Scannern, Druckern und dem Durst Lambda-Belichter werden in kleinen Gruppen eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Im Sommersemester 2022 wird als Fortsetzung ein Grundlagenseminar Fotografie II angeboten.

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortführung des Grundlagenseminars Fotografie I im Wintersemester 2021/22. Ziel ist es, den eigenen künstlerischen Ansatz weiterzuentwickeln und eine Arbeit in der gemeinsamen Ausstellung zu präsentieren. Das Seminar besteht aus zwei wöchentlich wechselnden Teilen: In einem Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. Daneben wird eine Auswahl sowohl etablierter als auch aktueller künstlerischer Positionen, die mit dem Medium Fotografie arbeiten, im Seminar vorgestellt und diskutiert. In dem anderen Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen vermittelt. Bei den technischen Inputs liegt der Schwerpunkt auf der analogen Fotografie: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt.

[SCROLL DOWN FOR ENGLISH DESCRIPTION] Das Seminar widmet sich den Büchern, Ausstellungsbeiträgen und Filmen von Ariella Aïsha Azoulay. In ihnen umkreist die Medienwissenschaftlerin und -aktivistin die Frage: Was haben fotographische Praxen mit Imperialismus zu tun? Die Fotografie und ihre Bildarchive nimmt sie als institutionelle Praxis in den Blick, die zur Autorisierung und Reproduktion von imperialer Gewalt beiträgt. Hier herrscht der fotografische Auslöser über Raum und Zeit. An den Schauplätzen von imperialer Gewalt speist sich die fotographische Praxis aus einer privilegierten Beobachter*innen-Perspektive, deren Subjekte sich mit gültigen Papieren und Aufenthaltstiteln ausweisen müssen. In den Sekunden seiner Verschlussbewegung trennt er Beobachter*innen von Involvierten. Mit den entstehenden Presse- oder Beweisfotos entsteht auch ein nachträgliches Sehen, in dem die gewaltvollen Ereignisse immer schon hinter uns liegen. Am Beispiel der palästinensischen Erfahrung und ihrer eigenen israelischen Staatsbürger*innenschaft zeichnet Azoulay die untrennbaren Verbindungen von fotografischen Praxen, Grenzregimes und imperialen Plündereien nach. The seminar is committed to the books, exhibition contributions and films of Ariella Aïsha Azoulay. In them, the media scholar and activist explores the question: What do photographic practices have to do with imperialism? Taking a close look at photography and its image archives, she identifies them as institutional practices that contribute to the authorization and reproduction of imperial violence. This is where the photographic shutter governs space and time. At the scenes of imperial violence, the practice of photography draws from a privileged observer perspective, its subjects having to provide identification with valid papers and residence permits. The seconds of its shutter motion divide the observer from the involved. The resulting press or evidence photographs also create a retrospective vision in which the violent events are always already behind us. Using the example of the Palestinian experience and their own Israeli citizenship, Azoulay traces the inseparable connections of photographic practices, border regimes, and imperial plunder. Texte | Reading matters: Ariella Aïsha Azoulay, Potential History: Unlearning Imperialism (2019); Civil Imagination: The Political Ontology of Photography (2012); Azoulay, The Civil Contract of Photography (2008). Jan Wenzel, Anne König (Hg.), The End oft he World as we know it ist der Beginn einer Welt, die wir nicht kennen (2016) Film: Ariella Aïsha Azoulay: Un-Documented: Unlearning Imperial Plunder (2020)

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen ist eine Grundlage der Grundlagen. Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden“. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

Zeichnen zieht nicht nur die Hand, sondern schult vor allem auch die Beobachtungsgabe. Wie Goethe sagte: „ Zeichnen nötigt zur Aufmerksamkeit, und sie ist doch die höchste aller Fertigkeiten und Tugenden “. Zeichnung ist neben Sprache und Gesten (Tanz) einer der schnellsten und direktesten Wege, sich auszudrücken. Es schult die genaue Beobachtung, und den Studierenden wird zugleich ein Werkzeug in die Hand gegeben, Dinge visuell zu formulieren, von der ersten Notation bis zur ausgearbeiteten Zeichnung und zur gezeichneten Bewegung. In diesem Seminar stehen Studien des menschlichen Körpers in stillen Posen und in Bewegung im Vordergrund. Auch werden wir eine Reihe von Techniken und Materialien untersuchen, die auf der Oberfläche Spuren hinterlassen.

In diesem Seminar lernen wir, wie man narratives Material generiert, das wir dann weiterentwickeln, um schließlich ein Drehbuch für einen kurzen oder mittellangen Film zu schreiben. Dazu nutzen wir die verschiedenen Techniken des "Creative Writing", die uns zur Verfügung stehen – immer auf freie und undogmatische Weise, indem wir nur dem Drehbuch gehorchen, das gerade entsteht. Gemeinsam betrachten wir die grundlegenden Elemente des Erzählens: wie man eine Geschichte vorantreibt, wie man Konflikte aufbaut usw.. Wir legen besonderen Wert auf die Motivationen der Figuren, wobei wir zwischen dem Geschriebenen und dem Subtext unterscheiden. Ziel ist es am Ende der Lehrperiode, dass jede/r das gefunden hat, "was er/sie wirklich zeigen und sagen will".

…Im Ernst jetzt? Komik als Superpower Kaum etwas kann so gegensätzliche Funktionen haben wie Komik. Sie kann ein grundlegendes Weltverhältnis oder eine momentane Einstellung sein, Komik kann als Waffe dienen, Erleichterung verschaffen, schwierige Momente überbrücken, verbinden, vereinen, polarisieren und spalten oder auch vermitteln, unpassend sein oder den Nagel auf den Kopf treffen, komplett verschieden wahrgenommen werden – ihre Wirkung kann insofern einschüchtern oder erschrecken, abwerten, befreien, zusammenbringen und trennen. Obwohl Satire, Witz, Parodie, Albernheit und Slapstick irgendwie zusammengehören, sind es ganz unterschiedliche Verfahrensformen, die kontextuell völlig anders eingebettet sein können, sie sind in ihrer Organisationsform mal auf eine Pointe zulaufend, mal strukturell verlaufend. Je nach Kontext abgewertet oder als große Kunst betrachtet, mal hochprofessionell, mal vom Laienhaften, Spontanen lebend wie in der Stand-up Comedy. In diesem Seminar werden wir uns den medial unterschiedlichen Äußerungsformen von Komik zuwenden, die diskursive Auseinandersetzung erörtern, die Komik praktizierende Gäste aus unterschiedlichen Bereichen einladen und uns mit gegenwärtigen künstlerischen Positionen des Komischen auseinandersetzen, wir werden eigene Formen der komischen Äußerung erarbeiten und mal befremdet sein vom Gelächter und uns mal von ihm anstecken lassen. Inspirieren lassen wir uns von so unterschiedlichen Positionen wie u.a. Michael Bachtin, Stefanie Sargnagel, Denice Bourbon, Alenka Zupančič, Ágnes Heller, Eddie Izzard, Glasmeier/Steib, Terry Eagleton, Vanessa Stern, Conny Krumbach, Jilet Ayse (Idil Bayar), Jean Paul, Karl Valentin, vielleicht Helge Schneider und vielen anderen. Anwesenheit in der ersten Sitzung obligatorisch, andernfalls bitten wir darum, mit uns Kontakt aufzunehmen.

In diesem Seminar geht's um Ephemeres/Schnelles/Kurz(lebig)es…

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments.

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments. Willkommen sind Studierende aus allen Semestern

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommenen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments.

Was ist Gewalt? Was zerstört sie? Warum Gewaltlosigkeit? Was ist Selbstverteidigung? Das Seminar befasst sich mit verschiedenen theoretischen Verständnissen von Gewalt. Und es fragt nach den genealogischen Linien von Gewalt gegen als Frauen* Positionierte und rassistischer Gewalt in ihren Verbindungen zu Kolonialismus und Kapitalismus.

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortführung des Grundlagenseminars Fotografie I im Wintersemester 2022/23. Ziel ist es, einen eigenen künstlerischen Ansatz zu entwickeln und eine Arbeit in der gemeinsamen Ausstellung zu präsentieren. Das Seminar besteht aus zwei wöchentlich wechselnden Teilen. In einem Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. In dem anderen Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen vermittelt. Bei den technischen Inputs liegt der Schwerpunkt auf der analogen Fotografie: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt. Voraussetzung ist die erfolgreiche Teilnahme am Grundlagenseminar Fotografie 1. Für diejenigen, die nicht das Grundlagenseminar belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, bieten wir eine Kombination aus Online-Tutorials und individuellen Einweisungen an. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren (foto@khm.de).

In diesem Seminar sollen vor allem Student*innen mit wenig Vorkenntnissen Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann. Kurze Aufgaben werden die Student*innen schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein. Invited artist for Grundlagenseminar Animation: Coke Rioboo Stop Motion and the use of motion-slider  (October 25 to 28) With the new devices, camera movements in stop motion animation films are now within everyone's reach. How to use a motion control in a simple way. Plan and perform different camera movements.

In diesem Seminar sollen vor allem Studierende mit wenig Vorkenntnissen Grundlagen der Animation vermittelt werden. Basierend auf Anschauung und Erfahrung werden erste Sequenzen skizziert und animiert. Schwerpunkt der Übungen wird der Zeichentrick sein, es werden jedoch alle Animationstechniken, einbezogen. Animation wird als abstrahierende Übersetzung der wahrgenommenen Realität verstanden, die mit Mitteln der Vereinfachung, Übertreibung und Verfremdung arbeitet und die das Typische einer Bewegungsgestalt herausarbeiten kann. Kurze Aufgaben werden die Studierenden schrittweise mit Gestaltungsmitteln der Animation vertraut machen. Neben der Darstellung von Bewegung wird auch Layout und Staging Gegenstand der Übungen sein. * Invited artist for Grundlagenseminar Animation: Coke Rioboo who will be conducting a workshop on the use of camera slider for stopmotion animation

Das Seminar besteht zu den wöchentlichen Terminen aus jeweils zwei Teilen: Im ersten Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen. Im zweiten Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen gelehrt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Im Sommersemester 2023 wird als Fortsetzung ein Grundlagenseminar Fotografie II angeboten. Das Grundlagenseminar Fotografie 1 findet im Wintersemester 2023/2024 erneut statt. Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, bieten wir im Wintersemester 2022/2023 eine Kombination aus Online-Tutorials und individuellen Einweisungen an. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: foto@khm.de Die Buchung einer Sprechstunde bei Beate Gütschow oder Alex Grein ist nach E-Mail-Absprache möglich.

Das Seminar besteht zu den wöchentlichen Terminen aus jeweils zwei Teilen: Im ersten Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. Flankiert wird dies durch kleine fotografische Übungen. Im zweiten Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen gelehrt. Themen wie Blende, Verschlusszeit und Tiefenschärfe werden im Umgang mit verschiedenen Kamerasystemen behandelt. Die Aufnahmetechnik im Studiobereich und der Umgang mit den verschiedenen Scannern und Druckern werden eingehend erläutert. Erste einführende Schritte in das Bildbearbeitungsprogramm Photoshop ergänzen die technische Einweisung. Im Sommersemester 2024 wird als Fortsetzung ein Grundlagenseminar Fotografie II angeboten. Das Grundlagenseminar Fotografie I findet im Wintersemester 2024/2025 erneut statt. Für diejenigen, die das Grundlagenseminar nicht belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, bieten wir im Wintersemester 2023/2024 eine Kombination aus Online-Tutorials und individuellen Einweisungen an. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren unter: <foto@khm.de>

Bei diesem Seminar handelt es sich um die Fortführung des Grundlagenseminars Fotografie I im Wintersemester 2023/24. Ziel ist es, einen eigenen künstlerischen Ansatz zu entwickeln und eine Arbeit in der gemeinsamen Ausstellung zu präsentieren. Das Seminar besteht aus zwei wöchentlich wechselnden Teilen. In einem Teil wird anhand der studentischen Arbeiten an der Entwicklung einer eigenen künstlerischen Haltung gearbeitet. Die Studierenden zeigen ihre aktuellen Skizzen und Projekte, wobei diese auch über das Medium Fotografie hinausweisen können. In dem anderen Teil des Seminars werden fototechnische Grundlagen vermittelt. Bei den technischen Inputs liegt der Schwerpunkt auf der analogen Fotografie: Es werden analoge Kleinbild- und Mittelformatkameras erprobt, des Weiteren wird das Entwickeln von SW-Filmen vermittelt. Voraussetzung ist die erfolgreiche Teilnahme am Grundlagenseminar Fotografie 1. Für diejenigen, die nicht das Grundlagenseminar belegen, trotzdem aber im Fotolabor arbeiten wollen, bieten wir eine Kombination aus Online-Tutorials und individuellen Einweisungen an. Bitte bei Interesse Claudia Trekel und Heiko Diekmeier kontaktieren (foto@khm.de).

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet regelmässig statt.

„Europa ist eine Ruine, in den Ruinen werden die Toten nicht gezählt. Die Wahrheit ist konkret, ich atme Steine. Leute, die ihre Arbeit machen, damit sie ihr Brot kaufen können, haben für solche Betrachtungen keine Zeit. Aber was geht mich der Hunger an. Uneinholbarkeit des Vorgangs durch die Beschreibung.“ (Heiner Müller: Das Gefühl des Scheiterns, 1955/1961) Wessen Gedanken mache ich mir? Worüber spreche ich? Wessen Probleme verhandle ich und in wessen Namen spreche ich? Gibt es ein Scheitern der Literatur als Versuch einer Gegenwartsbeschreibung wie sie Heiner Müller beschrieb. Wie begegne ich dem Gefühl, dass mich die Gegenwart stets überholt hat? Oder dem Ausgesetztsein ihrer Komplexität? Wir werden uns anhand von ausgewählten realismuskritischen Positionen (u.a. Hubert Fichte, Elfriede Jelinek, Annie Ernaux, Heike Geißler oder Denis Johnson, Swetlana Alexijewitsch, Michel Leiris oder Friederike Mayröcker) unterschiedliche Modelle der Mitschrift, Zeitgenossenschaft und dem Arbeiten mit dokumentarischem Material kennenlernen, uns über Anlässe und Dramaturgien Gedanken machen und von technischen und recherchebezogenen Fragen bis zu der spezifischen Form kommen. „Die Innenwelt der Außenwelt der Innenwelt“ (Peter Handke) wird uns genauso begegnen wie andere Verwicklungen zwischen dem „ich“, dem „wir“ und der Welt. In diesem Theorieseminars soll es durchaus auch um eigene Arbeiten gehen, auch anhand von Übungen und Fragen, die sich aus dem eigenen Schreibprozess ergeben. Es ist auch für die Studierenden gedacht, die z.B. das Fachseminar „Vor dem Gericht“ belegen und offen für Studierende aus dem Hauptstudium und findet hybrid statt.

Die Grenzen unserer Emotionen sind die Grenzen unserer Welt. Fehlt uns der emotionale Zugang zum Weltgeschehen, lassen uns die Schicksale kalt, von denen wir in den Tagesnachrichten hören. Wir nehmen sie zur Kenntnis, mehr auch nicht. Emotionale Weltkarten sind nicht gefüllt mit Zahlen und offiziellen Darstellungen des Geschehens. Ihre Koordinaten machen Geschichten von Individuen aus: die Veranschaulichung des gelebten Lebens Einzelner, die uns mitleiden, mithoffen, mitverstehen lässt – eben das Feld künstlerischen Ausdrucks. Dieses Seminar erkundet die vielfältige ukrainische Kunst durch Begegnungen mit einzelnen Werken ukrainischer Kunstschaffender. Die Studierenden suchen sich ein Kunstwerk aus, mit dem sie sich beschäftigen wollen, und stellen es im Seminar in zwei Schritten vor: zunächst in Form einer ästhetischen, historischen und politischen Einordnung. Dann in einer künstlerischen Auseinandersetzung in Form eines eigenen literarischen Textes – sei es zu Fotografien von Yevgenia Belorusets, sei es zu Gedichten von Serhij Zhadan oder Lyuba Yakimchuk. Die Romane von Katja Petrowskaja und Jurij Andruchowitsch können als Echoraum dienen. Das musikalische Werk von Marjana Sadowska kann zu eigenen Gedichten inspirieren. Die Architektur des Slowo-Gebäudes, des „Haus des Wortes“ in Charkiw, kann ein Denkanstoß sein: jenes Gebäude, das in Form eines C erbaut wurde (C ist der erste Buchstabe von „Слово“, gesprochen: Slowo, ukrainisch für „Wort“) und das von ukrainischen Avantgardist*innen bewohnt wurde, bis fast alle den Repressalien des Stalinregimes zum Opfer fielen. Die Spanne an Möglichkeiten reicht von Malerei (wie Kasimir Malewitschs „Schwarzem Quadrat“) bis zum zeitgenössischen ukrainischen Film (wie „Die Erde ist blau wie eine Orange“ von Iryna Tsilyk). Gemeinsam erkunden wir ein Land, dessen Kultur so reichhaltig ist und die wir bis jetzt so wenig gesehen haben. Im Austausch mit den Studierenden werden die Themen und Werke vor Seminarbeginn abgestimmt und vergeben.

With two specific tools: An EEG headset and an AR glasses. In this design process seminar, we will frame the relation between Haptic signal (Input) and artifact (Output). With two tools, an EEG headset and an AR Hollolens glasses. On from human brain activity, the other from overlapping 3D modeling (digital) with handmade fabrication (analogue) through special interface of Spatial-Gyroscopic-Augmented Reality and Rhinoceros Software + Grasshopper computation logic. We will receive a 6 axis robot, KUKA KR and will start on the side to open the Feed Back Lab on Robotic, with multiple Arduino Sensors and signals Mesmerization. Analogue and Digital as dancing in the medley of Human Vulnerabilities, Mind's trap, Sciences of imaginaries and subjectivities and incestuously wrapped, tangled, intertwined with digital interfaces, collecting and recoding in a symmetry and reciprocities: the cinema of our own perception, of our own environment, in a centripetal forces but also simultaneously the projection of our thought, feeling, mood, lines of escape in a centrifugal forces. The both vortex are at the origin of our fragility, of our paranoid suppression, and feed our dream and nightmare to embrace this schizoid biotopes.

What is study? How do we study? This question might seem simple but we will explore the complexities and antagonism of a practice of study. To aid us in our study we will turn to examples of others studying together in different ways and in different contexts around the world. We will consider all the ways study can manifest itself in seemingly disparate practices, and we will consider the insurgent possibilities of the collective act of study. Texts will include 'Debt and Study' by Harney and Moten and The Classroom is Burning by the KUNCI collective. Please note this seminar will meet every two weeks during the semester and culminate in an intensive in the study week in July.

1958 filmt Stan Brakhage in „Window Water Baby Moving“ die Geburt seines ersten Kindes. 2002 filmt Bin Chuen Choi in „Old Choi's Film“ das Sterben seines Vaters. Die autobiografischen Filme unseres Seminars suchen existentielle Situationen im unmittelbaren Lebensumfeld der Autor*innen auf; das „beschränkt den Radius, vertieft aber die Wahrnehmung“ (Karsten Witte). Karin Jurschick filmt ihren greisen Vater, der im Kampf gegen eine starke Brandung stürzt, eilt ihm aber nicht zu Hilfe. Über sieben Jahre entschuldigt sich Anne Charlotte Robertson vor ihrer Super-8-Kamera, „um Schuldgefühle abzubauen und Angstneurosen zu therapieren.“ Maria Mohrs skizziert in „Cousin Cousine“ eine aufgrund der engen Familienbande verbotene Jugendliebe. In größter Distanzlosigkeit und konsequentem Desinteresse an einer vorteilhaften Darstellung porträtiert Richard Billingham seine Familienmitglieder in „Fishtank“. Nelson Sullivans Fischaugen-Objektiv ist stets auf ihn selbst gerichtet und drängt die Welt an die Bildränder, macht sie zum „etcetera“. In einem seiner Tagebuch-Videos sehen wir George Kuchar beim Waschen seiner schmutzigen Unterwäsche, das der Filmemacher in den Worten kommentiert: „Lieber Gott, es tut mir leid, dass ich mit meiner Mutter streite, aber meine Unterwäsche ist meine Angelegenheit – und die meines Publikums.” Filme wie diese bringen etablierte Diskurse der Selbsterforschung zum Einsturz; Grenzen des Privaten sprengend, fordern sie uns heraus. Ging es in „Film ist“ um die grundlegenden Elemente des Mediums, stellt sich nun die Frage, was „Film darf“. Filme von Frank Beauvais, Eli Cortiñas, Rebana John, Sophie Calle & Greg Shephard, Maki Satake, Angelika Levi, Joaquim Pinto, Sylvia Schedelbauer u.a.

Stoffentwicklung ist ja ganz am Anfang ein bisschen wie: Ich bin total verknallt, aber ich weiß noch nicht genau in wen oder was, und eigentlich weiß ich auch nicht, ob wir wirklich zusammenpassen. In der Regel steht der Beziehungsstatus von Anfang an auf "es ist kompliziert". Aber eine gute Idee ist es wert, dass man sie nicht aufgibt - selbst wenn man sie noch gar nicht so richtig fassen kann. Das bedeutet Arbeit. Heißt hier konkret: Zwischen den (Doppel-)Terminen (wir haben jeweils den Montag UND den Dienstag, um mit allem einmal durchzukommen) werden alle schreiben. Diese Texte gehen dann zurück in die Runde, damit wir beim nächsten Termin schon wieder ein wenig klarer sehen. Das Ziel ist, mit einer Idee für ein fiktionales Filmprojekt (egal ob lang, kurz, seriell oder divers) so weit zu kommen, dass ihr sie gut genug kennt, um den nächsten Schritt der Stoffentwicklung zu machen. Sprich: dass bis Weihnachten eine Seite da ist, mit der ihr im neuen Jahr eine ernsthafte Beziehung eingehen ... könntet.

‘Uh-huh, uh-huh. Like kick ass. Anyway, I don't wanna sound. Like a dick or nothing, but I looked at your dates and it seems like your fucked up, you talk like a fa*, and your sh*t may be reta*ded. What I'd do, grrl, is get plenty of unrest. KHM doesn't lie, gringo. But hear me – there's plenty of 'ta*ds out there doing real kickass careers. My first guy was reta*ded and he is a cu*ator and has a g*llry now.’ Idiocracy (2006, adapted) Idiocracy. Idiocrazy. In this seminar, we take a look at the concept of dumb, stupid, ignorant, uneducated, and all the capabilities and freedoms that come with the inability to understand, voice, conceptualize and convey one’s and other’s ideas into conversations, or even sparkle curiosity and, like, be transformed into work that kinda of contributes to society. What role does contemporary and digital art play in the context of idiocracy? Amplify or counteract? How to deal with society asking art to be educational and dictative instead of experimental and free. What are the implications on one’s work when dealing with idiocracy-like institutions & algorithms, art producers, NFT-bros, insta, and superficial & anxious curators? Is ‘intellectual’ art a dead- end or just a dream outta Old Europe? We look at art that examines the idea of ‘Idiocracy’ and at art that is idiocratic. We will watch, like, some films and try to decipher things that are written with, like, words and then, like, talk about stuff with, like, heavy words. This seminar is stupid and: #NoChildLeftBehind.

Welche Bedeutung hat die Imagination des Betrachters narrativer filmischer Erzählung und wie wird sie angeregt? Es gibt einfache dramaturgische Regeln, die man vom Schreiben und Inszenieren kennt, z.B. das Streben nach Erzählung in ihrer möglichst knappsten Form. Gezeigte Handlungen, Situationen, Dialoge rufen im Betrachter Assoziationen, Erinnerungen, Gefühle und Klischees hervor und vervollständigen die Erzählung. Ein Teil dieser Assoziationen stammen aus individueller Erfahrung, andere aus medialer Seherfahrung. Gelten diese Regeln auch für die Bildgestaltung? Wieviel Raum kann durch gezieltes Nichtzeigen entstehen? Ein gestalteter Mangel kann das Gehirn anregen, fehlende Informationen zu ergänzen und aus eigener Kraft Bilder zu erzeugen. Erinnerte Bilder und Szenen aus einem vor längerer Zeit gesehenen Film werden abweichen von dem tatsächlichen Bild, denn diese „selbstgemachten“ Bilder haften am Besten. Dieses Seminar widmet sich unter diesem Aspekt der Analyse zeitgenössischer szenischer Filme (Drama und Genre) und, wenn Ihr möchtet, auch studentischer Arbeiten. Wir betrachten analytisch den Aufbau von Raumerzählung, Informationsverteilung, Timing und verschiedener perspektivischen Aspekte und hinterfragen Auflösung und Schnittentscheidungen.

Bücher werden gebaut, nicht geschrieben, wusste schon Alfred Döblin. In diesem Fachseminar soll es um Architektur gehen, d.h. um Textarchitekturen, die sich nicht als Handlungsfaden auflösen lässt. Wie bauen wir Bücher? Mit Zeitformen, aus Dramaturgie, durch Perspektiven oder Rhythmen? Hilft Grammatik? Benötigen wir visuelle Aufbereitungen, ein Mapping? Dabei sind ungewöhnliche Textarchitekturen am meisten interessant, die jenseits des Storytellings und Plottings uns das Gefühl für Architektur und Dramaturgie vermitteln, wie wir sie noch nicht gelesen haben, die unsere Zeitwahrnehmung und unsere Idee von Spannung verändern. Mit Übungen an eigenen Texten, von dem in-Gang-setzen einer Dramaturgie bis zur erzählerisch entschlossenen Unabschließbarkeit, aber auch durch Nacherzählungen, Um- und Nachbauten mit Hilfe von unterschiedlichsten Lektüreerfahrungen von Autor*innen wie z.B. Roberto Bolaño, Elfriede Jelinek, Lydia Davis, Hervé Le Tellier, Cormac McCarthy, Friederike Mayröcker oder Anna Weidenholzer – ausdrücklich sind eigene Textvorschläge gewünscht! - an denen wir uns orientieren, sowie mit kurzen Ausflügen in die audio-theatrale Form vom Literatur -  werden wir uns durch dieses Fachseminar bewegen und am Ende den literar-architektonischen Möglichkeitsraum erweitert haben.

Ich ist in. Ich ist authentisch. Ich ist autobiographisch oder autofiktional. Das Ich beglaubigt die Erfahrung. Das Ich ist das verletzliche Zentrum. Das Ich weiß, wovon es spricht, wenn es Ich sagt. Puh, und jetzt atmen wir alle mal durch und werden autoimmun! Heißen wir also Texte willkommen, in denen das eigene Leben einmal nicht Grundlage des Schreibens sein soll. Aber wo beginnt überhaupt das eigene Leben, und wie und wodurch mündet es in Fiktion? Lässt sich das eine vom anderen trennen? Wer mag sagen, was erlebt und was erfunden wurde? Ist Fiktion denn nicht immer geformte Wirklichkeit und vielleicht genau jenes Element der Literatur, das sie vom Leben unterscheidet? In diesem Seminar wollen wir uns wegschreiben vom eigenen Ich und ihm auf diese Weise vielleicht sogar näherkommen. Im Mittelpunkt stehen die Texte der Teilnehmer*innen. Anhand von ausgewählten Beispielen werden wir zudem untersuchen, wie gut man auskommen kann ohne sich selbst. Verlassen wir das vertraute Heim! Machen wir uns auf in eine Welt, deren Figuren und Orte wir kennenlernen, indem wir sie uns erschreiben, denn : We’re not there, we’re gone!

Das Seminar behandelt in der Praxis erprobte Herangehensweisen in der Entwicklung und Realisation von Dokumentarfilmprojekten – auch im Kontext einer „formatierten“ Branchenrealität: Wie sind Freiräume in der Ideenfindung, Umsetzung und Platzierung im Sendealltag zu finden, ohne eigene künstlerische Ansprüche aufzugeben? „In der Wirklichkeit gefunden“ richtet sich an die Studierenden, die sich in der Ideenfindung, Entwicklung, Drehvorbereitung, Realisierung oder Endfertigung eines dokumentarischen Stoffes befinden. In Ergänzung zur praktischen Arbeit wird im Seminar an Hand von Filmbeispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen – von der Idee zum fertigen Film – untersucht und dabei werden Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen. Das Seminar bietet damit nicht nur eine beratende und kritische Begleitung der Projekte – sowohl in der Diskussion mit den anderen Studierenden, als auch durch die individuelle Betreuung – sondern auch die flankierende Auseinandersetzung mit dem Dokumentarfilm-Markt und dessen Auswertungsmechanismen.

Das Seminar behandelt in der Praxis erprobte Herangehensweisen in der Entwicklung und Realisation von Dokumentarfilmprojekten – auch im Kontext einer ,,formatierten‘‘ Branchenrealität: Wie sind Freiräume in der Ideenfindung, Umsetzung und Platzierung im Sendealltag zu finden, ohne eigene künstlerische Ansprüche aufzugeben? ,,In der Wirklichkeit gefunden‘‘ richtet sich an die Studierenden, die sich in der Ideenfindung, Entwicklung, Drehvorbereitung, Realisierung oder Endfertigung eines dokumentarischen Stoffes befinden. In Ergänzung zur praktischen Arbeit wird im Seminar an Hand von Filmbeispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen – von der Idee zum fertigen Film – untersucht und dabei werden Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen. Das Seminar bietet damit nicht nur eine beratende und kritische Begleitung der Projekte – sowohl in der Diskussion mit den anderen Studierenden, als auch durch die individuelle Betreuung – sondern auch die flankierende Auseinandersetzung mit dem Dokumentarfilm-Markt und dessen Auswertungsmechanismen.

Warum hängt das da? Wie passt das zusammen? Welche Bezüge erzeugt der Ausstellungsraum? Was wird sichtbar, was bleibt verborgen? Welche Wege und Parcours erschließen Ausstellungen? Können wir uns mit oder gegen die vorgezeichneten Logiken der Ausstellung hindurchbewegen? Gibt es Interaktion? Wer_was spricht aus der Nähe (speaking nearby, Trinh T. Minh-ha)? Wer_was wird adressiert? Wie kann Ausstellen, Kuratieren „para:sitär“ (Jane Graham) sein, eine Gleichzeitigkeit von widersprüchlichen Bewegungen erzeugen? Wie werden institutionelle Brüche hergestellt (Belinda Kazeem-Kaminski)? Wie wird mit institutionellen Beschränkungen umgegangen? Eine Praxis des Ausstellens und Kuratierens entsteht meist vielstimmig und bedeutet oftmals Aushandlung aus differenten Perspektiven. Indem Akteur_innen, Werke oder Arbeiten und ihre Verflechtungen ästhetisch, mit Archiv- und Kontextmaterial oder auch intuitiv erfahrbar werden, rücken die Übergänge, Schnittstellen, Interfaces in den Fokus. Diese sichtbaren und verdeckten räumlichen, institutionellen Dispositive sind Teil der Ausstellungsparatexte und -rahmungen und daher macht- und entscheidungskritisch zu hinterfragen. Wir werden uns der Analyse und Kritik von Praktiken des Ausstellens und Kuratierens zuwenden und dazu sechs Ausstellungen in Karlsruhe, Bochum, Dortmund, Wolfsburg, Köln und Stuttgart besuchen und diese gemeinsam und zum Teil mit den Kurator_innen diskutieren. Geplante Termine: 1. Termin Dienstag, 24.10.23: Vorbesprechung, Seminarraum KMW 2.04, ca. 17-19h Uhr. An den Exkursionstagen zumeist ganztägig an den jeweiligen Orten. 6 Termine dienstags ganztägig: 07.11.23, ganztägig 21.11.23, ganztägig 05.12.23, ganztägig 12.12.23, ganztägig 09.01.24, ganztägig 23.01.24, ganztägig

Eine Soundscape wird von vielerlei Klangspuren durchzogen und durch sie geprägt. Ihnen allen gemein ist ihre physikalische Basis – erst die Bewegung, Anregung und Resonanz von Raumkörpern erzeugt Klang und verknüpft dabei räumliche Strukturen mit zeitlichen Dauern. Jeder Ort hat sein eigenes räumlich-zeitliches Beziehungsgeflecht, an dem der/die Hörende aktiv partizipiert. In Fortsetzung vom Sommersemester werden in diesem Seminar und in Auseinandersetzung mit den Soundscapes alltäglicher, urbaner und spezifischer Orte künstlerische Strategien und Techniken in Form von raumbezogenen Klanginstallationen, künstlerischen Handlungsanweisungen, Audiowalks und interaktiven Raum-Klang-Instrumenten erprobt und eigene künstlerische Projekte entwickelt. In Kolloquien und Einzelbesprechungen werden individuelle wie gemeinschaftliche Prozesse begleitet. Der Schwerpunkt dieses Semesters liegt auf der Realisierung der individuellen Projektvorhaben im Rahmen einer gemeinsam geplanten Ausstellung.

Künstlerische Installationen handeln von den Beziehungen zwischen Objekten, Klängen und Projektionen. Sie sind Teil einer lebendigen Aufführungspraxis, in der Künstler*innen und Betrachter*innen den Raum immer wieder neu erfahren und konstruieren. Die Installation als Mittelpunkt und Quelle dieser Transformationsprozesse ist Herausforderung und Angebot zugleich: In ihrer Konfiguration weist sie eine Vielzahl von künstlerischen Techniken und Strategien auf, in ihrer Form ist sie ein komplexes sensorielles Angebot an die Betrachter*innen. In diesem Seminar experimentieren wir mit Materialien und Immaterialien, mit Gefundenem, Angeeignetem und Gemachtem, in individuellen und kollaborativen Handlungsräumen. Teil der Praxis wird das Vorstellen und Diskutieren künstlerischer Arbeiten sein. Am Ende der Kompaktwoche soll eine gemeinsame Rauminstallation für einen spezifischen Ort entstehen. Einführung / Techniken: Transmedialer Raum, mittwochs, 10 – 13 Uhr, wöchentlich vom 12. April –7. Juni 2023 Umsetzung/ Präsentation: Kompaktwoche, täglich 12. – 16. Juni 2023, Kunsthafen (Rhenania) oder Ersatzort Literaturempfehlungen: Claire Bishop, Installation Art Ilya und Emila Kabakov, Über die „totale“ Installation Faye Ran, A History of Installation Art and the Development of New Art Forms Juliane Rebentisch, Ästhetik der Installation

Mit der 1993 von James Meyer kuratierten Ausstellung „What happened to institutional critique?" in Soho, New York machte er auf den Verlust von Kunstinstitutionen durch Gentrifizierung und Privatisierung aufmerksam und der damit einhergehenden zunehmenden Bedeutung des Politischen, der Kritik und anderen Gemeinschaften in der Kunst. Renée Green war eine der institutionskritischen Künstler*innen, die mit ihrer Bibliothek Import/Export Funk Office dem Flow kultureller EInschreibungen und Übertragungen nachging, damit ein Bewusstsein für die Institution und ihre Praktiken herstellte. Institutionskritik als künstlerische Praxis zeigt sich in mehreren Phasen seit den 1960er Jahren, welche auch die Kritik der Institutionen nachhaltig verändert hat, obwohl diese bereits parallel zur Instituierung von Museen und Kultureinrichtungen begann. Gegenwärtig verändern sich Räume und Orte der Kunst gesellschaftskritisch in Reaktion auf die bereits bei Meyer thematisierte Neoliberalisierung und Prekarisierung. Jedoch ist mit der Frage nach einem Instituieren von Kritik (Nowotny/Raunig, Steyerl u.a.) weit mehr adressiert als das Kunstfeld: mit Foucaults Kritikbegriff ist es die Ablehnung, in bestimmter Weise regiert zu werden, als Subjektivierung, als „seitliche Stimme“, mit der sowohl soziale Fragen, als auch intersektionale Bewegungsgeschichte*n (Piesche) einbezogen werden. Es handelt sich dabei ebenfalls um eine Kritik der Repräsentation. Im Seminar werden wir uns diesen Verflechtungen, Geschichte(n), Diskursen nähern, aber auch in Ortsbegehungen den Praxen der Institutionen und selbstorganisierten Räumen des sogenannten Kunstbetriebs widmen. Literatur (Auswahl) Natalie Bayer/Belinda Kazeem-Kaminski/Nora Sternfeld, Kuratieren als antirassistische Praxis, Berlin 2017. Franziska Brüggemann, Institutionskritik im Feld der Kunst, Bielefeld 2020. Eva Birkenstock/ Ruth Sonderegger u. a. (Hg.), Kunst und Ideologiekritik nach 1989, KUB, dt./engl., Köln 2014. Michel Foucault, Was ist Kritik?, Berlin 1992. Michel Foucault, Diskurs und Wahrheit. Berkeley-Vorlesungen 1983, Berlin 1996. Frieze Art Fair: Institutionskritik, Texte zur Kunst 59 (2005). Sønke Gau, Institutionskritik als Methode. Hegemonie und Kritik im künstlerischen Feld, Wien 2018. Lucie Kolb, Studium, nicht Kritik, Wien u. a. 2017. Christian Kravagna (Hg.), Das Museum als Arena: institutionskritische Texte von KünstlerInnen, Köln 2001. Stefan Nowotny/Gerald Raunig, Instituierende Praxen. Bruchlinien der Kunstkritik, Wien 2008. Peggy Piesche (Hg.), Labor 89. Intersektionale Bewegungsgeschichte*n aus West und Ost, Berlin 2019. Gerald Raunig u.a. (Hg.), Art and contemporary critical practice. Reinventing institutional critique, London 2009. Hito Steyerl, Die Institution der Kritik. Psychologie und Gesellschaftskritik, 31/1 (2007), S. 71-80.

Wir nutzen die Frühstückszeit, um uns in kleinen und gut verdaulichen Häppchen mit unterschiedlichen Konzepten und Möglichkeiten der Interaktion mit Audio zu beschäftigen. Die meisten der etablierten Konzepte zur Ansteuerung von Klangerzeugern oder der Kontrolle von Audiosoftware sind für die individuelle Nutzung optimiert. Daher stellen wir uns vor allem die Frage: Wie lässt sich gemeinsam auf Klang und Klingendes Einfluss nehmen? Um am Ende möglichst viele Grenzen überwinden zu können, liegt der Fokus dieses Seminars auf der webbasierten Interaktion mit Sound. Dazu werden wir in erster Linie das Online Tool cables.gl nutzen. Aber auch MIDI – das Urgestein der Interaktion – wird nicht zu kurz kommen.

Von allen erzählerischen Kunstformen ist die Stand-up Comedy wahrscheinlich die diverseste in Sachen Alter, Hautfarbe, Geschlecht, sozialer Herkunft und Vermögen. Fast unbemerkt vom Feuilleton ist die einheimische Stand-up Comedy Szene in den letzten acht Jahren quasi explodiert. Täglich gibt es mittlerweile mehrere Venues, an denen deutsch- und englischsprachige Stand-up Comedy ausprobiert und aufgeführt wird. Ziel des im 2-Wochen-Rhythmus stattfindenden Seminars ist eine erste Kontaktaufnahme. Es soll darum gehen, zu verstehen, dass und wie Stand-up Comedy geschrieben wird, warum es kein Zufall ist, dass die Stand-up Szene diverser ist als andere, Stand-up Comedians als potentielle Schauspieler*innen und Co-Autor*innen für filmisches Erzählen zu entdecken, für andere zu schreiben oder es gegebenenfalls selbst zu versuchen und auf der Bühne oder in einer filmischen Erzählung auszuprobieren.

„Ich filme, was ich nicht verstehe!“    Peter Sempel (Just Visiting This Planet) Das dokumentarische Interesse an Personen bewegt sich zwischen zwei Polen: Die filmische Annäherung kann dem Impuls folgen, Protagonist*innen zu zeigen, die den Filmemacher*innen bekannt sind oder die ihnen völlig fremd erscheinen. Beiden Ausgangssituationen ist gemein, dass das dokumentarische Portrait immer eine Reise ins Ungewisse ist. Voraussetzung ist Neugier, den Protagonist*innen unvoreingenommen zu begegnen, um unerwartetes zu offenbaren, getrieben von der Lust auf Neues und Unbekanntes verbunden mit dem Anspruch den Figuren nahe zu kommen. Die Beziehung zwischen den Dokumentarfilmer*innen und den Protagonisten*innen ist heikel: Filmemacher*innen möchten etwas erfahren und aufzeichnen, Protagonist*innen müssen im Rahmen dieser Verabredung etwas Preis geben. Das ist für beide Seiten nicht immer leicht: Vertrauen muss aufgebaut werden und die Verantwortung gegenüber der Protagonisten*innen ist mit Drehschluss nicht vorbei. Im Seminar werden mögliche Portrait-Ideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils beste Form für die individuellen Projekte zu finden. Darüber hinaus sind dokumentarische Projekte (auch Mischformen), die sich in der Ideenfindung, Entwicklung, Drehvorbereitung, Realisierung oder Endfertigung befinden, willkommen. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen.

„Ich filme, was ich nicht verstehe!“ Peter Sempel (Just Visiting This Planet) Das dokumentarische Interesse an Personen bewegt sich zwischen zwei Polen: Die filmische Annäherung kann dem Impuls folgen, Protagonist*innen zu zeigen, die den Filmemacher*innen bekannt sind oder die ihnen völlig fremd erscheinen. Beiden Ausgangssituationen ist gemein, dass das dokumentarische Portrait immer eine Reise ins Ungewisse ist. Voraussetzung ist Neugier, den Protagonist:innen unvoreingenommen zu begegnen, um unerwartetes zu offenbaren, getrieben von der Lust auf Neues und Unbekanntes verbunden mit dem Anspruch den Figuren nahe zu kommen. Die Beziehung zwischen den Dokumentarfilmer*innen und den Protagonisten*innen ist heikel: Filmemacher*innen möchten etwas erfahren und aufzeichnen, Protagonist*innen müssen im Rahmen dieser Verabredung etwas Preis geben. Das ist für beide Seiten nicht immer leicht: Vertrauen muss aufgebaut werden und die Verantwortung gegenüber der Protagonist*innen ist mit Drehschluss nicht vorbei. Im Seminar werden mögliche Portrait-Ideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils beste Form für die individuellen Projekte zu finden. Darüber hinaus sind dokumentarische Projekte (auch Mischformen), die sich in der Ideenfindung, Entwicklung, Drehvorbereitung, Realisierung oder Endfertigung befinden, willkommen. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen.

Das Seminar wird über zwei Semester angeboten und mit der praktischen Kameraübung im Juli 2024 enden. Im SoSe 2024 wird das Seminar wöchentlich stattfinden, um die Dreharbeiten genau vorbereiten zu können. Im ersten Semester geht es um die inhaltliche Vorbereitung, also den Kontext, in dem ein innerhalb des Seminars zu entwickelndes Drehbuch stehen soll. Es geht also darum, in einem Team von Autor*innen gemeinsam ein Drehbuch zu entwickeln, das von ebenso mehreren Regie- und Kameraleuten an 4 Drehtagen umgesetzt werden soll. Dies ist ein entscheidender Unterschied zu allen anderen Filmübungen, die an der KHM stattfinden und wichtiger Bestandteil des Lehrkonzepts. Wir werden gemeinsam über Filme diskutieren, die sich formell durch die Darstellung verschiedener Realitätsebenen ähneln. Das können Träume, Visionen, Zeitsprünge und Erinnerungen sein, aber auch für den Zuschauer zuerst nicht erkennbare verschiedene Realitäten, wie bspw. in den Filmen von Ruben Östlund: Wo befinde ich mich als Zuschauer und wie kann ich den Inhalt des Films zur eigenen Realität ins Verhältnis setzen? Hier wird der entscheidende Unterschied zum dokumentarischen Film deutlich, in dem zumindest diese Verabredung mit dem Zuschauer ernst genommen wird: Die Realität ist jetzt und am angegebenen Ort. Zum Ende es WiSe muss eine erste Drehbuchfassung vorliegen, damit eine Kalkulation entstehen kann, die den Verhältnissen der KHM und damit den Möglichkeiten einer Hochschule entspricht.

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der dokumentarischen Bildgestaltung sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern.

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der Bildgestaltung im Dokumentarfilm, sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern. Das Seminar ist inhaltlich an die „dokumentarischen Miniaturen I“ angebunden und ist für die Studierenden dieses Seminars unbedingt zu empfehlen.

Im Kamera I Seminar werden die Grundlagen der dokumentarischen Bildgestaltung, sowohl praktisch als auch theoretisch gelehrt. Es werden erste kleine, praktische Kameraübungen gedreht, um das Handling mit der Kamera und die Annäherung an eine dokumentarische Situation zu erlernen. Daneben werden wir uns auch theoretisch mit der Bildgestaltung innerhalb von dokumentarischen Filmbeispielen auseinandersetzen und die grundsätzlichen Gestaltungsmöglichkeiten und Prinzipien erörtern. Das Seminar ist inhaltlich an die „dokumentarischen Miniaturen I“ angebunden und ist für die Studierenden dieses Seminars unbedingt zu empfehlen.  Die Teilnahme an dem Kompaktseminar „analog Capture“ schließt an dieses Seminar an. 

In dem Seminar werden Grundlagen der szenischen Bildgestaltung und die praktische Handhabung der Arri Alexa Kamera und allem erdenklichem Zubehör gelehrt. Zu Beginn werden wir uns mit den technischen Voraussetzungen der szenischen Kameraarbeit, deren Gestaltungsmöglichkeiten und der filmischen Auflösung befassen. Darauf folgt eine intensive Auseinandersetzung mit der Arri Alexa, deren praktische Handhabung und die Einführung in die Aufgabenbereiche der Kameraassistenz und aller weiteren Positionen, welche die Kameraperson in Ihrer Arbeit am szenischen Filmset unterstützen. Der Höhepunkt des Seminars wird in der Kompaktwoche mit einer gemeinsamen Übung erreicht. Hier liegt der Fokus auf der Anwendung neu erlernter Techniken und regulären Abläufen am Set. Dabei wird das elementare Handwerk der Kameraarbeit in Form von Lichtgestaltung, Bildkomposition, Kamera-bewegung und der szenischen Auflösung praktisch ausgeübt und angewendet. Die Teilnahme am Seminar ist verpflichtend, um auch an der praktischen Übung in der Kompaktwoche vom 12. - 16.06.2023 teilnehmen zu können. Allen Studierenden die am Seminar „Spielfilmübung I“ teilnehmen wird dieses Seminar dringend empfohlen.

In dem Seminar werden Grundlagen der szenischen Bildgestaltung und die praktische Handhabung der 16 mm Filmtechnik gelehrt. Studierende, die an dem Seminar „dokumentarische Miniaturen“ oder „Spielfilmübung I“ teilnehmen, wird dieses Seminar dringend empfohlen. Zu Beginn werden wir uns mit den technischen Voraussetzungen der szenischen Kameraarbeit, deren Gestaltungsmöglichkeiten und der filmischen Auflösung befassen. Darauf folgt eine intensive Auseinandersetzung mit verschiedensten 16 mm Filmkameras, deren praktische Handhabung, das Ein- und Auslegen von Filmmaterial und die Einführung in die Aufgabenbereiche der Kameraassistenz und in die Belichtungsmessung. Der Höhepunkt des Seminars wird am Ende mit einer gemeinsamem Abschlussübung erreicht. Hier liegt der Fokus auf der Anwendung neu erlernter Techniken und regulären Abläufen am Set. Dabei wird das elementare Handwerk der Kameraarbeit in Form von Lichtgestaltung, Bildkomposition, Kamerabewegung und der szenischen Auflösung praktisch ausgeübt und angewendet.

Die Wahl einer bestimmten Licht- und Farbstimmung, einer Objektivbrennweite, einer Perspektive, Bildkomposition, Szenenauflösung, Kamerabewegung und vieles mehr beeinflusst und definiert, wie wir eine Geschichte mit unserer Kamera erzählen können und wie diese später vom Zuschauer wahrgenommen wird. Auf diese Mittel wollen wir im Kamera III Seminar genauer eingehen, sie analysieren, lernen zu bestimmen und anzuwenden. Unmittelbar verknüpft ist damit die Frage, mit welcher (Aufnahme-) Technik sich die jeweilige Bildgestaltungsidee im Rahmen eines vorliegenden Drehbuchs oder einer dramatischen Situation bestmöglich verwirklichen lässt.

Dieses Seminar richtet sich an alle Studierenden, die bereits an den Grundlagenseminaren Kamera I und Kamera II teilgenommen haben. Die Wahl einer bestimmten Licht- und Farbstimmung, einer Objektivbrennweite, einer Perspektive, Bildkomposition, Szenenauflösung, Kamerabewegung und vieles mehr beeinflusst und definiert wie wir eine Geschichte mit unserer Kamera erzählen können und wie diese später vom Zuschauer wahrgenommen wird. Auf diese Mittel wollen wir im Kamera III Seminar genauer eingehen, sie analysieren, lernen zu bestimmen und anzuwenden. Unmittelbar verknüpft ist damit die Frage, mit welcher (Aufnahme-)Technik sich die jeweilige Bildgestaltungsidee im Rahmen eines vorliegenden Drehbuchs oder einer dramatischen Situation bestmöglich verwirklichen lässt. Praktische Übungen sollen während des Semesters zu der Beantwortung dieser Fragen beitragen.

In dem Seminar werden Grundlagen der szenischen Bildgestaltung und die praktische Handhabung der Arri Alexa Kamera und allem erdenklichem Zubehör gelehrt. Zu Beginn werden wir uns mit den technischen Voraussetzungen der szenischen Kameraarbeit, deren Gestaltungsmöglichkeiten und der filmischen Auflösung befassen. Darauf folgt eine intensive Auseinandersetzung mit der Arri Alexa, deren praktische Handhabung und die Einführung in die Aufgabenbereiche der Kameraassistenz und aller weiteren Positionen, welche die Kameraperson in Ihrer Arbeit am szenischen Filmset unterstützen. Der Höhepunkt des Seminars wird in der Kompaktwoche mit einer gemeinsamen Übung erreicht. Hier liegt der Fokus auf der Anwendung neu erlernter Techniken und regulären Abläufen am Set. Dabei wird das elementare Handwerk der Kameraarbeit in Form von Lichtgestaltung, Bildkomposition, Kamerabewegung und der szenischen Auflösung praktisch ausgeübt und angewendet. Allen Studierenden die am Seminar „Spielfilmübung I“ teilnehmen wird dieses Seminar dringend empfohlen. 

Bühnentexte müssen immer mit dem Hier und Jetzt umgehen. War die Bühnensituation lange medial gesehen ein einfacher Raum, sind durch die Existenz audiovisueller Zeitmedien und Online-Welten auch auf der Bühne multidimensionale Räume entstanden. Wir erleben heute Vielschichtigkeiten im Theater, die das Präsens der Bühnensituation angreifen. Was macht das mit den Texten? Wer spricht eigentlich wirklich mit wem? Was ereignet sich tatsächlich, und was heißt es, nach vorne zu sprechen? Existiert die vierte Wand noch? Wie entwickeln wir Szenen, am Ende so etwas wie Handlung, und wenn ja, wer oder was handelt noch? Diese Fragen und andere, wie die nach Sprache, Bildlichkeit und Musikalität und nach der feststehenden Verfasstheit der Texte sollen uns durch dieses Seminar ins dramatische Schreiben begleiten, in dem wir uns durch die Gegenwartsdramatik von z.B. Elfriede Jelinek, René Pollesch, Wolfram Lotz, Miroslava Svolikova, Sarah Kane, Felicia Zeller, Wolfram Höll und Roland Schimmelpfennig inspirieren lassen.

In den Köpfen vieler Lesender wie Schreibender hat sich der Roman als Königsdisziplin der erzählenden Literatur etabliert. Doch während die lange Form einiges verzeiht und sich den Raum nehmen kann, Handlung und Figuren zu entwickeln, liegt eine besondere Herausforderung kürzerer Formen gerade darin, ohne diesen Platz auszukommen. Aber wie gelingt das Erzählen auf wenigen Seiten oder gar nur wenigen Zeilen? Gelten hier womöglich in mehrfacher Hinsicht andere Maßstäbe als in längeren Erzählungen? Und können wir anhand kurzer Formen dennoch allgemein etwas über Erzählarchitektur lernen? Braucht eine Prosaminiatur unbedingt Handlung? Welche Rolle spielen Andeutung und Auslassung? Inwiefern (be)schreibt man auch den Raum zwischen den Zeilen? Und wie schaffe ich es, dass in meinem Text wirklich kein Wort zu viel steht? In diesem Seminar wollen wir uns anhand von Lektüren sowie Schreib- und "Verdichtungsübungen" mit kurzen Prosaformen beschäftigen. Darüber hinaus können nach Bedarf auch eigene Kurzprosaprojekte der Seminarteilnehmenden vorgestellt und diskutiert werden.

Im Seminar [keIs] Hülle ƒ 2 werden studentische Arbeiten im Projektraum CASE gezeigt. Die Ausstellungen, die jeweils ein/e Studierende/r alleine bestreitet, gehen bewusst mit dem physischen Raum und institutionellen Rahmen um. Im Seminar werden die Arbeiten der Studierenden in Hinblick auf diese Ausstellungen entwickelt und die aktuellen Präsentationen diskutiert, darüber hinaus werden auch andere studentische Projekte besprochen. Das Seminar ist eine Fortsetzung des Seminars [keIs] Hülle ƒ aus dem Sommersemester 2022. Die meisten CASE-Ausstellungsplätze sind schon aus dem letzten Semester heraus verplant, wir können maximal 1 bis 2 Ausstellungsplätze neu vergeben. Sprechstunden: Die Buchung einer Sprechstunde bei Beate Gütschow oder Alex Grein ist nach E-Mail-Absprache möglich.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der sichere Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“ wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seinem/r Besitzer*in, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der sichere Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“, wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seiner Besitzer*in, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

Was geschieht mit Formen, wenn sie in Bewegung versetzt werden? Wie werden Räume durch bewegte Objekte geschaffen und verändert? Welche Klänge entstehen beim Bewegen der Objekte oder umgekehrt können diese Objekte erst in Bewegung versetzen? Was für Athmosphären entstehen dabei und welche Geschichten werden davon erzählt? Was hält diese kleinen klingenden-leuchtenden Universen zusammen? Im Seminar wollen wir entlang dieser Fragen Klang-Bild-Maschinen erdenken, entwerfen und realisieren, wobei wir uns auf Aspekte der gemeinsamen Gestaltung von Klängen und Licht in Bewegung konzentrieren. Dabei möchten wir uns an dem Begriff "expanded cinema" orientieren. Seit den 1970er Jahren verweist "expanded cinema" auf die künstlerisch-forschende Suche nach Möglichkeiten zur Erweiterung etablierter kinematografischer Standards. Dabei geht es in erster Linie um das prozesshafte Experimentieren entlang einer "expanded consciousness". (Siehe dazu: Sheldon Renan "The underground film" (1967) und Gene Youngblood "Expanded Cinema" (1970), sowie auch Alvin Toffler "Futur Shock" (1970).

Dieses Seminar wird eine Textwerkstatt, die sich auf studentische Arbeiten und Projekte bezieht. Erwünscht sind alle Formen der Textproduktion, kürzere und längere Bögen. Fragen der Konstruktion und Dramaturgie können neben Fragen der Recherche und des Kontextes gestellt werden. Wo fängt ein Text an und wo hört er auf? Welche ästhetische Grammatik liegt ihm zu Grunde, ob Gedicht, ob Roman, Drehbuch oder installatives Format, ob Hörspiel oder Kurzprosasammlung. Was sind meine Erwartungen an den Text? Trägt er ein Versprechen in sich und wie folge ich ihm? Wie arbeitet er mit anderen künstlerischen Gesten zusammen, will er überhaupt in einem Genre begriffen sein? Wie kann ich ihn (dann) befragen? Welche Reaktionen kommen von anderen, mit denen ich nicht gerechnet habe? Mit diesen Fragen werden wir unsere spielerischen Fähigkeiten in der Lektüre herausfordern und unsere eigenen Schreibprozesse unterstützen.

Je mehr Text ich produziere, umso größer wird meine Verantwortung für das bereits Entstandene und die Notwendigkeit seiner Überarbeitung. Wie behalte ich eine Form im Blick, die ich noch gar nicht kenne? Wie finde ich die richtige Frage, die mich und meinen Text weiterführt? Und was fange ich mit der Antwort an? „Wir müssen beschränken, wonach wir fragen“, schreibt Klaus Heinrich in seinem Buch „Versuch über die Schwierigkeit nein zu sagen“. Und weiter: „Obschon wir nicht die Ansicht teilen, dass sinnwidrige Fragen zu stellen in jedem Falle ein sinnwidriges Unternehmen ist, obschon wir vielmehr der Ansicht sind, dass kaum eine Frage so dringlich ist wie die, was Menschen dazu treibt, sinnwidrige Fragen zu stellen, und wir beinahe geneigt sind, an der Ernsthaftigkeit einer Aussage zu zweifeln, die sich nicht in Form einer sinnwidrigen Frage vortragen lässt, wollen wir doch zuerst nach dem Sinn unserer Frage fragen.“ Im Montagscolloquium bietet sich die Möglichkeit sowohl sinnwidrige wie sinnvolle Fragen an entstehende Texte zu stellen und im gemeinsamen Gespräch, Antworten darauf zu finden.

Im Sommersemester 2022 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Das Seminar wird gleichzeitig auch als Zoom-Konferenz angeboten. Im Wintersemester 2021/22 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Im Sommersemester 2023 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

Im Wintersemester 2022/23 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden. Die Veranstaltung ist offen für Studierende im Grundstudium.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation, experimentellen Games und Vr vorgestellt und besprochen. Die Student*innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Seminar stehen die eigenen Projekte und Arbeiten im Vordergrund. Vom Roman übers Drehbuch bis hin zur Lyrik oder Textformen, die sich keiner Gattung zuordnen lassen, sind hier alle schriftlichen Arbeiten und ihre Autor*innen herzlich willkommen. Fragestellungen zu den Themen Plotentwicklung, Figurencharakterisierung und Relevanz, können genauso diskutiert werden wie sprachliche Aspekte bis hin zum Feinlektorat. Verstehen andere meinen Text inhaltlich so wie ich will? Wenn nicht, warum nicht? Sind die Dialoge glaubhaft? Was fehlt dem Text noch und was kann ich am besten? Dabei geht es nicht nur um eine intensive Lektüre, wir üben uns auch darin, eine Sprache zu finden, in der wir uns produktiv über Geschriebenes austauschen können. Wie argumentieren wir aus dem Text heraus? Was ist im Sinne des Textes notwendig? Darüber hinaus bietet das Kolloquium Raum, sich über poetologische Verunsicherungen zu unterhalten, Fragen zum Literaturbetrieb zu stellen oder sich über aktuelle Debatten und Diskurse auszutauschen.

Im Wintersemester 2023/24 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt. Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

In diesem Kolloquium stehen die Texte der Seminarteilnehmer*innen im Vordergrund, die wir lesen und diskutieren wollen, seien es Auszüge aus Romanprojekten, Erzählungen oder Kurzgeschichten, auch Essays, Drehbücher, lyrische Arbeiten und gattungsübergreifende Textformen sind willkommen. Gewisse Fragen stellen sich im Schreibprozess immer wieder: Wie entwickle ich glaubhafte Figuren? Habe ich mich für die richtige Perspektive entschieden? Wie lasse ich Zeit vergehen? Wie kommen meine Figuren von A nach B? Wie schreibe ich einen guten Dialog? Wie gehe ich bei der Recherche vor? Was unterscheidet die erlebte Rede von der indirekten Rede? Trägt die Sprache? Stimmen die Bilder? Habe ich zu wenig, habe ich zu viel gesagt? Diese und andere Fragen wollen wir im Seminar stellen und gemeinsam Antworten finden.

In diesem Kolloquium werden wir eigene Texte lesen und diskutieren, seien es Auszüge aus Romanprojekten, Erzählungen oder Kurzgeschichten. Gewisse Fragen stellen sich beim Schreiben immer wieder: Habe ich mich für die richtige Perspektive entschieden? Wie lasse ich Zeit vergehen? Wie kommen meine Figuren von A nach B? Wie schreibe ich einen guten Dialog? Was unterscheidet die erlebte Rede von der indirekten Rede? Zudem möchten wir die Teilnehmer*innen des Kolloquiums mit der Lebensrealität von Schriftsteller*innen vertraut machen, denn inzwischen sollte sich herumgesprochen haben, dass die meisten von ihnen nicht vom Verkauf ihrer Bücher leben können. Wovon aber leben sie dann?

Im Sommersemester 2024 wird das thematisch offene Kolloquium weitergeführt. Die Studierenden sind eingeladen, ihre Arbeiten, Projekte, aber auch Ideen vorzustellen und sich im gemeinsamen Gespräch darüber auszutauschen. Das Kolloquium soll außerdem der Reflexion darüber dienen, wie wir über Kunst sprechen. Welche Begriffe werden verwendet, was bleibt ungesagt? Was passiert, wenn wir versuchen, über unsere eigene Arbeit zu sprechen, um sie anderen zu vermitteln? Wie wird die eigene Arbeit von den anderen wahrgenommen und was folgt daraus? Wie verändert sich die eigene Arbeit, wenn sie verbalisiert oder vom Gegenüber kritisiert wird? All diese Fragestellungen sollen offen betrachtet und diskutiert werden. In diesem Zusammenhang kann und soll bewusst kein Leitfaden für eine professionalisierte und optimierte Form der Selbstdarstellung erwartet werden. Trotzdem sollen die speziellen Bedingungen des Kunstbetriebs thematisiert und reflektiert werden.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation, experimentellen Games und VR vorgestellt und besprochen. Die Studierenden sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden sowohl historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Studierenden sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Student_innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Student_innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

In diesem Forum werden Projekte aus den verschiedenen Bereichen der Animation und experimentellen Games vorgestellt und besprochen. Die Student*innen sind aufgefordert, in bestimmten Zeitabschnitten, den jeweiligen Entwicklungsstand ihrer Projekte vom Konzept bis zur abgeschlossenen Produktion zu präsentieren und zur Diskussion zu stellen. Ergänzend werden historische und aktuelle Animationsfilme und Computerspiele, als auch raumspezifische Disziplinen wie Theater, Tanz und Installationen gezeigt, um Parallelen und Unterschiede der verschiedenen Medien aufzuzeigen und um die Studierenden mit verschiedenen Produktionsverfahren und künstlerischen Gestaltungsmitteln vertraut zu machen. Die Beispiele werden möglichst so gewählt, dass ein direkter Bezug zu den aktuellen Arbeiten der Studierenden hergestellt werden kann.

Unterrichtssprache: Deutsch, englische Texte können besprochen werden Dieses Seminar ist die wiederkehrende Textwerkstatt des Literarischen Schreibens, die sich auf studentische Arbeiten und Projekte bezieht, die bestehen, in Gang gebracht werden müssen oder dem Ende zu gehen. Erwünscht sind alle Formen der Textproduktion, die auf kürzere oder längere Formate hinauslaufen. Fragen der Konstruktion und Dramaturgie können neben Fragen der Recherche und des Kontextes gestellt werden. Wo fängt ein Text an und wo hört er auf? Welche ästhetische Grammatik liegt ihm zu Grunde, ob Roman oder Gedicht, ob Theatertext oder Drehbuch oder installatives Format, ob Hörspiel oder Kurzprosasammlung. Was sind meine Erwartungen an den Text? Was für ein Versprechen trägt er in sich und wie kann ich dem folgen? Wie arbeitet er mit anderen künstlerischen Gesten zusammen, will er überhaupt in einem Genre oder gar Gattung begriffen sein? Wie kann ich ihn (dann) befragen? Welche Reaktionen kommen von anderen, mit denen ich nicht gerechnet habe? Mit diesen Fragen werden wir unsere spielerischen Fähigkeiten in der Lektüre herausfordern und unsere eigenen Schreibprozesse unterstützen.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion. Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt der Betrachtung and Diskussion. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht nach Absprache die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses. Eine regelmäßige Teilnahme ist erwünscht.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung des studentischen Projektes: – Materialordnung: die Idee des Ordnens – Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren – Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität – Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment – Montageformen: innersequentiell und transsequentiell – Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache – Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre doku- mentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick des anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht nach Absprache die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung des studentischen Projektes. Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses.

Von der theoretischen Befassung bis zur Sichtung, Analyse und Fortentwicklung der studentischen Projekte: Materialordnung: die Idee des Ordnens Thema: das Herauskristallisieren und Fokussieren Zeit- und Raumkonzepte: Kontinuität und Diskontinuität Strukturprinzipien: Fragment, Dokument, Narration, Experiment Montageformen: innersequentiell und transsequentiell Elementforschung: Bild, Ton, Stille, Text, Sprache Wirklichkeit: Konstruktion und Rekonstruktion Den Studierenden wird die Möglichkeit gegeben, ihre dokumentarischen Arbeiten vom Rohschnitt bis zum Feinschnitt vorzustellen. Die analytische und verständnisorientierte Rezeption, der Blick der anderen zum eigenen künstlerischen Filmschaffen rückt in den Mittelpunkt. Im gegenseitigen Gespräch werden wir Ideen und Perspektiven zur Gestaltung, im Besonderen mit den Mitteln der Montage, entwickeln. Darüber hinaus besteht, nach Absprache, die Möglichkeit einer kontinuierlichen, inhaltlich dramaturgischen Zusammenarbeit während des Montageprozesses. Eine regelmäßige Teilnahme ist erwünscht.

Mit Kopfhörern Klängen zu lauschen scheint mittlerweile eine alltägliche Sache zu sein. Doch gibt es verhältnismäßig wenig Auseinandersetzung mit den vielfältigen Möglichkeiten des Kopfhörens an sich. In diesem Seminar beschäftigen wir uns daher detailliert mit dem Hören von Klängen, die wir gezielt entweder direkt neben unseren Ohren oder sogar unmittelbar in den äußeren Gehörgängen entstehen lassen. Wir erkunden verschiedene Bauformen von Kopfhörern und experimentieren mit ihren jeweiligen Möglichkeiten als Schallverstärker oder Schallquelle. In einem zweiten Schritt erproben wir unterschiedliche Formen der Klanggestaltung und kreieren Klangwelten zum Kopfhören: kleine und groß, filigrane und gewaltige, farbefrohe und trübe, eindimensionale oder räumliche, wilde und ruhige, … Im Laufe des Seminars werden wir uns dabei von der Imagination bis hin zum Higher Order Ambisonics Processing mit Head Tracking und binauralem Rendering wegweisende Technologien des Kopfhörens erschließen. Fachseminar Hauptstudium und weiterqualifizierendes Studium, offen für Interessierte aus dem Grundstudium.

KHM-Studierende werden mit ihrem ersten Projekt auch zu Produzent*innen ihrer eigenen Werke. Spätestens ab diesem Zeitpunkt lernen sie auch die wirtschaftliche Verantwortung für ihr künstlerisches Vorhaben, ihre kreativen Entscheidungen und gegebenenfalls auch für die Mitarbeiter*innen des Produktionsteams zu übernehmen. Das Grundlagenseminar Produktion richtet sich vor allem an Studierende im Grundstudium. Um die Zusammenhänge und Wechselwirkungen zwischen dem Künstlerischen und dem Kaufmännischen zu erkennen und die Herstellungsprozesse zu verstehen und zu meistern, vermittelt das Seminar die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke, von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Endfertigung, Abrechnung und Auswertung.

Im Grundlagenseminar “Kreatives Produzieren II“ werden einige der im ersten Teil des Grundlagenseminars vermittelten Themen vertieft und Softwarelösungen für Drehplan, Kalkulation, CashFlowPlan, Kostenstand und Abrechnung vorgestellt und geübt. Erweitert werden die Themen um die Grundlagen des „nachhaltigen Produzierens“, Festival- und Auswertungsbasics sowie medienrechtliche Grundlagen zur Sensibilisierung im Umgang mit urheberrechtlich geschütztem Material. Die Entstehung von Urheberschaft durch die Schaffung neuer Werke, der Schutz der Persönlichkeit und die Regelung von Ansprüchen sowie Arbeitsverhältnissen durch Vertragsgestaltung stehen ebenso im Fokus des Seminars wie die Pflichten als Produzent*in.

KHM-Studierende werden mit ihrem ersten Projekt auch zu Produzent*innen ihrer eigenen Werke. Spätestens ab diesem Zeitpunkt lernen sie auch die wirtschaftliche Verantwortung für ihr künstlerisches Vorhaben, ihre kreativen Entscheidungen und gegebenenfalls auch für die Mitarbeiter*innen des Produktionsteams zu übernehmen. Das Grundlagenseminar PRODUKTION richtet sich vor allem an Studierende im Grundstudium. Um die Zusammenhänge und Wechselwirkungen zwischen dem Künstlerischen und dem Kaufmännischen zu erkennen, die Herstellungsprozesse zu verstehen und zu meistern, vermittelt das Grundlagenseminar PRODUKTION die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke, von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Endfertigung, Abrechnung und Auswertung.

Im Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 2 werden die im Grundlagenseminar Kreatives Produzieren 1 vermittelten Themen ergänzt und erweitert. Es werden u.a. die rechtlichen Grundlagen für die Herstellung von Spiel- und Dokumentarfilm vermittelt. Denn egal, ob Spielfilm oder Dokumentarfilm, Essay oder Experimentalfilm, ihr steht in der Verantwortung, diese Rechte (am besten vorab) zu klären, das gilt für das Urheber-, Persönlichkeits-, Vertragsrecht und den Erwerb von Musikrechten etc. für die studentischen Arbeiten. Auch soll vermittelt werden, wie möglichst nachhaltig produziert werden kann: Green Producing. Weiteres zentrales Thema bleibt die effiziente Produktionsplanung und Kommunikation innerhalb und zu den einzelnen Gewerken, mit dem Ziel, dadurch mehr Kraft und Energie für die künstlerische Arbeit zu haben. Ein wichtiger Bestandteil des kreativen Produzierens ist die Frage der Sichtbarmachung der Filmwerke für ein Publikum – eine Frage, die bereits in der Stoffentwicklung essentiell ist. Mit Hilfe von praktischen Aufgaben und Übungen, wie z.B. Verhandlungspraktiken, Postproduktionsplanerstellung, Kalkulation und Abrechnung soll dieses Wissen anhand der konkreten studentischen Projekte vermittelt werden. Auf der Basis unterschiedlichster Beispiele wird im Sommersemester intensiv eine Vielzahl von Produktionsfragen im Zusammenhang mit euren künstlerischen Projekten an der KHM behandelt.

The 1991 Gulf War was the first televised war in history. "There are changes in the military order, just as there are changes in the political order. In the meantime, diplomacy is only effective through interposed images. As a hostage of the televisual interface, the viewer becomes the recipient of a principle of insecurity", wrote Paul Virilio in 1991 in "L'Écran du Désert" (German title: "Krieg und Fernsehen"). We will use Virilio's analysis to approach the current militarized media order and to reflect about artistic interventions of audiovisual disarmament.

Das Seminar richtet sich vor allem an Studierende, die unsere KI-Seminare der zurückliegenden Semester besucht haben und nun an eigenen Projekten in diesem Bereich arbeiten. Neben der Vorstellung und Besprechung der studentischen Vorhaben werden wir auch neue Arbeiten in der Kunst und aktuelle Fortschritte in den KI-Technologien vorstellen und diskutieren. Neueinsteiger mit KI- und Python-basierten Projektideen wie auch Interessierte ohne eigene Projekte sind natür-lich willkommen.

Das Seminar richtet sich vor allem an Studierende, die unsere KI-Seminare der zurückliegenden Semester besucht haben und nun an eigenen Projekten in diesem Bereich arbeiten. Neben der Vorstellung und Besprechung der studentischen Vorhaben werden wir auch neue Arbeiten in der Kunst und aktuelle Fortschritte in den KI-Technologien vorstellen und diskutieren. Neueinsteiger mit KI- und Python-basierten Projektideen wie auch Interessierte ohne eigene Projekte sind selbstverständlich willkommen.

Das Seminar "Land of Thousand Dances" ist eine Kooperation mit Prof. Dr. Michael Rappe an der Hochschule für Musik und Tanz Köln (HfMT Köln) und steht Studierenden beider Hochschulen offen. Inhalt des Seminars ist die Auseinandersetzung mit den wichtigsten Gestaltungsprinzipien Elektronischer (Pop)Musik wie z.B. Hip Hop, House, Techno und Electronica. Anhand zentraler künstlerischer Entwicklungen (DJing, Mixing) und der exemplarischen Darstellung wichtiger medialer Transformationen (vom analogen DJ-Setup zu digitalen Techniken des Sampling oder wegweisende Synthesizer- und Effekttechnologien) sollen die spezifischen Kunstfertigkeiten und die stilimmanenten musikalischen Techniken erarbeitet und so ein Überblick über die stilistischen Unterschiede der wichtigsten Genres im Bereich der Elektronischen (Pop)Musik gegeben werden. Im weiteren Verlauf des Seminars soll darüber hinaus das Spannungsverhältnis zwischen subkultureller Verortung und musikindustrieller Vereinnahmung elektronischer Sounds thematisiert werden. Erstes Treffen am Samstag 9. April 10:00 - 17:00 zum eröffnenden Workshop Tag an der Kunsthochschule für Medien Köln. Ab dem 12. April wöchentliches Seminar Dienstags 13:15 - 14:45 an der Hochschule für Musik und Tanz Köln (Unter Krahnenbäumen 87, 50668 Köln).

The essay is an uncertain genre. It is derived from the Latin "exagium" attempt. The French verb "essayer" goes in the direction of "try for the first time", dare to do something, while the English "searching" means to seek and examine. In Italian, the verb “saggiare” in the substantiated form “saggio” has the double meaning of “trial” or “attempt”, but also means “the wise”, as an adjective “wise”. "The wisdom of the essay arises from experience, the self-experienced is processed in a direct, unencrypted way - one of the reasons why very few authors can resist this form." Chaim Noll writes about the essay as an attempt. In this seminar we will write, think, try together. We exchange words, images and sounds, the seminar writes its own text. At the end there might be a joint (cinematic?) Attempt, shall we go online? Let's essayer!

Bei allen Versuchen und Bemühungen, die Aufmerksamkeit auf die Bedürfnisse und den Schutz gesellschatlicher Minderheiten und Schieflagen zu lenken, ist die Bereitschaft, die sehr unterschiedliche Verteilung von Besitz zum Thema des filmischen Erzählens zu machen die, die am wenigsten gefördert wird. Warum das so ist, soll Teil dieses Seminars sein. Aber vor allem geht es darum, den Blick zu schärfen für gesellschaftliche Klassenunterschiede und das darin enthaltene Potential für filmische Stoffe. Das Seminar ist ein Angebot an Studierende, die schon in der Entwicklung begriffene Projekte auf diesen Aspekt hin beleuchten und bearbeiten wollen, sowie Studierende, die neue Stoffe für Filme, Serien und andere filmische Erzählformate entwickeln wollen, in denen unterschiedliche Besitzverhältnisse eine wesentliche Rolle spielen. Wir werden uns im Zwei-Wochen-Rhythmus treffen und in der Gruppe die Entwicklung der eigenen Stoffe und die Stoffe der anderen zugewandt und kritisch diskutieren, aber natürlich auch bestehende filmische Erzählungen analysieren, die sich mit der Klassenthematik befassen.  In all attempts and efforts to draw attention to the needs and protection of societal minorities and imbalances, the willingness to make the very different distribution of property the subject of cinematic storytelling is the one that is least encouraged. Why this is so will be part of this seminar. But above all, it is about sharpening the eye for social class differences and the potential they contain for cinematic material. The seminar is an offer to students who want to examine and work on projects already in development with regard to this aspect, as well as students who want to develop new material for films, series and other cinematic narrative formats in which different property relations play an essential role. We will meet every two weeks and discuss the development of our own material and the material of others in an approachable and critical way in the group, but of course also analyse existing cinematic narratives that deal with the class issue.

Wie bringe ich ein Gedicht zu einem guten Ende? Weiß ich, wo es hinwill, oder umgekehrt: weiß es, wo ich hinwill? Setze ich auf Pointen? Sehe ich kurz vor Schluss einer haltbaren Sentenz entgegen? Wartet dort etwa die Bilanz? Oder breche ich einfach ab, mitten im Vers oder gar mitten im Wort, im Sinne von Paul Valéry sprichwörtlicher Feststellung, die für alle Amateure* von Unruhe und Perfektion Gültigkeit habe: “Un ouvrage n’est jamais achevé . . . mais abandonné”, man schreibt es nie fertig, man gibt es auf. Doch wann ist es genug? Wenn ich eine klassische Form wie das Sonett zugrundelege, weiß ich, dass mit dem vierzehnten Vers ein Ende erreicht sein muss, ganz gleich, ob es sich um ein gutes oder ein schlechtes handelt. Nehme ich ein Langgedicht in den Blick, habe ich es womöglich mit einer ganzen Staffel letzter Verse zu tun, mit Etappenstopps, auf die Langstrecke verteilt. Welche Lektüren, Routinen, Formen und Methoden helfen bei der Finalisierung? Wir besprechen eigene (entstehende oder vorläufig beendete) Gedichte und ziehen Gedichte und zuweilen auch literaturwissenschaftliche Texte zurate. Zum Beispiel von Helena Boberg, Mira Mattar, Alice Notley, Kim Hyesoon, Ursula Andkjær Olsen, Frank Kermode, Andrea Polaschegg, Reinhard Priessnitz, Georg Leß, Richard Siken, Dominik Steiger und anderen. Mit Übungen. Unterrichtssprache: Deutsch.

Licht und Schatten zu verstehen und ihren Erzählcharakter zu erspüren, ist eine der schwierigsten Fähigkeiten die ein visueller Künstler, oder Künstlerin zu erlernen hat. Wie wählt man den Kontrast einer Szene? Die Qualität des Lichts? Seine Intensität, oder was soll mit Licht gezeigt und vor allem was soll im Schatten versteckt bleiben? Auf all diese Fragen möchten wir versuchen gemeinsam, theoretisch und auch praktisch Antworten zu finden, indem wir uns langsam der Technik und den zur Verfügung stehenden Gestaltungsmitteln annähern. In der Lichtwerkstatt I werden wir versuchen, in das abstrakte Universum des Lichts einzutauchen und zu analysieren, wie das Licht von einigen Maler*innen in ihren Werken verwendet wurde. Wir werden den Weg des Lichts in der Malerei mit dem des Films verbinden und verstehen, welches unsere Beleuchtungswerkzeuge sind, um ein Bild zu gestalten. Am Ende werden wir in einer praktischen Übung verschiedene Lichtkonzepte von Maler*innen in eine freie filmische Szene zu übertragen.

Die Lichtwerkstatt ist ein offener Ort an dem frei mit Licht experimentiert werden kann. Die Fokussierung liegt in diesem Semester auf der Erarbeitung von Lichtplänen für filmische Projekte. Die eigens kreativ geplanten Lichtkonzepte werden dann an unterschiedlichen Motiven gemeinschaftlich, praktisch umgesetzt. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden. Erste Berührungen mit Lichttechnik und die Grundlagen der Lichtgestaltung werden diesem Seminar vorausgesetzt. Termine: 16.04., 30.04.24,14.05.24, 28.05.24, 11.06.24, 25.06.24 

Die Lichtwerkstatt ist ein offener Ort an dem frei mit Licht experimentiert werden kann. Die Fokussierung liegt in diesem Semester auf der Erarbeitung von Lichtplänen für filmische Projekte. Die eigens kreativ geplanten Lichtkonzepte werden dann an unterschiedlichen Motiven gemeinschaftlich, praktisch umgesetzt. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden.

Die Veranstaltung bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu zeigen – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke & Choreographien vorzustellen und ggfs. aufzuführen – sowie diese in der Gruppe zu diskutieren. Es sind sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen denkbar als auch Performances, die vor Ort umgesetzt werden. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. Studierende, die ein Projekt vorstellen möchten, melden dieses bitte frühzeitig an. Wenn die Pandemie es zulässt, können Gäste eingeladen und Exkursionen geplant werden.

Von der Idee zu einer Fernsehshow. Musikshow, Talkshow, Quizshow, TV-Magazin, Kinderprogramm..., alles ist denkbar. Entwicklung eines TV-Formats von der Idee bis zur Umsetzung. Grundlagen der Verbundkameraproduktion. Erlernen der Grundlagen einer Studioproduktion bis zur Umsetzung. Entwicklung von Formaten die der geänderten Fernsehnutzung Rechnung tragen und auf unterschiedlichen Endgeräten in unterschiedlichen Formaten funktionieren.

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Des weiteren begleiten wir das Fachseminar „Talking Heads" von Marcel Kolvenbach. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion.

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt, Regie und Redaktion.

Also online or at Filzengraben 2 a, Atelier 4 a + b Live/Art is an ongoing process-based seminar which focusses on developing performative practice and moving-image works in both the studio and public space. Live/Art participants are invited to work across disciplines in solo works, duets and small groups to expand on digital, durational and live performance work to consider and think critically on the contemporary political landscape. International artists and guests are regularly invited to interact with the group and there is a strong emphasis on the regular attendance of live musical and theatrical performance and contemporary exhibition-making. The ongoing current protests which have originated from emancipatory, liberation movements and a continued resistance to authoritarian governments and systems of harm have had broad, popular global appeal. These protests have had non-hierarchical formations at the heart of their strategies of opposition, and the creative arts and performance, as articulated by marginalised communities, has been central to the ways in which the demonstrations have taken shape. Live/Art will continue its research into art-washing and the dominance of weapons manufacturers, ecocide, toxic patriarchy and systems of oppression as represented by the boards of directors in cultural institutions and learning institutions. We will be meeting with filmmakers, artists, researchers and protest movements to create common links and creative action, discuss the prescience of Jodi Dean’s re-evaluation of comradeship in the light of these conversations, and pursue the line drawn by Shelby Zoe Coley in what she names and heralds a ‘diary of small revolutions’.

The Live/Art lives seminar continues to foreground, workshop, develop and critique the ongoing works and projects of the young artists and students who form the collective expression of the seminar group. The teaching blocks are both practical and discussion-based. This is an ongoing and developmental work in establishing units of production and collective support work, as well as facilitating and sustaining individual practices. In this we continue to follow the discussion around praxis and follow ideas to presentation – both within rehearsal spaces and for public audiences. This is an organic project seeking to learn through connection and reflection on and with other participants’ work. The seminar places the highest priority on creating collective vocabularies and opportunities with visits to cultural events – theatre shows, performance events, concerts, exhibitions – with the radical potential of popular culture and the live moment at the heart of the seminar as a joint process of learning and reflecting. We are thankful that the KHM Bibliothek supports this project with books and dvds which inspire and amplify some of the themes that underlie the central themes of the seminar. These include historical works, biography, theory, anti-racist, feminist and queer texts centred on struggle and social transformation, plays, poetry and novels.

Location: or at Studio A William Shakespeare wrote  The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark  sometime at the turn of the 17th century in a period personally overshadowed by the death of his son Hamnet. Irish writer Maggie O’Reilly makes a convincing case in  Hamnet  her recent, celebrated novel that Shakespeare’s play – in its relentless deferrals and interrogation of archetypes – is a work characterised by grief.  The seminar will continue its close reading of  Hamlet  in order to examine themes of theatricality and literary conceits in contemporary popular culture. Furthermore, we will research and reflect on PoC, feminist, socialist and queer productions of a tragedy capable of "seemingly endless retelling and adaptation by others”. (Thompson and Taylor, Arden Edition).  Field Trips and Excursions: There will be weekly trips to exhibitions and live performances (performance, theatre, concerts).

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit.  Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion. In the Live Directing seminar we want to explore the various possibilities of live production. Performative, documentary and fictional work in the studio. In addition to 3 studio cameras, light stage, image direction, live editing and image technology are available. The technical basics as well as live streams of concerts or stage shows are the focus of our joint work.  To this end, we cooperate with the Cologne University of Music and Dance - where classical music productions are accompanied - and the Schauspielzentrum - where live recordings of theatre productions, video as scenery, video as light take place. Live directing is teamwork. We work in rotation in the areas of camera, editing. Directing and editing.

Live TV ist Storytelling in Echtzeit. Die populärsten Fernsehformate sind „live”, vom Sportereignis über die Gameshow bis zur Konzertübertragung. „Live on tape” nennen sich aufgezeichnete Formate, wie z.B. Talkshows oder Opernaufführungen, die im Moment der Aufzeichnung geschnitten und zu einem späteren Zeitpunkt ausgestrahlt werden. Die besondere Herausforderung besteht darin im richtigen Moment das richtige Bild zu finden und somit die zeitgleich stattfindende Geschichte bestmöglich zu erzählen. Im Seminar Live-TV wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Daneben erkunden wir den Bereich der Interviewtechnik. Wir suchen auch Talente vor der Kamera. Live TV ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt, Regie und Redaktion.

Im Seminar Live-Regie wollen wir die diversen Möglichkeiten der Live-Produktion ausloten. Performatives, dokumentarisches und fiktionales Arbeiten im Studio. Dazu stehen neben 3 Studio-Kameras, Lichtbühne, Bildregie, Live-Schnitt- und Bildtechnik zur Verfügung. Die technischen Grundlagen, sowie Livestreams von Konzerten oder Bühnenshows stehen im Mittelpunkt unserer gemeinsamen Arbeit. Hierzu gibt es Kooperationen mit der Hochschule für Musik und Tanz Köln – bei der klassische Musikproduktionen begleitet werden – und dem Schauspielzentrum – bei dem Liveaufzeichnungen von Theaterproduktionen, Video als Szenenbild, Video als Licht stattfinden. Live Regie ist Teamarbeit. Wir arbeiten rotierend in den Bereichen Kamera, Schnitt. Regie und Redaktion.

Erster Termin 07.04.2022, verpflichtender Termin /obligatory date Das Seminar mündet in ein gemeinsamen Workshop mit Doktorand*innen der KHM und der Akademie der Bildenden Künste Wien am 17. und 18. Juni (Freitag/Samstag) an der KHM. Wir diskutieren mit Stefano Harney die Konzepte von Logistik und Improvisation in seinem Buch All Incomplete (mit Fred Moten) The seminar leads into a joint workshop with PhD students of the KHM and the Academy of Fine Arts Vienna on June 17 and 18 (Fri+Sat) at the KHM. We will discuss with Stefano Harney the concepts of logistics and improvisation in his book All Incomplete (with Fred Moten). Logistik ist kolonisierend und sucht die kürzeste Linie. Sie soll für die Sicherheit von Versorgung sorgen, just in time. Doch sie liefert die Unplanbarkeit ins Zuhause und das Management der Improvisation. Die Basis ist extreme Unsicherheit und Prekarisierung. Logistik kapitalisiert die Gegenwart und produziert bestimmte Lebens- und Subjektivierungsweisen. Und: Logistik und Improvisation sind zentrale Elemente von Migration, Transit, Flucht. Wie lassen sich aus queerer Perspektive die gewaltvollen Ströme der Logistik aufbrechen und ausnutzen? Welche Rolle spielt das Virus? Wie blockieren und unterbrechen queere, schwarze Schulden auf nicht-logistische Weise? Wie verbündet queere Intimität im Transport und welche Verbindung entstehen in der Versorgung der Prekären? Wie lässt sich im Gemeinsamen improvisieren? Logistics is colonizing and seeks the shortest line. It is supposed to provide security of supply, just in time. But it brings unpredictability into the home and the management of improvisation. The basis is extreme insecurity and precarization. Logistics capitalizes the present and produces certain ways of life and subjectivation. And: logistics and improvisation are central elements of migration, transit, flight. How can the violent flows of logistics be broken up and used from a queer perspective? What role does the virus play? How do queer, black debts block and interrupt in non-logistic ways? How does queer intimacy ally in transportation and what connections emerge in the care of the precarious? How can we improvise in common? Literaturauswahl: COWEN, Deborah, "Rough Trade? Sex, Death, and the Queer Nature of Circulation" , in: The Deathly Life of Logistics, Minnesota, London 2014. HARNEY, Stefano, MOTEN, Fred, The Undercommons. Fugitive Planning & Black Study, London 2013. HARNEY, Stefano, MOTEN Fred, All Incomplete, London 2021. LINEBAUGH, Peter, "All the Atlantic Mountains Shook", Labour/Le Travailleur, Aug. 10, 1982 LÓPEZ MARÍN, Bernardo, Gianmaria LENTI, "Between Coercion und Improvisation. The Case of Irregulated Migrants in Transit Across Mexico", Sites. New Series, 16:2 (2019). LOREY, Isabell, "Logistifizierungen. Pandemie und Unplanbarkeit", https://transversal.at/blog/logistifizierungen. TINSLEY Omise'eke Natasha, "Black Atlantic, Queer Atlantic. Queer Imaginings of the Middle Passage", GLQ 14:2-3 (2008), 191-215. TSING, Anna, "Supply Chains and the Human Condition", Rethinking Marxism, 21:2 (2009).

Magie und Technik sind zwei scheinbar gegensätzliche Konzepte, die jedoch auf vielfältige Weise miteinander verknüpft sind. Sowohl Magie als auch Technik haben einen genuin poietischen Charakter. Im Zentrum steht die Erreichung sehr weltlicher Ziele wie die Bereitstellung materieller Güter, Macht, Wohlstand, Fruchtbarkeit etc. Beiden geht es um Kontrolle und die Erweiterung der Wirkmächtigkeit menschlichen Handelns, aber dafür braucht es jeweils besondere Expertisen. Vor allem aber verbindet Magie und Technik die grundsätzliche Erklärungslücke zwischen den rituellen bzw. technischen Handlungen einerseits und den Wirkungen dieser Handlungen andererseits. Diese Kluft des Nicht-Verstehens und des Nicht-Erklären-Könnens werden wir insbesondere für eine Reihe technischer und algorithmischer Methoden genauer untersuchen. Dazu gehören: Machine Learning und Embedding-Verfahren der Künstlichen Intelligenz, das Emergenz-Phänomen bei Zellulären Automaten, genetische und evolutionäre Algorithmen sowie das Embodiment in der Robotik. Dass wir gegenwärtige Technik nicht mehr verstehen können, ist also nicht nur eine Frage unserer Bequemlichkeit oder der zu großen Vielfalt technischer Prinzipien, sondern ein ontologisch-epistemologisches Problem. Die Verbindung von Magie und Technik wird im Rahmen des Seminars vor allem auch als Ausgangspunkt verwendet, um die gesellschaftlichen Auswirkungen technologischer Entwicklungen zu reflektieren. Dafür werden verschiedene „Ontologien“ wie Animismus, Naturalismus, Totemismus und Analogismus (nach Descola) gegenübergestellt.

In what sense could the figure of Malcolm X be considered ‘transversal’? Let us understand transversality in part as rejection of hierarchy that is at the same time not content with the horizontal. Let us also suggest transversality calls into question of the very idea of leadership in the search for a different organizational practice. Does Malcolm X then begin to emerge not so much as mobilizer of others, but as the mobilization in others. When we hear someone say he spoke for us, could we think of this phrase outside of the Western political epistemology of representation and leadership? Are there aspects of his oratorial style, of his performances, that point in this direction? In this seminar we are going to read the Autobiography, but we are also going to read, listen to, and watch a constellation of figures and movements, before, during and after Malcolm X to rethink the way Malcolm X served. Figures and movements like Yuri Kochiyama, women in the Black Panther Party, Amiri Baraka and the Black Arts Movement, and the traditions of the itinerant preacher in the American South will be studied. Students should read the Autobiography, in any available language, prior to attending the seminar.

During this seminar, the production of an animated film will take place in collaboration with various schools around the world. The premise is as follows: A Martian arrives on planet Earth and conducts a study on human behaviour, addressing topics such as love, human relationships, nature, technology, art, power, and religions, as well as the meaning of art and money, among others. The title of this seminar pays homage to the novel of the same name, "The Martian Chronicles" by Ray Bradbury, a work published in 1950 during the Cold War that narrates how humans invade Mars, fleeing a world on the brink of destruction and under the threat of nuclear conflict. In our case, we reverse the roles and eliminate the belligerent and destructive impulse. Our Martian is a reporter and explorer in the tradition of Herodotus, a peaceful character with the broadest tolerance who travels through planet Earth guided by curiosity and the objective of assessing the feasibility or interest in establishing some form of embassy or relationship with humans. The participating schools are (KHM) Kunsthochschule der Medien in Cologne, (CAFA) Central Academy of Fine Arts in Beijing, China, (NID) National Institute of Design in Andhra Pradesh, India, and (CAU) Accademia di Belle Arti di Napoli, Naples, Italy. Additionally, Vilnius Art Academy in Lithuania is also part of the collaboration.

Was meinen material immaterialities, Materialitäten und Immaterialitäten, Digitales und Analoges, Physikalisches, Ephemeres, Wortfragmente, Schallwellen, Taktiles, Luft, Rauch, Licht, Klang…? Der Bereich, der Materialitäten umschreibt und fasst, ist immens und wird aus unterschiedlichen Perspektiven divers beleuchtet. Ausgehend von den Begrifflichkeiten und der Untersuchung des Bereichs werden im Seminar die Facetten, Brüche, Grenzen und Details der Materialitäten und Immaterialitäten auf praktischer wie denkender Seite verhandelt. Ob skulptural, räumlich, sprachlich..., wie könnte eine Auseinandersetzung mit material immaterialities in unterschiedlichen Formaten aussehen? Welche Weisen des Ausstellens und Exponierens können dabei entstehen? Ausformungen sind in digitalen wie physikalischen Formen denkbar. Passende oder auch neue Ausstellungs- und Präsentationsformate werden gemeinsam entwickelt und umgesetzt.

Inhalt des Grundlagenseminars ist die Auseinandersetzung mit Materialien und Materialprozessen, in Wechselwirkung zu Technologien und ihren Ästhetiken, im persönlichen wie gesellschaftlichen Kontext. Basis jeder künstlerischen Arbeit ist Material, ob haptisch und physikalisch als Werkstoff, Träger und Medium oder/und strukturell und immateriell als Codierung. Die Betrachtung und Bearbeitung der Interdependenzen von Material in grundlegenden Prinzipien und in ihren Übersetzungen und Überschneidungen zwischen dem Digitalen und dem Physikalischen, finden im Seminar durch Experimente und Materialstudien statt. Materialprozesse und algorithmische Abläufe sind Teil praktischer Übungen sowie theoretischer Einführungen. Den Schwerpunkt bilden das Beobachten und Kennenlernen von Material als eigenständigem Element, sowie die Bearbeitung von Materialien und deren Prozesse. Unter Einbeziehen grundlegender Techniken und der Nutzung der vorhandenen Geräte können eigene Experimente und Modelle erarbeitet werden. Analoge Materialien und Werkzeuge zur Bearbeitung von Material auf digitaler und maschineller Ebene (bspw. CNC-Fertigung wie Lasercutter, Fräse oder Drucktechniken wie Riso) stehen zur Verfügung. Die im Seminar verhandelten Prinzipien können Basis für Arbeiten und Konzepte auf skulpturaler und/oder digitaler Ebene werden.

Die Zeit nach der KHM will schon während des Studiums vorbereitet sein. Es gilt also jetzt schon Allianzen zu schmieden, Netzwerke aufzubauen und Partner zu finden und im besten Falle bereits Projekte anzuentwickeln. Doch wie mache ich das und worauf muss ich achten? Die Herstellung eines Filmes ist ein langer Prozess, in dem es viele Entscheidungen zu treffen gilt. Die Teilnehmer*innen sollen anhand von Case Studies, aber auch anhand ihres konkreten Debüts lernen, wo und wie sie ihr Projekt und sich selbst am besten auf dem späteren, hart umkämpften Markt positionieren können. Dabei geht es darum, dass sie lernen, wann der beste Zeitpunkt ist, um mit dem Projekt rauszugehen, wie und wo man Förderungen für die Entwicklung beantragt, wie eine Finanzierung aufgebaut ist, wie Debütredaktionen bei Sendern ticken, aber auch, wie man die ersten Verträge verhandelt. Und noch vieles mehr. Das Seminar soll eine praktische Hilfestellung, Vorbereitung und Begleitung sein. Gleichzeitig sollen sich die Teilnehmer*innen ein Portfolio an zukünftigen Projekten aufbauen, mit denen sie sich nach Beendigung des Studiums der Filmbranche präsentieren können.

Die Zeit nach der KHM will schon während des Studiumsvorbereitet sein. Es gilt das Projekt inhaltlich zu entwickeln, Allianzen zu schmieden, Netzwerke aufzubauen und Partner zu finden. Doch wie mache ich das und worauf muss ich achten? Die Herstellung eines Filmes ist ein langer Prozess, in dem es viele Entscheidungen zu treffen gilt. Die Teilnehmer sollen anhand von Case Studies, aber auch anhand ihres konkreten Debüts lernen, wo und wie sie ihr Projekt und sich selbst am besten auf dem späteren, hart umkämpften Markt positionieren können. Dabei geht es darum, dass sie lernen, wann der beste Zeitpunkt ist, um mit dem Projekt rauszugehen, wie und wo man Förderungen für die Entwicklung beantragt, wie eine Finanzierung aufgebaut ist, wie Debütredaktionen bei Sendern ticken, aber auch, wie man die ersten Verträge verhandelt. Und noch vieles mehr. Das Seminar soll eine praktische Hilfestellung, Vorbereitung und Begleitung sein. Gleichzeitig sollen sich die Teilnehmer ein Portfolio an zukünftigen Projekten aufbauen, mit denen sie sich nach Beendigung des Studiums der Filmbranche präsentieren können.

Als dezidiert urbane Praxis wird die Bewegungskultur des Skateboarding von einer ganzen Reihe politischer und interventionistischer Implikationen begleitet. Im Sinne einer „performativen Kritik an Architektur“ (Iain Borden) verkörpert es stets auch einen Eingriff in den städtischen Raum, der es den Protagonist*innen erlaubt Alternativen zu vorgegebenen Strukturen und Bewegungsabläufen aufzuzeigen und umzusetzen. Im Seminar setzen wir uns mit der Entwicklung des Skateboarding vom Sidewalk Surfing der 1950er Jahre bis zum Queer Skateboarding der 2010/20er Jahre auseinander und fragen uns: Wie inszenieren Skateboarder*innen sich medial bzw. wie werden sie inszeniert? Welche Rolle spielen intersektionale Kategorien wie race, class, gender und Sexualität dabei? Wie artikulieren sich Skateboarder*innen in Kunst, Musik, Film und Literatur? Welche konkreten materiellen Praxen liegen den Bewegungen des Skateboarding zu Grunde? Inwiefern können diese inspirierend für eigene künstlerische Projekte und Arbeitsweisen sein? Wie eigenen sich Skateboarder*innen Räume an? Wie interagieren sie mit ihrer Umwelt (z.B. in Stadt und Suburbia)? Wie grenzen sie sich ab und in welchem (Wechsel-)Verhältnis stehen sie zum sogenannten „Mainstream“? Über die Lektüre unterschiedlicher Textformen nähern wir uns den ästhetischen, künstlerischen, politischen sowie kulturwissenschaftlichen und medientheoretischen Dimensionen des Skateboarding. Der Fokus liegt dabei eher auf den subkulturell konnotierten Ausdrucksformen einer Praxis, die fernab von den Organisationsstrukturen des offiziellen Sports (Skateboarding ist seit 2020/21 olympische Disziplin) emanzipatives und partizipatorisches Potential verspricht.

Animation's ability to navigate freely in the mimesis/abstraction representational spectrum in an infinite variety of styles, as well as its freedom from space/time restrictions, makes it a powerful medium to express inner states of being. We will be analyzing films that explore this potential in the context of poetry and animation aesthetics. Metaphor, suggestion, symbolism, lyrical narrative structure, rhythm and metamorphosis are some of our areas of investigation and experimentation. Students will be encouraged to perceive 'poetic moments' in their apparently ordinary routines and register them in a diary. This journal will serve as their source of ideas to explore concepts debated in class in a variety of animation techniques. Exercises are designed to help students explore their own themes authentically, whilst strengthening their feeling for timing and intuitive understanding of animated motion.

erkundungen in der welt spannungsgesteuerter klangerzeugung und sich selbst modifizierender systeme anhand von "klassischen" modularsynthesizer patches (z.b. todd barton´s krell, richard brewster´s quantussy cell und jaap vinks feebdack patch). entlang des weges werden die verschiedenen typen von modulen im modularsynth des klanglabors untersucht, klangerzeuger, klangveränderer, brot-und-butter und auch exoten. das seminar ist keine grundlegende einführung, sondern eine entdeckungsreise, die eigeninitiative und -ideen vorraussetzt und bei der der praktische nutzen für den nächsten hit an letzter stelle steht.

The edge of extinction is not just a metaphor; system collapse is not a thriller. Ask any refugee of any species. (Haraway, Staying with the Trouble) This is an invitation to listen to other(s') stories, to share stories, to care. How could a shared and carefull telling of stories look like, feel like, sound like? What methods and tools do we need to un/learn to be able to make sense of the complex realities of more-than-human life forms and our interrelations with them? How can storytelling become part of a decolonial ecology? In Multispecies Storytelling Part II we will focus on stories of extinction – told and shared as fables, myths, multispecies ethnographies, songs, films, installations, and probably a parade. We search for cultural strategies that raise awareness of extinction as not only the death of species but of cultures, pieces of the universe, of sensations that fade away (Despret). We want to meet each other every week to create shared practices and rituals, ways of working and communicating, of un/learning, visiting all kinds of strange, beautiful, troubled, and beastly places. Let us compost. Guest speaker: Gerard Ortín Castellví Excursions: Senckenberg Museum Frankfurt; date: n.n. Sensory Ethnographic Fieldwork in the Eifel; date: n.n. Recommended literature: Chao, Sophie, Karin Bolender, and Eben Kirksey, eds. The Promise of Multispecies Justice . Durham: Duke University Press, 2022. Heise, Ursula K. Imagining Extinction: The Cultural Meanings of Endangered Species . Chicago; London: The University of Chicago Press, 2016. Kimmerer, Robin Wall. Braiding Sweetgrass: Indigenous Wisdom, Scientific Knowledge and the Teachings of Plants . Minneapolis, Minn: Milkweed Editions, 2013. Le Guin, Ursula K. The Word for World Is Forest . London: Gollancz, 2022. Rose, Deborah Bird, Thom Van Dooren, and Matthew Chrulew, eds. Extinction Studies: Stories of Time, Death, and Generations . New York: Columbia University Press, 2017. Van Dooren, Thom. World in a Shell: Snail Stories for a Time of Extinctions . Cambridge, Massachusetts: MIT Press, 2023.

It matters what stories tell stories; it matters whose stories tell stories. (Haraway 2019) This is an invitation to listen to other(s') stories, to share stories, to care. How could a shared and care-full telling of stories look like, feel like, sound like? What methods and tools do we need to un/learn to be able to make sense of the complex realities of more-than-human life forms and our interrelations with them? How can storytelling become part of a decolonial ecology? We want to meet each other every week to create shared practices and rituals, ways of working and communicating, of un/learning, visiting all kinds of strange, beautiful, troubled, and beastly places. We want to talk about projects and ideas, and find out how we can create new exhibition formats that expand our ability to connect and engage with each other. Let us compost. Guest speakers: Gerard Ortín Castellví  Laure Vigna  Field trips: 3-day workshop: Intuitive Interspecies Communication (IIC) Recommended literature: Bencke, Ida, and Bruhn, Jørgen, eds. Multispecies Storytelling in Intermedial Practices. Santa Barbara: Punctum Books, 2022. Ferdinand, Malcom, Smith, Paul Anthony. A Decolonial Ecology: Thinking from the Caribbean World. Cambridge: Polity Press, 2022. Gumbs, Alexis Pauline. Undrowned: Black Feminist Lessons from Marine Mammals. Chico: AK Press, 2020. Haraway, Donna Jeanne. Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene. Experimental Futures: Technological Lives, Scientific Arts, Anthropological Voices. Durham: Duke University Press, 2016. Le Guin, Ursula K. Dancing at the Edge of the World: Thoughts on Words, Women, Places. New York: Grove Press, 1989. Wadiwel, Dinesh Joseph. The War against Animals. Boston: Brill, 2015.

Im Multispecies Studio geht es um die Erschaffung eines gemeinsamen Raums, um über Ideen zu sprechen und Projekte zu entwickeln, welche die Perspektiven nicht-menschlicher Akteur*innen (wie Tiere, Pflanzen, Pilze, Bakterien oder KI’s) mitdenken und miteinbeziehen. In einer Zeit, in der wir die Verluste aus der ökologischen Krise und dem Artensterben noch gar nicht umfassend einschätzen können, geht es darum, im Hier und Jetzt Praktiken und Rituale der Annäherung zu entwickeln, die uns dazu befähigen, uns aufeinander einzulassen und füreinander zu sorgen. Hierfür arbeiten wir konkret an der Entwicklung der KHM als Multispezies-Lebensraum und untersuchen Technologien im Hinblick auf ihre Potenziale, Betrachter*innen zu aktivieren und zu involvieren. Das Kolloquium bietet in regelmäßigen Abständen Raum, um über studentische Projekte zu sprechen und sie gemeinsam zu entwickeln. Im Gespräch mit unseren Gästen werden wir uns u.a. Formen nicht-menschlicher Ästhetik widmen. Gäste u.a.: Eva Meijer, Philosophin und Autorin, Amsterdam Semâ Bekirovic, Künstlerin, Rotterdam Exkursion: Spaziergang im Hambacher Wald Literaturempfehlungen: Chang, Alenda Y.: Playing nature. Ecology in video game s, Bd. 58: Electronic mediations. Minneapolis: University of Minnesota Press 2020. Chao, Sophie / Karin Bolender / Eben Kirksey (Hrsg.): The Promise of Multispecies Justice . Durham: Duke University Press 2022. Despret, Vinciane / Brett Buchanan: What Would Animals Say If We Asked the Right Questions? , v.38: Posthumanities. Minneapolis: University of Minnesota Press 2016. Gigliotti, Carol: The creative lives of animals, Animals in context. New York: New York University Press 2022. Meijer, Eva: Learning to See Mice. (Stray Philosophy III). In: Humanimalia 13,1 (2022), S. 203–251. Westerlaken, Michelle / Simon Niedenthal / Per-Anders Hillgren / Andrew Morrison: Imagining Multispecies Worlds. Malmö: Malmö universitet 2020.

Ggf. auch online. “When they entered the tank room, the chamber at the heart of the Darwin Centre, he would give the visitors a moment without prattle. The big room was walled with more shelves. There were hundreds more bottles, from those chest-high down to those the size of a glass of water. All of them contained lugubrious animal faces. It was a Linnaean décor; species clined into each other. There were steel bins, pulleys that hung like vines. No one would notice. Everyone would be staring at the great tank in the centre of the room.“ (China Meville, Kraken, S.7) Im 19. Jahrhundert kommt es weltweit zu der Gründung naturhistorischer Museen, die unter ihrem Dach oftmals individuelle Sammlungen von Abenteurer*innen, Forscher*nnen und Naturhobbyist*innen systematisieren und einhegen. Spezies werden ausgewählt, gesammelt, kategorisiert, konserviert und ausgestellt. Der amerikanischen Soziologin Susan Leigh Star folgend, waren „(…) die bedeutenden konservierten Objekte ökologische Fakten, nicht bloß Exemplare, die dazu dienten, die Öffentlichkeit über eine verschwindende Wildnis zu unterrichten.“ Diesem Erhalt von Wissen und ökologischen Fakten durch das Sammeln, Töten und Konservieren von Spezies setzen wir innerhalb des Seminars eine kritische Perspektive entgegen. Wir hinterfragen die institutionelle Ordnungsinstanz des naturkundlichen Museums und suchen nach den individuellen Narrationen und Verflechtungen, die an den Ausstellungsobjekten haften. Wir nehmen Bezug auf die dynamische Inszenierung toter Tiere, ihre Herkunft und die damit verbundene koloniale Vergangenheit: Welche individuellen Geschichten verstecken sich hinter den einzelnen Präparaten? Wo kommen sie her und wer hat sie gesammelt? Und vielleicht entscheidend: Wie können wir als Künstler*innen mit der ausgestellten Gewalthaftigkeit solcher Sammlungen arbeiten?

„This was what they came for, that pinkly enormous thing. For all its immobility; the wounds of its slow-motion decay, the scabbing that clouded its solution; despite its eyes being shrivelled and lost; its sick colour; despite the twist in its skein of limbs, as if it were being wrung out. For all that, it was what they were there for.” (China Miéville, Kraken, 2010) . Im 19. Jahrhundert kommt es weltweit zu der Gründung naturhistorischer Museen, die unter ihrem Dach individuelle Sammlungen von Abenteurer*innen, Forscher*innen und Naturhobbyist*innen systematisieren und einhegen. Spezies werden ausgewählt, gesammelt, kategorisiert, konserviert und ausgestellt. Der amerikanischen Soziologin Susan Leigh Star folgend, waren „ (…) die bedeutenden konservierten Objekte ökologische Fakten, nicht bloß Exemplare, die dazu dienten, die Öffentlichkeit über eine verschwindende Wildnis zu unterrichten. “ Dieser Produktion von Wissen und ökologischen Fakten durch das Sammeln, Töten und Konservieren von Spezies setzen wir innerhalb des Seminars eine kritische Perspektive entgegen. Wir hinterfragen die institutionelle Ordnungsinstanz des naturkundlichen Museums und suchen nach den individuellen Narrationen und Verflechtungen, die an den Ausstellungsobjekten haften. Wir nehmen Bezug auf die dynamische Inszenierung toter Tiere, ihre Herkunft und die damit verbundene koloniale Vergangenheit: Welche individuellen Geschichten verstecken sich hinter den einzelnen Präparaten? Wo kommen sie her und wer hat sie gesammelt? Und vielleicht entscheidend: Wie können wir als Künstler*innen mit der ausgestellten Gewalthaftigkeit solcher Sammlungen arbeiten? Das Seminar knüpft nahtlos an die bereits vermittelten Themen, Theorien und Praktiken an, die im Sommersemester intensiviert und vertieft werden. Ziel des Semesters ist die Umsetzung der individuellen studentischen Projekte und die raumgreifende Arbeit an einer thematischen Ausstellung. Literatur: Darwin, Charles: The Voyage of the Beagle, 1839. Desmond, Jane C.: Displaying Death and Animating Life, 2016. Haraway, Donna: Teddy Bear Patriarchy: Taxidermy in the Garden of Eden, 1984. Kirksey, Eben: The Multispecies Salon, 2014. Leigh Star, Susan: Grenzobjekte und Medienforschung, 2017. Ritvo, Harriet: The platypus and the mermaid, and other figments of the classifying imagination, 1998. Rutherford, Stephanie: Governing the Wild – Ecotours of power, 2011. Wolch, Jennifer & Emel, Jody: Animal Geographies, Place, Politics, and Identity in Nature-Culture Borderlands, 1998.

The Internet is a hyperobject (Morton, 2013), an entity so vast, all encompassing and all consuming that it is almost impossible for us to perceive. Nonetheless it increasingly shapes almost everything about our lives, defining the information we can access, the images we see, the things we buy, the places we go, etc. "Networked Practice" takes a decentralised, participatory research to the Internet. The core idea is to co-investigate the techno-political-biological networks within which we live together and to work in collaborative constellations of people from different geographies, bodies and minds. This seminar features contributions from a spectrum of practitioners who inquire into the Internet, from philosophers and anthropologists, to artist and designers. A few examples being Meghan O'Gieblyn; who inquires into the philosophical/spiritual contexts of the Internet, Kohn/Siré; whose practice explores alternative, offline networks, CAMP studio; whose projects reveal the interwoven techno-political networks in which we live and Melisa Allela; whose research reveals the specific ways in contemporary technology is conceived of, and for, white men. Together we will produce a zine of experimental writing on and about networked technologies, using the open-source writing tool Marginalia.

(Seminar in German and English) Als physische und virtuelle Räume bewahren Archive eine Auswahl von Dokumenten und Objekten auf. Was und wie in ihnen geordnet, restauriert und digitalisiert wird, hängt vom Fokus und Selbstverständnis ab. Davon ist auch abhängig, was Archive bewahren und was nicht. Auf die Leerstellen in institutionellen Archiven reagierten aktivistische Archivar*innen, indem sie eigene widerständige Archive anlegten. So tragen sie Sorge für marginalisierte Vergangenheiten und Unterdrückungserfahrungen. Aber auch solche Archive von unten haben ihre Grenzen, denn alltägliche Einschüchterung, Repressionen und Mikro-Widerstände gegen sie hinterlassen selten Spuren. Zwischen den vielstimmigen Geschichte(n), Objektbiografien und Leerstellen in den Archiven bewegen sich machtsensible Archivforscher*innen, Aktivist*innen, Künstler*innen und Kurator*innen, um aus 'neu gesehene' Vergangenheiten ihre Vorschläge für andere mögliche Zukünfte zu generieren.

Die ganze Nacht geschrieben, während rings um mich die Lichter ausgingen. Es wurde stiller, noch stiller, jetzt meldet sich die Amsel. Andere Vogelstimmen mischen sich ein, das Licht kehrt zurück, und ich klappe den Rechner zu, putze mir die Zähne und lege mich hin, zufrieden, denn der Text ist fertig. Mit dem Erwachen erwacht auch die Unruhe. Der Text ist fertig, schön und gut. Nur, was ist das eigentlich? Handelt es sich hierbei um Tagebuchnotizen oder um autofiktionale Prosa? Habe ich eine Kurzgeschichte geschrieben oder ist das schon eine Erzählung? Ist das noch eine Erzählung oder schon der Beginn eines Romans? Nach dem ersten Kaffee frage ich mich, ob es sich nicht vielleicht auch um ein Langgedicht handeln könnte. Aber erinnert manches darin nicht doch eher an einen Essay? Und: Ist das überhaupt wichtig? Wozu braucht es eine Gattungsbezeichnung? Nach dem zweiten Kaffee beruhige ich mich mit dem Gedanken, dass nicht ich allein diese Frage beantworten muss, und ich fasse den Entschluss, meinen Text im Seminar »Noch oder schon?« vorzustellen. Vielleicht weiß ja dort jemand Rat.

Die Lichtwerkstatt ist ein offener Ort in dem frei mit Licht experimentiert werden kann. Die Fokussierung dieser Werkstatt liegt nicht ausschließlich auf der Lichtgestaltung filmischer Projekte. In praktischen Fingerübungen erarbeiten wir selbst, wie wir losgelöst von Konventionen mit Licht gestalten können, um eine Atmosphäre zu verdichten, zu stilisieren, das Licht zu personalisieren, besondere Nähe zu den Figuren entstehen zu lassen oder Objekte in ihrer Wirkung zu unterstützen. Das Kennenlernen der unzähligen technischen Mittel und die Erforschung ihrer Vor- und auch Nachteile passiert dabei ganz wie von selbst. Alle zwei Wochen wollen wir uns einer neuen Aufgabe stellen und immer wieder andere Beleuchtungsmethoden und Techniken kennenlernen. Innerhalb der praktischen Übungen sollen ausdrücklich auch eigene Ansätze und Fragestellungen zur Lichtgestaltung und die Suche nach einem jeweiligen eigenen Ausdruck zum Gegenstand des Seminars werden.

Donna Haraway’s 1985 Cyborg Manifesto is going to turn 40 soon and is often regarded as the proto-cyberfeminist text. But the older the Manifesto gets, the more cryptic it seems to become. Will we be able to decode Haraway’s insinuations and allusions to 1980s politics, pop and protest culture? What was C3I again? Wtf are Harlequin romances? Does “Star Wars apocalypse” relate to George Lukas’ space opera or to something completely different? Who are the Greenham women and why are they witch-weaving? And what is witch-weaving anyways? We will spend five sessions reading and deciphering the manifesto together. And if we’re feeling adventurous, we’re going to turn our findings into a little zine. Language will be mostly English, but there’s a German version of the text und es ist auch ok wenn Ihr im Seminar Deutsch oder Denglish sprecht. Dates: 1. 17.04.2024 2. 15.05.2024 3. 29.05.2024 4. 13.06.2024 5. 26.06.2024

Imperialist projects, authoritarian regimes, colonial legacies, warfare, policies of exclusion affect our personal and collective bodies displacing and reconfiguring them. Stories and rituals are remapping post-socialist grammar, colonial violence in the North-, West- and Central Asia and the realities it has created. What stories do we want to tell and why? To whom? What type of connections existed and can be imagined between art and politics? What approaches can artist take towards different struggles within interconnected and disconnected geographies? A space for stories that are untold and not shared, daily practices that create a potential for change where one still can hope for its materialization. How artists can be situated in local histories that are not in line with expected narratives and produce contexts that are not giving in to the politics of representation. The seminar is a part of continues practice by self-organising liquid resistance within solid structures of the western academy.

Imperialist projects, authoritarian regimes, colonial legacies, warfare, policies of exclusion affect our personal and collective bodies displacing and reconfiguring them. Stories and rituals are remapping post-socialist grammar, colonial violence in the North-, West- and Central Asia and the realities it has created. What stories do we want to tell and why? To whom? What type of connections existed and can be imagined between art and politics? What approaches can artist take towards different struggles within interconnected and disconnected geographies? A space for stories that are untold and not shared, daily practices that create a potential for change where one still can hope for its materialization. How artists can be situated in local histories that are not in line with expected narratives and produce contexts that are not giving in to the politics of representation. “on the other side of the Rhine. Part II” is a continuation of the seminar that was organised by a group of students with a so-called post-socialist background. This semester we keep on with our research on mentioned topics, walks on another side of the Rhine, sharing food and hosting guests.

"Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, kooperativen Strategien, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf finden zudem Workshops und Einführungen zu Themen wie DIY-Elektronik, Prototyping- und Drucktechniken, Programmierung und der Arbeit mit biologischen Medien statt.“

Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf finden zudem Workshops und Einführungen zu Themen wie DIY-Elektronik, Prototyping- und Drucktechniken, Programmierung und der Arbeit mit biologischen Medien statt.

Das „Open Lab“ ist Kolloquium und Treffpunkt zur Diskussion aktueller Projekte und gemeinsamer Forschungsschwerpunkte im Kontext des exMedia Labs. Es bietet Raum zum Präsentieren und Erproben von künstlerischen Arbeiten, Experimenten, Installationen, Workshops, Vorträgen, Texten usw. in unterschiedlichen Entwicklungsstadien. Ergänzend bzw. bei Bedarf finden zudem Workshops und Einführungen zu Themen wie DIY-Elektronik, Prototyping- und Drucktechniken oder Programmierung statt.

Die Veranstaltung „open sound“ ist ein offener Treff zu allen Fragen rund um das Thema „sound“. Da sich viele Fragen immer wiederholen, liegt der Fokus auf konkreten Projekten, das Ziel ist der gegenseitige Austausch und das Voneinander-Lernen. Das schließt die Diskussion neuer Entwicklungen, die Lektüre von relevanten Texten, algorithmische Untersuchungen am Sound und verschiedene Experimente mit ein.

Kolloquium zu Fragen rund um Sound, Performance, Installation. Inklusive Exkurse in Mediengeschichte, Ästhetik, Technik. In erster Linie geht es aber um die Vorstellung eigener Projekte /Projektideen und Feedback dazu in der Gruppe - wir wollen alle voneinander lernen.

Seien es Kompositionen oder Installationen, Songs, Klingeltöne oder Improvisationen: Allen gemeinsam ist, dass sie nach geschriebenen oder ungeschriebenen Regeln Klang organisieren. Im Seminar werden einige dieser Regelsysteme untersucht, denkbare Vektoren sind historisch, interkulturell, materiell/physikalisch, konzeptuell, kybernetisch. Zum Scheinerwerb gehört die Entwicklung und Anwendung eines eigenen Regelsystems.

Das Seminar schließt an das im WS 2022/23 gehaltene Lektüreseminar zum Verlernen/Unlearning an. Dies hatte sich mit dem Verlernen als Praxis auseinandergesetzt unter anderem bei Gayatri Chakravorti Spivak, Trinh T. Minh-ha und Gloria Anzaldúa. Alle drei legen aus einer feministischen, geopoetischen und postkolonialen Perspektive ideologische und institutionalisierte Formierungen offen und mit ihnen die determinierten und machtvolle, vorgezeichnete Strukturen und setzen diesem ein Verlernen/Unlearning/Undoing als poetische Denkpraxis entgegen, wie Spivak dies mit dem Bild der ,unsichtbaren Flickarbeit‘ thematisierte – einem Gewebe, in dem die bislang nicht sichtbare Perspektiven und Stränge in die kulturelle und gesellschaftliche Textur eingewoben werden. Diesmal richtet sich die Aufmerksamkeit auf die Orte, die Räume ästhetischer Bildung und Vermittlung und ihre Verschränkungen mit Praktiken des Verlernens und inwiefern sie Kunst und ihre Institutionen affizieren. Dabei sind Aspekte von Bewegung wie Flucht und migrantische Bewegung, koloniale Vergangenheit und de/postkoloniale Auseinandersetzung für die theoretische und künstlerische Auseinandersetzung mit Verfahren des Verlernens maßgeblich. So plädiert Christine Ross in ihrer Untersuchung für eine Betrachtung von Koexistenz und Gegenseitigkeit, um die Macht- und Betrachtungsgefälle von Bürger*innen auf der Flucht und denjenigen mit Wohnsitz zu entkoppeln. Im Seminar suchen wir die Orte des Verlernens und ihre Praktiken auf, entwickeln Fragen und Herangehensweisen an Texte und künstlerische Arbeiten. The seminar follows on from the reading seminar on Unlearning/Verlernen held in WS 2022/23. This had dealt with unlearning as a practice in Gayatri Chakravorti Spivak, Trinh T. Minh-ha and Gloria Anzaldúa, among others. They expose ideological and institutionalized formations from a feminist, geopoetic and postcolonial perspective and with them the determined and powerful, predetermined structures and counter this with unlearning/undoing as a poetic thought practice, as Spivak thematized with the image of 'invisible patchwork' - a fabric in which previously invisible perspectives and strands are woven into the cultural and social texture. This time, the focus is on the places, the spaces of aesthetic education and mediation and their entanglements with practices of unlearning and the extent to which they affect art and its institutions. Aspects of movement such as flight and migrant movement, colonial past and de/post-colonial confrontation are decisive for the theoretical and artistic examination of processes of unlearning. In her study, Christine Ross argues for a consideration of coexistence and reciprocity in order to decouple the power and perspective imbalances between citizens-on-the-move and those who are resident. In the seminar, we will seek out the places of unlearning and their practices, develop questions and approaches to texts and artistic works. Vorgeschlagene Lektüre/suggested readings: Gayatri Chakravorty Spivak, An aesthetic education in the era of globalization, Cambridge Mass 2012 María do Mar Castro Varela/Leila Haghighat (Hg.), Double Bind Postkolonial. Kritische Perspektiven auf Kunst und Kulturelle Bildung, Bielefeld 2023. Miwon Kwon, One place after Another. Site-Specific Art and Locational Identity, Cambridge Mass./London, 2002. Trinh T. Minh-ha, elsewhere, within here. Immigration, refugeeism and the boundary event, New York/London 2011. Christine Ross, Art for Coexistence. Unlearning the Way we See Migration, Cambridge Mass./London, 2022.

Gibt man dem künstlich intelligenten Sprachmodell GPT-3 den Auftrag, write a lecture an-nouncement for a theory seminar about Artificial Intelligence, kommt u.a. der folgende Text heraus, der für diese Ankündigung von deepL Translator, einer weiteren KI, ins Deutsche übersetzt wurde. Wir werden von dieser Inhaltsbeschreibung abweichen und versprechen, dass das Seminar nicht so langweilig wird, wie es der Ankündigungstext erwarten lässt: Künstliche Intelligenz: Geschichte, Herausforderungen und Theorien. In diesem Seminar werden wir uns mit der Geschichte der künstlichen Intelligenz (KI), den Herausforderungen, die sich für die Gesellschaft durch KI ergeben, und den wissenschaftlichen Theorien im Zusammenhang mit KI befassen. Wir werden die Ursprünge der KI bis ins antike Griechenland zurückverfolgen, als Philosophen erstmals die Frage stellten, ob Maschinen denken können. Anschließend werden wir uns mit der jüngeren Geschichte befassen, einschließlich der frühen Versuche zur Schaffung denkender Maschinen im 19. und 20. Jahrhundert. Schließlich werden wir die aktuellen Herausforderungen der KI erörtern, wie z.B. die Gewährleistung, dass KI-Systeme ethisch einwandfrei und für die Gesellschaft als Ganzes von Nutzen sind.

Nachhaltigkeit als der Ansatz nicht mehr zu verbrauchen, als nachwachsen kann, heisst auch, mit den Ressourcen, die bereits vorhanden und im Umlauf sind, umgehen zu lernen. Dazu gehören Prinzipien des Reduzierens, Recyclens und Re-Using ebenso wie Transformationsmöglichkeiten von Materialien und Formaten. Geplant ist, im Seminar gemeinsam mit Axel Autschbach und Sepp Liebisch (der Werkstatt) eine Maschine zu bauen, die Plastik schreddert. Geschreddertes Plastik kann als Granulat geschmolzen und zu Filament für 3D-Druck oder zur Herstellung von Plattenmaterial genutzt werden. Das open source Projekt "precious plastic" (//preciousplastic.com/) dient im Seminar als Ausgangspunkt, auch für weitere Überlegungen wie Materialrecherche und Sammlung der entsprechenden Wertstoffe. Die Frage nach den eigenen Möglichkeiten Ressourcen zu reduzieren oder zu transformieren, ist ein Aspekt in der Auseinandersetzung mit dem Thema Klimawandel. Anhand von Beispielen aus künstlerischen und angewandten Disziplinen können bereits bestehende Technologien, Experimente und Materialien als auch zukünftige Entwicklungen diskutiert werden. Und welche Technologien, Kenntnisse und Fragestellungen werden für die eigenen künstlerischen Prozesse notwendig, um das Thema aktiv zu denken? own your plastic...

Ist die Lyrik eine Geheimwissenschaft für nur eine Handvoll von Eingeweihten – oder ist sie grundsätzlich ein universelles und jedem zur Verfügung stehendes Mittel der Weltenerfassung, ist ihr Publikum nicht in einer Nische zu finden, richtet sich die Lyrik vielmehr an alle? Ist sie exklusiv oder inklusiv? Zum Selbstverständnis der meisten Dichter gehört, dass sie das Gedicht als essentiell und existentiell begreifen, dass sie also ein, zumindest theoretisch, großes, wenn nicht gar unendliches Publikum im Sinn haben. Dem scheint die seltsame Tatsache zu widersprechen, dass Gedichte augenblicklich als minderwertig gelten, sobald sie viele Leser finden. In diesem Seminar soll der feinen Grenze zwischen Popularität und Geschmacklosigkeit nachgeforscht werden, allerdings ausschließlich anhand großartiger (und zugleich bei einer breiten Leserschaft immens beliebter) Lyrikerinnen und Lyriker, also beispielsweise Pablo Neruda, Bertolt Brecht, Dylan Thomas, Simon Armitage, Sylvia Plath, Allen Ginsberg, Mascha Kaléko, Louise Glück und anderen. Sie sollen, auch in Referaten, vorgestellt werden, ausgewählten (und populären) Gedichten von ihnen werden wir lauschen und gemeinsam herauszufinden versuchen, was das Geheimnis ihres Erfolges und ihrer Klasse ist. Zugleich soll Zeit bleiben, um, so gewünscht, auf eigene Gedichte der Teilnehmenden einzugehen und sie mit Offenheit und Neugier zu besprechen. Und vielleicht ließe sich dem Ganzen ein bedenkenswerter Satz aus Pablo Nerudas Manifest für eine „Poésie impure“ voranstellen: „Wer sich vor dem Geschmacklosen fürchtet“, so Nerdua, „den holt der Frost“.

Atelier 4a/4b Die Veranstaltung bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu zeigen – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke & Choreographien vorzustellen und ggfs. aufzuführen – sowie diese in der Gruppe zu diskutieren. Es sind sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen denkbar als auch Performances, die vor Ort umgesetzt werden. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. Studierende, die ein Projekt vorstellen möchten, melden dieses bitte frühzeitig an.

Atelier 4a/4b oder Studio A Die Veranstaltung bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu zeigen – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke & Choreographien vorzustellen und ggfs. aufzuführen – sowie diese in der Gruppe zu diskutieren. Es sind sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen denkbar als auch Performances, die vor Ort umgesetzt werden. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. Studierende, die ein Projekt vorstellen möchten, melden dieses bitte frühzeitig an. Die Veranstaltung ist offen für Studierende im Grundstudium.

Atelier 4a/4b Die Veranstaltung bietet den Studierenden die Möglichkeit, eigene Vorhaben in verschiedenen Entwicklungsstufen im Seminar zu zeigen – von der ersten Idee über Stückentwürfe bis hin zu fertigen Aufführungen. In wöchentlichen Präsentationen sind die Teilnehmer*innen eingeladen, ihre Musikprojekte, szenischen Lesungen, Performances, Theaterstücke & Choreographien vorzustellen und ggfs. aufzuführen – sowie diese in der Gruppe zu diskutieren. Es sind sowohl Aufzeichnungen von Aufführungen denkbar als auch Performances, die vor Ort umgesetzt werden. Ziel des Seminars ist es, ein gemeinsames Vokabular zu entwickeln, Arbeitsprozesse offenzulegen und neue Sichtweisen zu etablieren. Studierende, die ein Projekt vorstellen möchten, melden dieses bitte frühzeitig an.

Ggf. auch als Online-Seminar. Im Fachseminar „Photographic" Utopia sollen Ideen entwickelt werden, wie eine utopische „Fotografie" aussehen könnte und inwieweit eine gesellschaftliche Relevanz darin zu erkennen wäre. Fragen, ob die Kameras der Zukunft überhaupt noch von Menschen bedient werden oder wie sich Motiv und Material verändern können, sind Bestandteil dieser Auseinandersetzung. Das Themenfeld kann medienübergreifend bearbeitet werden. Neben der künstlerischen Auseinandersetzung soll ein theoretischer Diskurs anhand von Texten und Filmen das Seminar begleiten. Theoretiker*innen wie zum Beispiel Joanna Zylinska oder die Reihe „Digitale Bildkulturen“ (Verlag Klaus Wagenbach) sollen hier die Grundlage bilden. Ziel des Fachseminars ist eine Gruppenausstellung, die von einer gemeinsam erarbeiteten Publikation begleitet wird.

In dieser akustischen Werkstatt entwerfen und konstruieren wir individuelle Instrumente, selbstspielende Musikmaschinen oder Klanginstallationen. Wir erforschen das Klangpotential von Alltagsgegenständen, Schrott, Gebäudeteilen oder elektrischen Geräten, experimentieren mit Gitarrensaiten, Pianodraht oder Trommelfellen und entwickeln daraus eigene Klang-Erzeuger. Kontaktmikrofone (Piezos) oder E-Gitarren-Pickups dienen als Tonabnehmer, um die Klänge über selbstgebaute Lautsprecher zu verstärken. Mit kleinen Motoren oder Hubmagneten können die Apparaturen automatisch gespielt werden, wer möchte, kann auch Sensoren wie zum Beispiel Näherungs-, Licht- oder Lautstärke- Module einsetzen und das Ganze mit dem Arduino ansteuern. Vorkenntnisse im Löten oder in der Elektronik sind nicht erforderlich!

In diesem Grundlagenseminar soll das Erstellen von Dialogen im Fokus stehen. Wie sprechen wir miteinander? Welcher Ton ist lauter, welcher leise. Was bedeutet authentisch zu sprechen und was nehmen wir als manieriert war? Was verstehen wir unter einem absurden Dialog? Wieviel Luft muss man lassen? Was ist ein Dialog, der über Bande verläuft, über Unbeteiligte, Außenstehende. Dass Dialoge darüber hinaus Tempo und Rhythmus haben, in ihnen ein Schweigen durchlaufen kann, und der Dialogkontext mal stärker sein kann als das Gespräch selbst, sind Erkundungen, die wir gemeinsam unternehmen werden, ebenso wie die mediale Signatur, die einen Text bestimmt. Die Schreib- und Leseübungen werden durch eine dialogische Lehrsituation unterstützt, und am Ende sollen selbst erarbeitete Dialogtexte stehen, die in alle mediale Richtungen reichen können, von Film, Bühne und Hörspiel, über Prosa vielleicht bis zum Gedicht. Unterrichtssprache: Deutsch (überwiegend) und Englisch.

Wie verändern digitale Medien unsere Gesellschaft? Um diese Frage beantworten zu können, wollen wir im Seminar einen Blick zurück in die Vergangenheit digitaler Medien werfen. Ein schematischer Überblick über die entscheidenden medialen Innovationen in der Zivilisationsgeschichte der Menschheit soll uns dabei helfen, gegenwärtige und mögliche zukünftige gesellschaftliche Veränderungen kritisch beleuchten und gestalten zu können. Dabei beschränken wir uns nicht nur auf eine rein medienhistorische, medienkulturelle oder medienästhetische Analyse der Evolution digitaler Medien. Vielmehr wird es zunächst um die grundsätzliche Frage nach der gesellschaftlichen Funktion von Medien gehen und damit, um deren zentrale Bedeutung für soziale Weltwahrnehmungs- und Sinngebungsprozesse. Vor diesem Hintergrund lässt sich dann untersuchen, welche gesellschaftlichen Sinnzusammenbrüche jeweils mit einem neuen Medium unmittelbar in Verbindung stehen, die im historischen Rückblick über epochale Leitmedien wie etwa Sprache, Schrift, Buchdruck oder elektronische Medien jeweils ausgelöst worden sind und weitreichende kulturelle, ökonomische und politische Umwälzungen provoziert haben. Dabei lassen sich algorithmusbasierte Mediensysteme, vom Computer über das Internet der Dinge bis hin zur Künstlichen Intelligenz und die damit verbundenen Techniken und Praktiken nicht nur als Mittler oder Träger von Informationen deuten, sondern sie treten selbst als eigensinnige Akteure in Erscheinung. Niklas Luhmann hat im Rahmen seiner Theorie autopoietischer sozialer Systeme in dieser Lage den Vorschlag unterbreitet, all das Medien zu nennen, was Kommunikation wahrscheinlicher macht. Aufbauend auf dieser post-anthropozentrischen Analyseperspektive und mit den Einsichten praxeologisch orientierter Arbeiten der Science and Technology Studies erweitert, lassen sich die Konturen einer Theorie der planetaren Mediatisierung skizzieren. Das Seminar möchte mit diesem medientheoretischen Themenschwerpunkt einen spekulativen Raum des gemeinsamen Nachdenkens über die Gefahren und Chancen ermöglichen, die mit den radikalen gesellschaftlichen Veränderungen unter den Bedingungen neuester Medien im Zusammenhang stehen. Als gemeinsame Lektürebasis dient ein Reader, der zu Beginn des Seminars im WS 2023/24 zur Verfügung stehen wird.

Viele namhafte Regisseurinnen und Regisseure greifen bewusst auf Plansequenzen als ein Gestaltungsmittel der Bildsprache zurück. Welchen künstlerischen Ausdruck ermöglichen die zeitliche Authentizität und „topografische Treue“ von Plansequenzen und welche besonderen Anforderungen stellen sie? Wir untersuchen die Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit von Kamera-Arbeit, Mechanismen innerer Montage, besondere Möglichkeiten der Schauspiel-Arbeit und die Berührungspunkte zum Filmschnitt. Als Fortsetzung des praktischen Seminars „szenische Choreografie“ wollen wir die filmischen Aspekte anhand unseres Materials, als auch von ausgesuchten Plansequenzen der Filmgeschichte untersuchen und vertiefen. Das Seminar ist für alle Studierenden offen. 

Nature is a reoccurring topic throughout a large variety of games, ranging from triple A-titles that display beauty and awe with slick frame rates, to the more experimental play experiences in Indie gaming. In this seminar, we will look at flora and fauna as a phenomenon in video games. As a starting point, we will draw on the representation of different aspects of nature within game worlds: From the creation of photorealistic forest environments, over the staging of catastrophes and the forces of nature as design elements, to the representation of individual plants and animals and their roles as the representatives of livelihood in an artificial landscape. Following North-American philosopher Ian Bogost, play can be rendered as a general access to the world we live in – with a magic circle that has become brittle and a perpetual renegotiation of the rules for our game. We will try to understand play not as something that is detached from the world, but rather as something that takes in an active perspective in the eye of climate change, the mass extinction of animals or the individual losses of a dearly loved tree. In this grim reality we will use play as modus to bare our coming loss and to survive on our damaged planet. Throughout the seminar we hopefully find answers collectively to challenging questions: How can we as artists use the language of games as a specific form of protest and activism? How can we stage media in a playful fashion that will counter-narrate the green-washed stories of filthy cooperate identities? How can we display not only the beauty of nature but also its wonderful messiness? And maybe more zoomed-in: What is it like to be a dying forest dried out by the players of global fossil fuels? Literature list: Bogost, Ian. 2007. Persuasive Games: The Expressive Power of Videogames. The MIT Press Ser. Cambridge: MIT Press. Chang, Alenda Y. 2020. Playing nature. Ecology in video games. Electronic mediations 58. Minneapolis: University of Minnesota Press. Gray, Kishonna L. und David J. Leonard, Hrsg. 2018. Woke Gaming: Digital Challenges to Oppression and Social Injustice. Seattle: University of Washington Press. Head, Lesley. 2016. Hope and Grief in the Anthropocene: Re-Conceptualising Human-Nature Relations. Routledge research in the Anthropocene. London, New York: Routledge.

In 14-tägig stattfindenden Terminen erproben die Student*innen die unterschiedlichen Herangehensweisen an eine eigene Szene. Die Regiestudierenden erforschen die Figuren und die Struktur ihrer Szene zusammen mit Schauspieler*innen kooperierender Schauspielschulen. Ziel des Seminars ist es, die Berührungsängste zwischen Regiestudent*innen und Schauspieler*innen abzubauen, indem man ihnen Möglichkeiten des Umgangs mit diesen aufzeigt. Es soll eine gemeinsame Sprache gefunden werden, die die zukünftige Regiearbeit erleichtert. Voraussetzung für die Teilnahme an dem Seminar ist, dass vor Beginn des Seminars eine Szene mit maximal zwei Figuren entwickelt wurde, an der während des Seminars begleitend weitergearbeitet und diese inszeniert werden kann. Außerdem wird im Rahmen des Seminars an einem Wochenende eine 2-3 tägige Einführung in die Sanford-Meisner-Schauspieltechnik angeboten, die die Grundlage für die weitere szenische Arbeit ist. Dieses Seminar richtet sich an alle Studierenden, die ihre Projekte spielerisch erforschen wollen.

In 14-tägig stattfindenden Terminen erproben die Student*innen die unterschiedlichen Herangehensweisen an eine eigene Szene. Die Regiestudierenden erforschen die Figuren und die Struktur ihrer Szene zusammen mit Schauspieler*innen kooperierender Schauspielschulen. Ziel des Seminars ist es, die Berührungsängste zwischen Regiestudent*innen und Schauspieler*innen abzubauen, indem man ihnen Möglichkeiten des Umgangs mit diesen aufzeigt. Es soll eine gemeinsame Sprache gefunden werden, die die zukünftige Regiearbeit erleichtert. Voraussetzung für die Teilnahme an dem Seminar ist, dass vor Beginn des Seminars eine Szene mit maximal zwei Figuren entwickelt wurde, an der während des Seminars begleitend weitergearbeitet und diese inszeniert werden kann. Außerdem wird im Rahmen des Seminars an einem Wochenende eine 2-3 tägige Einführung in die Sanford-Meisner-Schauspieltechnik angeboten, die die Grundlage für die weitere szenische Arbeit ist. Dieses Seminar richtet sich an alle Studierenden, die ihre Projekte spielerisch erforschen wollen.

Playtime ist ein Seminar, das auf die Arbeit mit Text und Schauspieler*innen basiert. Es richtet sich an Studierende, die an einem individuellen Projekt oder an ihrem Diplomfilm arbeiten. Die Studierenden werden mit Schauspieler*innen auf der Grundlage ihrer eigenen Szenen arbeiten und dabei Charaktere, Tonalität und filmische Sprache ihres Projekts spielerisch erforschen. Kurz vor Semesterbeginn wird eine 2-3 tägige Einführung in die Sanford-Meisner-Schauspieltechnik angeboten, die die Grundlage für die weitere szenische Arbeit ist. Es wird außerdem zu Anfang des Seminars ein Casting mit Schauspielstudierenden stattfinden, bei dem die Studierenden die Schauspieler*innen für ihre Szenen selbst auswählen werden.

In einer zunehmend medialen Gesellschaft ist ein elementares Verständnis von Algorithmen und Programmiersprachen der zentrale Schlüssel zur digitalen Selbstbestimmung. Digitale Informations- und Kommunikationsräume dominieren mittlerweile die Wahrnehmung unserer Lebenswirklichkeit und unser mediales Selbstbild. Noch wichtiger aber ist, dass wir auf der Basis algorithmischer Konstruktionen vollkommen neue Erfahrungs-, Handlungsräume und Entscheidungsräume herstellen. Intelligente Algorithmen komponieren heute schon Musik, generieren interaktive Bildwelten und schreiben Gedichte. Wir müssen analytische und generative Algorithmen deshalb als grundlegende Kulturtechnik begreifen, deren Gefahren und ästhetische Schichten es gleichermaßen freizulegen gilt. Das Seminar vermittelt die technischen und künstlerischen Grundlagen der Programmierung unter Python. Generative Algorithmen der Texterstellung bilden dabei den Kern der verwendeten Methoden. Neben der Vermittlung zentraler Daten- und Kontrollstrukturen innerhalb einer einfachen Entwicklungsumgebung geht es insbesondere um die Einführung in die Programmierung als künstlerische Praktik. Das Seminar kann dabei allerdings nur über die ersten Hürden helfen. Code kann erst zur eigenen künstlerischen Handschrift werden, wenn das Handwerk so gut beherrscht wird, dass es nicht mehr ums reine Funktionieren geht, sondern um das Ausloten des ästhetischen Potentials. Insbesondere gilt es bei generativen Verfahren um die Balance zwischen Freiheit und Kontrolle. Wo kann ich auf Kontrolle zugunsten von Überraschung verzichten, wo will ich die Kontrolle behalten, um bestimmte ästhetische Ergebnisse zu erzielen?

Das Kolloquium dient der Fortführung der Themen und Arbeiten aus dem Workshop in Montepulciano im Sommer 2022. Die Fortschritte der einzelnen Promotionsvorhaben werden vorgestellt und diskutiert.

Mehr und mehr Metatext! In den letzten Jahren beobachten wir im deutschsprachigen Raum eine eigentümliche Vermehrung der Poetikvorlesung. Was einerseits ein erfreuliches Phänomen ist, offenbart andererseits eine "unbarmherzige Orientierung an den Produzent*innen" (A. Utler). Sie! soll! es! uns! selbst! erklären! Auf verwandte Weise begegnet uns das Phänomen der autor*innen-fixierten Deutung im Rahmen von Lesungen, Interviews oder Artist Talks. In diesem Theorieseminar untersuchen wir Machart, Methode und Poetologie des Metatextes. Komplettiert diese Textgattung den Text oder höhlt sie ihn aus? Welche Spielräume bietet der Auftrag zur poetologischen Selbstreflexion? Kann ich alles machen? Muss ich alles machen? Was bleibt besser geheim? Wie gestalte ich das Verhältnis von Text und Kommentar? Auf welche Theorien und Materialien greife ich zurück, wenn es nicht nur die eigenen sein sollen? In diesem Seminar liegt der Schwerpunkt auf Metatext zu literarischen Texten (insbesondere Lyriktheorie), es sind aber gegebenenfalls auch andere Kombinationen möglich: Text zu Film, Bild, Performance, Sound etc. Mit Texten von Etel Adnan, Ann Cotten, Marcel Beyer, Elke Erb, Katharina Grosse, Kim Hyesoon, Sergio Raimondi, Anja Utler, Uljana Wolf und anderen. Hausarbeit: Poetologische Reflexion eines eigenen Textes oder einer eigenen Arbeit. Keine Voranmeldung nötig, Anwesenheit in der ersten Sitzung ist obligatorisch, andernfalls bitte ich um Kontaktaufnahme via Email: monika.rinck@khm.de.

Dieses Seminar ist die Fortsetzung aus den vergangenen beiden Semestern. Es ist zugleich offen für neue Interessierte. This seminar is the continuation from the last two semesters. It is at the same time open for new interested persons. Die Praktiken und Betrachtungen, um die die Seminarreihe „Politiken der Abweichung“ im Wintersemester kreist, sind jene des französischen Sozialpsychologen Fernand Deligny (1913-1996). Gegen jegliche Hospitalisierung gerichtet, entsteht 1969 aus dem aktivistischen Umfeld der 68er-Bewegung in den Cevennen eine Lebensgemeinschaft, die die abweichenden Bewegungen, die Fährten vor allem von autistischen, nicht sprechenden Kindern nachzeichnet ( tracer ). Aus kartografischen Praxen entfalten sich pädagogisch-therapeutische Wahrnehmungsweisen, die wiederum untrennbar verbunden sind mit bestimmten filmischen Praxen, die Deligny camerer genannt hat. Wir konzentrieren uns auf den Film „Ce gamin, là“ (Fr 1975 von Renaud Victor), der an den Praxen in den Cevennen beteiligt war. Nicht nur die Praxen und Philosophien von Deleuze und Guattari, angefangen vom Begriff des Rhizoms bis zu dem des Maschinischen, hin zu den Praxen in der Klinik La Borde, sind zutiefst beeinflusst von Delignys Arbeit, sondern ebenso wissenschaftliche und künstlerische Praxen.  The practices and reflections around which the seminar series "Politics of Deviance" revolves in the winter semester are those of the French social psychologist Fernand Deligny (1913-1996). In 1969, against any kind of hospitalisation, a social community emerged from the activist environment of the 1968 movement in the Cévennes, which traced the deviant movements, the traces, above all, of autistic, non-speaking children. Pedagogical-therapeutic modes of perception unfold from cartographic practices, which in turn are inextricably linked to certain cinematic practices that Deligny called camerer. We focus on the film „Ce gamin, là” (Fr 1975 by Renaud Victor and Chris Marker), which was involved in the practices in the Cévennes. Not only the practices and philosophies of Deleuze and Guattari, from the concept of the rhizome to that of the machinic, to the practices at La Borde clinic, are deeply influenced by Deligny's work, but also scientific and artistic practices. The seminar will culminate in a workshop on 14 December (2-8pm), to which several guests will be invited. Participation in the workshop is compulsory for seminar participants; all other members of the KHM are invited to attend. Das Seminar mündet am 14.12. in einem Workshop (14-20 Uhr), zu dem mehrere Gäste eingeladen werden. Für die Seminarteilnehmenden ist die Teilnahme am Workshop verpflichtend; alle anderen Mitglieder der KHM sind zur Teilnahme eingeladen. The seminar languages are German and English.

Dieses Seminar ist die Fortsetzung aus dem Wintersemester 2022/23. Es ist zugleich offen für neue Interessierte. This seminar is the continuation from the winter semester 2022/23. It is at the same time open for new interested persons. Die Figur, um die auch dieses Seminar kreist, ist François Tosquelles (1912-1994) und seine anti-faschistischen und anti-autoritären institutionellen Praxen. Wir werden weniger in seine klinischen psychiatrischen Praxen einsteigen, als in die historischen Verhältnisse und sein daraus entstandenes kooperatives und queeres Denken. Tosquelles hat maßgeblich die Psychiatriekritik des 20. Jahrhunderts beeinflusst, und die davon nicht zu trennende poststrukturalistische Theorie. The figure around which also this seminar revolves is François Tosquelles (1912-1994) and his anti-fascist and anti-authoritarian institutional practices. We will delve less into his clinical psychiatric practices than into historical conditions and his evolving cooperative and queer thought. Tosquelles was a crucial influence on the 20th century critique of psychiatry, and the poststructuralist theory that cannot be separated from it. In mehreren Semestern arbeiten wir zu unterschiedlichen Strängen in Tosquelles‘ Denken und verbinden sie mit Denken und Praxis derjenigen, die er beeinflusst hat. In several semesters, we work on different strands of Tosquelles' thinking and connect them to the thinking and practice of those he influenced. In diesem Semester befassen wir uns weiter mit Michel Foucault und seinen Untersuchungen zur Verschränkung von Wahnsinn und Sexualität. Und wir werden uns das radikal-reformistische offene Psychiatriemodell von Franco Basaglia aus den 1960ern und 70er Jahren in Gorizia und Triest anschauen. Es werden uns zum Beispiel Fragen begleiten wie: Wie wurde die Politik der Abweichung im 20. Jahrhundert zu einer anti-faschistischen institutionellen Praxis? Welche Rolle spielen die Anstalten des Wahnsinns, seine Verwahrung und seine Verwaltung? Wie wird in der europäischen Moderne das Unnormale und Pathologische konstruiert und abgesondert? Wie hängt die Geschichte des Wahnsinns mit der Bestimmung von Sexualität zusammen? Und was lässt sich lernen aus den kollektiven Praxen und Versammlungen der Reformpsychiatrie? This semester we will continue to look at Michel Foucault and his investigations into the intertwining of madness and sexuality. And we will look at Franco Basaglia's radical reformist open psychiatry model of the 1960s and 70s in Gorizia and Trieste. We will be accompanied, for example, by questions such as: How did the politics of deviance become an anti-fascist institutional practice in the 20th century? What is the role of the institutions of insanity, its custody and its management? How is the abnormal and pathological constructed and segregated in European modernity? How is the history of madness related to the determination of sexuality? And what can be learned from the collective practices and assemblies of reform psychiatry?

Michel Foucault ist auch deshalb einer der wichtigsten Theoretiker der Queer Studies, weil er über Jahrzehnte hinweg die Politiken der Abweichung untersucht hat. Wie wird in der europäischen Moderne das Unnormale konstruiert und abgesondert? Welche Rolle spielt die Vereindeutigung binärer Zweigeschlechtlichkeit? Und welche Funktion hat der Wahnsinn im Kontext des europäischen Kolonialismus? Wie wurde die Politik der Abweichung im 20. Jahrhundert zu einer anti-faschistischen institutionellen Praxis? Welche Rolle spielen die Anstalten des Wahnsinns, seine Verwahrung und seine Verwaltung? Michel Foucault is also one of the most important theorists of Queer Studies because he has studied the politics of deviance for decades. How is the abnormal constructed and segregated in European modernity? What function does the unification of two binary gender have? And what role does madness play in the context of European colonialism? How did the politics of deviance become an anti-fascist institutional practice in the 20th century? What is the role of the institutions of madness, its custody and its administration? Possible Literature: Michel Foucault, Wahnsinn und Gesellschaft, Frankfurt/M. 1973. Michel Foucault, Die Macht der Psychiatrie, Berlin 2015. Michel Foucault, Die Anormalen, Frankfurt/M. 2007.

Die Figur, um die auch dieses Seminar kreist, ist François Tosquelles (1912-1994) und seine anti-faschistischen und anti-autoritären institutionellen Praxen. Wir werden ebenso seine psychiatrischen Praxen kennenlernen, als auch in die historischen Verhältnisse und sein daraus entstandenes kooperatives und queeres Denken eintauchen. Tosquelles hat maßgeblich die Psychiatriekritik des 20. Jahrhunderts beeinflusst, und die davon nicht zu trennende poststrukturalistische Theorie. Im Kontext von Krieg, Migration und Flucht entwickelte er ein philosophisch-therapeutisches Denken, das Bewegungen und Körperrhythmen in den Mittelpunkt stellt. Die revolutionäre Therapie inmitten des anti-faschistischen Widerstands in Südfrankreich besteht mittels Selbstverwaltungen und Versammlungen vor allem darin, gemeinsam, kooperativ Leben zu lernen. Dazu braucht es weniger Einzel-, sondern institutionelle Therapie und die Sorge um die Institution. Das Seminar dient auch zur Vorbereitung der internationalen Konferenz „Queer Tosquelles“, am 21. und 22. Juni an der KHM. The figure around which also this seminar revolves is François Tosquelles (1912-1994) and his anti-fascist and anti-authoritarian institutional practices. We will also get to know his psychiatric practices, as well as the historical circumstances and his resulting cooperative and queer thinking. Tosquelles was a crucial influence on the 20th century critique of psychiatry, and the poststructuralist theory that cannot be separated from it. In the context of war, migration and flight, he developed a philosophical-therapeutic way of thinking that focuses on movements and bodily rhythms. The revolutionary therapy in the midst of the anti-fascist resistance in southern France consists primarily of learning to live together, cooperatively, by means of self-administration and assemblies. This requires less individual therapy than institutional therapy and care for the institution. The seminar also serves as preparation for the international conference "Queer Tosquelles" on June 21 and 22, 2024 at the KHM.

In dem zweisemestrigen filmpraktischen Seminar beschäftigen wir uns mit dokumentarischen Porträts. Das Porträt einer Person, einer Gruppe, einem Lebewesen, einem Ort… Es besteht die Möglichkeit innerhalb von zwei Semestern ein Porträt zu entwickeln und im kleinen Team digital oder analog auf 16mm umzusetzen. Fragen des dokumentarischen Arbeitens begleiten den Prozess: Wie finde ich Zugang zu einer Person, zu einem Ort, zu einem Sujet? Wie recherchiere und schreibe ich mein Thema? Wie entstehen die filmsprachlich relevanten ästhetischen und inhaltlichen Entscheidungen? Welche Verantwortung trage ich für meine Protagonist*innen? In der Beschäftigung mit der dokumentarischen Praxis begleitet das Seminar Recherche, Drehvorbereitung, Dreh- und Schnittprozess von mehreren dokumentarischen Porträts bis zur Fertigstellung. Neben zahlreichen filmischen Beispielen, beleuchten Filmemacher*innen, Bildgestalter*innen und Editor*innen multiperspektivisch den Entstehungsprozess eines filmischen Porträts. Begleitet wird das Seminar punktuell von zwei 3SAT/ZDF Redakteur*innen, um die Zusammenarbeit mit einer Redaktion, ihre Sicht- und Arbeitsweisen exemplarisch zu erfahren. Das Seminar wendet sich an alle, die einen Porträtfilm realisieren möchten, sowie an alle, die sich für Kamera- und Tonarbeit im dokumentarischen Arbeiten interessieren und praktisch anwenden möchten. Sprache ist Deutsch und Englisch. In this two-semester practical film seminar, we deal with documentary portraits. The portrait of a person, a group, a living being, a place... There is the opportunity to develop a portrait within two semesters and to realise it digitally or analogue on 16mm in a small team. Questions of documentary work accompany the process: How do I find access to a person, a place, a subject? How do I research and write my subject? How do I make aesthetic and content-related decisions that are relevant to the film language? What responsibility do I bear for my protagonists? In dealing with documentary practice, the seminar accompanies the research, filming preparation, shooting and editing process of several documentary portraits through to completion. In addition to numerous film examples, filmmakers, cinematographers and editors will shed light on the process of creating a film portrait from multiple perspectives. The seminar will be accompanied by two 3SAT/ZDF editors in order to experience the collaboration with an editorial team and their way of seeing and working. The seminar is aimed at anyone who would like to realise a portrait film, as well as anyone who is interested in camera and sound work in documentary work and would like to apply it in practice. The language is German and English.

In diesem Seminar werden die verschiedenen Schnittfassungen aller Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Spielfilmübung 2 "LABOR" analysiert und die Gestaltungsmöglichkeiten in der Postproduktion besprochen sowie auf ihre Realisierbarkeit hin untersucht. Die Terminierung der Bild- und Ton Postproduktion wird geplant und in ihren Abläufen koordiniert. Es handelt sich um eine Veranstaltung für alle Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Spielfilmübung 2 "LABOR" im Wintersemester 2023/2024, sowohl Regie- als auch Kamerapersonen.

This Seminar will express the relation between what we call the French Theories, with Lyotard, Guattari, Deleuze, Foucault, which question the legitimacy of discourse, the mechanism of subjectivation, the relation and apparatus of knowledge, within and beyond institutions, and at the same period (80-90ties) at opposite of the planet, in Autopia LA, the cyberpunk, which could be resumed as a dystopic zeitgeist, with the writers Stephenson, Sterling, Gibson, issued from new wave J.G. Ballard, P.K. Dick, and the 'god father' W. Burroughs. I will speak, we will talk and we will plan some screening (from Philosophical Postures and Monologues records to Cyber-Cypher punk Science-Fiction report, movies, mockumentaries / English Language or Subtitle). We will face, strategies of the languages, in the heritage of bio-political lefties, post Marxist, socially and societally concerned VS Anarchist disenchanted Libertarian.

Dokumentarische Praxis bedeutet radikale Strukturbefragung: der „bestehenden Verhältnisse“, der eigenen künstlerischen Arbeit – und damit auch der eigenen Verstrickung und Positionierung innerhalb von Institutionen der Lehre, der Vermittlung und der Verwertung. Wie also wollen wir leben, lernen, arbeiten? Welche Strukturen sind produktiv, welche müssen verändert und welche neu erdacht und geschaffen werden? Wie können wir daran gemeinsam arbeiten und welche Räume sind dafür notwendig? Das Seminar praxis - open space versucht zur Entstehung eines solchen Raums beizutragen – die Strukturierung und damit die inhaltlichen Schwerpunkte und der genaue Ablauf der Seminarabende werden gemeinsam von allen Teilnehmer*innen erarbeitet. Angedacht ist u.a. die Erarbeitung einer öffentlichen Veranstaltungsreihe mit Gäst*innen, die in unterschiedlichen Kontexten an dokumentarischen Praxen arbeiten. Documentary practice means radical structural questioning: Of the "existing conditions", of one's own artistic work - and thus also of one's own entanglement and positioning within institutions of teaching and the art / cinema-world. So how do we want to live, learn, work? Which structures are productive, which need to be changed and which need to be reimagined and created? How can we work on this together and what kind of spaces are needed? The seminar praxis – open space tries to contribute to the emergence of such a space - the structuring and thus the content-related focal points and the exact course of the colloquium will be worked out jointly by all participants. One of the plans is to develop a public series of events with guests who work in different contexts on documentary practices.

Im Neoliberalismus ist Prekarisierung, die Unsicherheit von Arbeit und Leben, für viele Menschen zur Normalität geworden. Die Pandemie hat diesen Trend noch verschärft. Es gibt immer weniger feste Arbeitsplätze, projektbezogene Beschäftigung und "Jobs auf Abruf" nehmen weiter zu. Die soziale Absicherung verlagert sich seit Jahrzehnten in die Eigenverantwortung der Einzelnen. Auch die Verschuldung ist normal geworden. Wenn immer weniger planbar ist, wie erhalten Schulden die Zukunft und halten die Gegenwart gefangen? Wie werden wir durch Schulden prekarisiert und regierbar? Wie wird der Haushalt seit der Pandemie nicht nur wieder als Ort der Gewalt sichtbar, sondern auch als privilegiertes finanzwirtschaftliches Laboratorium, und was bedeutet dieser Extraktivismus für den Alltag von Frauen, Lesben und Trans-Personen und ihre Kämpfe um Mieten, zum Beispiel in Argentinien? Und wie können Schuldverhältnisse umgedreht werden? Wie werden aus sozialen Schuldverhältnissen Sorgebeziehungen, die sich der Finanzialisierung entziehen? Wie könnte ein anderes demokratisches Zusammenleben aussehen, das auf Sorge und gegenseitiger Verbundenheit beruht - eine Demokratie, die ich präsentische Demokratie nenne? Was bedeutet das für die Emanzipation und die Bejahung des Prekärseins? Under neoliberalism, precarization, the insecurity of work and life, has become normal for many people. The pandemic has exacerbated this trend. There are fewer and fewer permanent jobs, project-based employment and "jobs on demand" continue to increase. For decades, social security has been shifting to the individual's own responsibility. Debt has also become normal. When less and less can be planned, how does debt sustain the future and imprison the present? How do we become precarious and governable by debt? Since the pandemic, how is the household not only once again visible as a site of violence, but also as a privileged financial-economic laboratory, and what does this extractivism mean for the everyday lives of women, lesbians, and trans people and their struggles over rents, for example in Argentina? And how can debt relations be turned around? How do social debt relations become care relations that evade financialization? What might a different democratic coexistence look like, one based on care and mutual connectedness - a democracy I call presentist democracy? What does this mean for emancipation and the affirmation of precariousness? The seminar languages will alternate between German and English. Possible Literature: CAVALLERO Lucí, Verónica GAGO (2021), A Feminist Reading of Debt, London. CAVALLERO, Luci, Verónica GAGO (2023), Der Haushalt als Versuchslabor. Feministische Kämpfe um Mieten, Haus- und Heimarbeit, Wien u.a. FEDERICI, Silvia (2016), „From Commoning to Debt: Financialization, Micro-Credit and the Changing Architecture of Capital Accumulation” HARNEY, Stefano and Fred MOTEN, The Undercommons. Fugitive Planning & Black Study, London 2013; DE: Die Undercommons. Flüchtige Planung und schwarzes Studium, Wien u.a. 2016. LOREY, Isabell, Die Regierung der Prekären, Wien 2012 ; EN: State of Insecurity, London 2015. LOREY, Isabell, Demokratie im Präsens, Berlin 2020; EN: Democracy in the Political Present, London 2022.

Prekarisierung bezieht sich im Neoliberalismus nicht nur auf unsichere, begrenzte Arbeitsverhältnisse, sondern auf das ganze Leben. In diesem Seminar diskutieren wir Texte, die zeigen, wie das Prekäre und Schulden auf vielfache Weise zusammenhängen: Einmal als koloniale Grundlage der abendländischen Moderne; zweitens als Lebens- und Arbeitsverhältnisse im aktuellen Finanzkapitalismus und einer Ökonomie, die auf Schulden basiert. Wie wird beispielsweise der Haushalt seit der Pandemie nicht nur erneut als Ort der Gewalt sichtbar, sondern zum bevorzugten finanz-ökonomischen Labor, und was bedeutet dieser Extraktivismus für das alltägliche Leben von Frauen, Lesben, und Trans Personen sowie ihre Kämpfe um Mieten z.B. in Argentinien? Wie lässt sich drittens – eine weitere Dimension des Prekären - das Prekärsein als eine Lebensbedingung verstehen, die uns von Anderen und Umgebungen abhängig macht, von Sorge und Reproduktion. Wenn wir mit anderen verbunden sind, sind wird dann nicht wechselseitig verschuldet, ohne unbedingt moralisch verpflichtet zu sein? Was sind dann queere Schulden und warum sind sie schwarz? In neoliberalism, precarisation refers not only to insecure, limited working conditions, but to the whole of life. In this seminar we discuss texts that show how the precarious and debt are related in multiple ways: First, as the colonial basis of Western modernity; second, as living and working conditions in contemporary finance capitalism and an economy based on debt. For example, since the pandemic, how is the household not only once again visible as a site of violence, but also as a privileged financial-economic laboratory, and what does this extractivism mean for the everyday lives of women, lesbians, and trans people and their struggles over rents, for example in Argentina. Finally, from this, but on another level of the precarious, how can precariousness be understood as a condition of life that makes us dependent on others and environments, on care and reproduction. When we are connected to others, are we not mutually indebted without necessarily being morally obligated? What then is queer debt and why is it black? The seminar languages will alternate between German and English. Possible Literature: CAVALLERO, Luci und Verónica GAGO, Der Haushalt als Versuchslabor. Feministische Kämpfe um Mieten, Haus- und Heimarbeit, Wien u.a. 2023 / ES: La casa como laboratorio, Buenos Aires 2022. FERREIRA DA SILVA, Denise, Unpayable Debt, London 2022. HARNEY, Stefano and Fred MOTEN, The Undercommons. Fugitive Planning & Black Study, London 2013; DE: Die Undercommons. Flüchtige Planung und schwarzes Studium, Wien u.a. 2016. LOREY, Isabell, Die Regierung der Prekären, Wien 2012 ; EN: State of Insecurity, London 2015 ; ES: Estado de Inseguridad, Madrid 2016. LOREY, Isabell, Demokratie im Präsens, Berlin 2020; EN: Democracy in the Political Present. A Queer-feminist Theory, London 2022; ES: Democracia en presente, Málaga 2023.

In diesem Fachseminar entwickeln wir redaktionell einen offenen Kanal. Die Suche nach Inhalten ist in ihrer unvollkommen Brüchigkeit gleichzeitig das Programm der Sendung und wird direkt gestreamt. Als Tool benutzen wir die Live-Regie und ergänzen sie mit allen Möglichkeiten, die uns die KHM bietet. Auf der Suche nach Show-Formaten, politischen Themen, Verflechtungen mit Performance und Theater. Zwischen Sinn und Wahnsinn im Rausch des Moments. Willkommen sind alle Studierenden!

If you are not a reality, who’s myth are you? If you are not a myth, who’s reality are you? Sun Ra Kunst, Gestaltung und Medien sind nicht denkbar ohne Mythen: Der Mythos der freien Künstler, der Authentizität, der Gestaltungsfreiheit, der Partizipation, der Akademie, der Praxis, der Provokation, … Mythen sind sozial verankerte und tradierte Vorstellungen, die sich individuell geltend machen als Narrative, Obsessionen und Phantasmen. Sie beziehen ihre Wirkungsmächtigkeit aus einem Paradoxon: »Was niemals war und immer ist« (die antike Definition des Mythos bei Sallust). Mythen sind stets konkret und wirken als »Ausdrucksgestalten« (Oevermann): Sie werden erzählt, gemalt, gestaltet, gebaut, vertont, verfilmt,… Wir wollen Mythen aufspüren in Kunst und Gestaltung, Technik und Wissenschaft. Dabei verbinden wir aktuelle Positionen mit einer historischen Perspektive: »Individuelle Mythologien« auf der Documenta 5 kuratiert von Harald Szeemann 1972. Mögliche Vertiefungen: Wie verhalten sich Mythen zum Konzept der »gesellschaftlichen Maschinen« (Deleuze/Guattari)? Wie stehen sie zu Werten und Fakten? Eröffnet das Konzept der »Concerns« (Latour) eine neue Perspektive als »Values in Action«? Darüber hinaus fragen wir nach der eigenen Praxis: Welche Mythen, Gründe und Grenzen sind wirksam? Ziel ist es, die eigenen Triebfedern und Wirkungskräfte besser zu übersehen und das persönliche Repertoire zu klären und zu erweitern. Literatur: »Designing Concerns« (Peter Friedrich Stephan, Bielefeld 2024)

Im Grundlagenseminar Produktion 2 werden die im Grundlagenseminar Produktion 1 vermittelten Themen ergänzt und erweitert. Es werden u.a. die rechtlichen Grundlagen für die Herstellung von Spiel- und Dokumentarfilm vermittelt. Denn egal, ob Spielfilm oder Dokumentarfilm, Essay oder Experimentalfilm, die Studierenden stehen in der Verantwortung, diese Rechte (am besten vorab) zu klären, das gilt für das Urheber-, Persönlichkeits-, Vertragsrecht und den Erwerb von Musikrechten etc. für die studentischen Arbeiten. Auch soll vermittelt werden, wie möglichst nachhaltig produziert werden kann: Green Producing. Und nicht zuletzt soll vermittelt werden, welche Möglichkeiten und Wege bestehen, studentische Arbeiten einem Publikum vorzustellen und damit sichtbar zu machen. Zentrales Thema bleibt darüber hinaus die effiziente Produktionsplanung und Kommunikation innerhalb und zu den einzelnen Gewerken, mit dem Ziel, dadurch mehr Kraft und Energie für die künstlerische Arbeit zu haben. Mit Hilfe von praktischen Aufgaben und Übungen, wie z.B. Verhandlungspraktiken, Postproduktionsplanerstellung, Kalkulation und Abrechnung soll dieses Wissen anhand der konkreten studentischen Projekte vermittelt werden. Auf der Basis unterschiedlichster Beispiele wird im Sommersemester intensiv eine Vielzahl von Produktionsfragen im Zusammenhang mit künstlerischen Projekten der Studierenden an der KHM behandelt.

KHM-Studierende werden mit ihrem ersten Projekt auch zu Produzent*innen ihrer eigenen Werke. Spätestens ab diesem Zeitpunkt lernen sie auch die wirtschaftliche Verantwortung für ihr künstlerisches Vorhaben, ihre kreativen Entscheidungen und gegebenenfalls auch für die Mitarbeiter*innen des Produktionsteams zu übernehmen. Das Grundlagenseminar Produktion richtet sich vor allem an Studierende im Grundstudium. Um die Zusammenhänge und Wechselwirkungen zwischen dem Künstlerischen und dem Kaufmännischen zu erkennen und die Herstellungsprozesse zu verstehen und zu meistern, vermittelt das Seminar die essenziellen wirtschaftlichen, organisatorischen und technischen Grundlagen der Herstellung audiovisueller Werke, von der ersten Idee über die Kalkulation und Finanzierung, die gesamte Projektorganisation bis hin zu Endfertigung, Abrechnung und Auswertung.

Das Seminar vermittelt die Grundlagen der KI-Programmierung unter Python. Aktuelle KI-Algorithmen und maschinelle Lern-Verfahren (insbesondere Generative Algorithmen der Text- und Bilderzeugung wie Stable Diffusion, GPT-4, etc.) sind der Ausgangspunkt für die Einführung in die grundlegenden Kontroll- und Datenstrukturen der objektorientierten Programmierung. Es wird also nicht erst das Programmieren gelernt, um dann später mit diesem Wissen KI-Projekte zu realisieren, sondern Programmierung wird anhand praktischer Beispiele aus der Künstlichen Intelligenz vermittelt. Auf diese Weise kommen nach einer kurzen Einführung in die Integrierte Entwicklungsumgebung (IDE) Jupyter Notebook/JupyterLab und unter Nutzung aktueller KI-Entwicklungsumgebungen auch absolute Anfänger der KI-Programmierung zu erstaunlichen Ergebnissen.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und über ihre Projekte austauschen können. Ein Raum der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig. Documentary (film-)practice is part and result of a collective process. For this process to become productive, a space is needed where people can meet and exchange about their projects. A space that is not based on self-promotion and ego. A space of discussion, speaking and listening. A space of circling around ideas, observations, themes and stories. A space of constructive, solidarity-based criticism and mutual support. The project and diploma colloquium Documentary Practices (Documentary Film) attempts to establish such a space. The prerequisite is, on the one hand, the willingness of all participants to present their own projects and ideas in different stages of development and to discuss them in the group and, on the other hand, to be open and responsive to each other's projects. For this, a binding, regular attendance at the seminar is necessary.

Dokumentarische (Film-)Praxis ist Teil und Ergebnis eines kollektiven Prozesses. Damit dieser Prozess produktiv werden kann, bedarf es eines Raums, in dem Menschen sich treffen und austauschen können. Ein Raum, der nicht auf Selbstdarstellung und Ego beruht. Ein Raum der Diskussion, des Sprechens und Zuhörens. Ein Raum des Kreisens um Ideen, Beobachtungen, Themen und Geschichten. Ein Raum der konstruktiven, solidarischen Kritik und gegenseitigen Unterstützung. Das Projekt- und Diplomkolloquium Dokumentarische Praxen (Dokumentarfilm) versucht einen solchen Raum zu etablieren. Voraussetzung ist einerseits die Bereitschaft aller Beteiligten eigene Projekte und Ideen in unterschiedlichen Stadien des Entstehens vorzustellen und in der Gruppe zu diskutieren und andererseits offen und ansprechbar für die Projekte der anderen zu sein. Dafür ist eine verbindliche, regelmäßige Anwesenheit im Seminar notwendig.

Ob Klimawandel, Menschenrechte, Krieg oder Gewalt. Mit welchen künstlerischen Interventionen kann ich mediale Aufmerksamkeit erwecken um soziale und politische Realitäten zu verändern? Dokumentarische Praxis als politisches Handeln steht im Zentrum dieses Seminars. Wir analysieren erfolgreiche historische Projekte und aktuelle Kampagnen und erobern mit den Seminarteilnehmer*innen den öffentlichen Raum an realen Orten in der Stadt und im virtuellen Raum. Studierende können eigene Projektideen in das Seminar einbringen und gemeinsam arbeiten wir an der Stoffentwicklung mit einem besonderen Fokus auf Strategien für eine maximale Öffentlichkeit.

Popcultural depictions of cisheteronormative nuclear family life have verged on the apocalyptic in recent years: Mothers at the edge of nervous breakdown, violent or completely lackadaisical fathers, murderous or murdered children and societies that are at best indifferent regarding the division of care-work or emotional labor. At the same time, authoritarian populists foster and instrumentalize fears of the end of The Family and the destruction of the – supposedly – biological order. They use these fears to target queers who they claim are out to destroy the nuclear family and the generational order. Mainstream gay community has traditionally answered these calls to violence with demands for inclusion, diversity, rainbow families and gay marriage. – But there are also queer positions that indeed demand an end of patriarchal violence and exploitation and deconstruct the institution of the family. We will read queer theoretical critiques of familialism, texts about family abolition, the celebration of chosen families and complex kinship relations, and discuss friendship as a political practice. Texts will be in English and in German, we’ll speak English, German, Dinglish.

Wusstet ihr, dass die erste lesbische Zeitschrift der Welt wegen eines ‚Schmutz-und-Schund‘-Paragraphen in den 1920er Jahren nicht mehr offen an Kiosken ausliegen durfte? Dass in den 1990er Jahren eine Militanz-Debatte in einem autonomen schwulen Tuntenmagazin geführt wurde? Dass das transfeministische Magazin, Transsisters, erstmals bereits 1993 erschien? Wer kennt es nicht? Wir begegnen einer spannenden Geschichte. Sie ist so besonders, dass wir den Wunsch haben, sie nicht nur an Freund*innen oder Familie weiterzugeben, sondern sie in die ganze Welt tragen wollen. Aber wie? Wie schaffen wir es respektvoll und emotional Vergangenes zu erzählen? Und was könnten geeignete Formen sein? In diesem Kooperationsseminar zwischen Bildgestaltung und Queer Studies möchten wir uns mit queerer Geschichte auseinandersetzen. Über Texte, Dokumentarfilme, Storys auf Social Media u.ä. blicken wir gemeinsam in die queere Vergangenheit und diskutieren, welche Form der Übermittlung welche Wirkung mitbringen kann. Daraufhin werden wir selbst queere Geschichte(n) recherchieren, kleine Archive anlegen und zum Ende hin eigene praktische Arbeiten aus dem Gesammelten erstellen. Die Form dieser Arbeit kann frei gewählt werden. *Für einen Theorieseminarschein muss am Ende des Semesters eine Hausarbeit geschrieben werden. Für einen Fachseminarschein genügt die aktive Teilnahme am Seminar. Sprachen: Deutsch, English, Denglish Termine: 09.04.24, 23.04.24, 07.05.24, 21.05.24, 04.06.24, 18.06.24

“Hell, I'm suspicious.“, writes Sandy Stone regarding medicalized discourse about “transsexuality” in her manifesto The Empire Strikes Back in 1987. One of the problems she sees for creating a posttranssexual counterdiscourse is that to “…attempt to occupy a place as speaking subject within the traditional gender frame is to become complicit in the discourse which one wishes to deconstruct.” Over thirty years, a large-scale “Stop Trans Pathologization” campaign, and decades of Queer Theory and Transgender Studies later, “posttranssexual”, postposttranssexual, transgender or non-binary counterdiscourse certainly exists. Yet, current trans_queer-antagonistic discourse still positions transness_queerness as some sort of “Phantom Menace” – to stay with Sandy Stones Star-Wars terminology. Furthermore, questionable forms of self-ascribed allyship against queer- and transantagonistic moral panics often ignore decades of trans_queer_feminist writing. Understanding trans_queer feminisms as essential part of antifascist practice, we will read and analyze queer and trans feminist texts and manifestos that go beyond questions of representation and stay suspicious of categorizations.

Queer Theory has for a long time been interested in trauma: The mass death event of the Aids crisis, heterosexist violence, incest and rape etc. Mattilda Bernstein Sycamore, for example, just recently reminded us that Generation X queers » came of age in the midst of the epidemic with the belief that desire intrinsically led to death, internalizing this trauma as part of becoming queer «. Queer Theory's engagement with trauma was most often deeply – though not always successfully – antipathological, focused on collective experiences, and negative feelings were seen as – as Ann Cvetkovich puts it – » a positive source for political action rather than its antithesis «. Current queer popular culture has adapted the vocabulary of trauma theory with its triggers and flashbacks etc., but seems to have abandoned this focus on collective experiences as potential driving forces of political action. Today's queer trauma often seems to be individualized, and disconnected from calls for political action or if at all predominantly connected to action within the framework of bourgeois logics of charity. As Queer theorist Yasmin Nair observes, queer trauma seems to have become an identity, a confessional practice, a prerequisite to getting heard and the traumatized subject itself might be the perfect neoliberal subject. In the seminar we will explore different concepts and critiques of queer trauma and we will try to develop research questions for projects related to queerness and trauma. The seminar is a research seminar, so ideally you have some experience reading and analyzing theoretical texts. Languages: English, German, Dinglish

Auch Atelier 4a What can we do with language - especially if we have so many of them? Let us play: machen wir exophonische und translinguale (translingualische) Sprachspiele. Let’s transform, preserve, discard language. Let’s annoy, divert, provoke. Let’s explore what it means to lose and regain a language, what it means for language to be broken and how to approach same-language and multi-language communities. How does the adoption of another language intersect with postcolonial and capitalist discourses? What does it mean not to understand a language and, when this happens, what can we do to appreciate languages in other ways? How to develop your own language, the ability to communicate, how to self-translate? Let’s discover translingual expression. In the Wintersemester 21/22 we offered the theory seminar "zwischen sprachen schreiben" and presented Exophony as a relatively new term (from 2007) to describe a much older phenomenon: writing in a language that is not a first language. We quoted linguist Molly Martin: „Exophonic writing offers authors the chance to cloak themselves in a different language, and thereby culture,“ implying a complicated relationship between language, identity and heritage. In the meantime, we have discovered many more exophonic authors and related topics. In this Fachseminar we welcome all students who want to read, discuss and experiment with exophonic and translingual writing(s). *** „um den raum der fiktion zu betreten, zermahle ich die sprachen in mir. und pflücke heraus, was ich für die fiktion brauche, was zu ihr am besten passt.“, schreibt Özlem Özgül Dündar. Let‘s cross translinguale borders ZwischenSprachen, um unsere Mutter- und fremde Zungen auf den Kopf- und Prüfstand stellen. Let’s pick and explore die Grenzen und Freiheiten, die our pick of Schreibsprache bietet. Lasst uns unsere Zungen ein- und ausrollen, lenguas in languages auflösen, über-setzen and appropiate. Im Wintersemester 2021/22 boten wir erstmalig das Theorieseminar „zwischen sprachen schreiben" an und diskutierten anhand zahlreicher Beispiele wie Sprachwechsel und Mehrsprachigkeit(en) Text und Schreibprozesse prägen und literarisch fruchtbar gemacht werden können. Nun wollen wir die Diskussionsfäden von damals wieder aufgreifen und weiterspinnen – mit Gästen, neuen und alten Texten, theoretisch wie praktisch. Alle interessierten Neuzugänge wie Wiederholungstäter:innen sind willkommen. Erwartet wird die Bereitschaft zu regelmäßiger Lektüre. Lese- und Diskussionssprachen sind Deutsch, Englisch und alles dazwischen und darüber hinaus, das für den gemeinsamen Austausch produktiv gemacht werden kann.

From the times of the so-called sexual revolution onward, several kinds of US-American and European movements have viewed sexuality, sexual practices, desire, and fucking as revolutionary forces. Sex and politics belonged together, the private and the sexual were political, sex and liberation were viewed as entangled. The firm believe in the liberatory power of sexuality and the feminist realization that the private is political went hand in hand with a culture of discussion in which highly intimate aspects of social life were up for debate. With the Aids crises sex became a question of life or death and queer and sexpositive feminist movements championed a culture where sexual dissidence was viewed as a signifier of avantgarde politics. However, queer and critical race theory started discussing sexuality itself as shaped by power relations, colonial logics, and racializations. With so much at stake, no wonder that feminist and queer debates surrounding sexuality and sexual practice were often highly dramatic, vitriolic, and forged decades of enmity, such as the so-called feminist sex wars, for example. We're going to read queer theoretical and feminist takes on sexuality, figure out what the feminist sex wars were about, read about sexuality and fascism, vaginal orgasms, contrasexuality, sexuality and colonial rule, consent and censorship…

Forschung im Bereich Poiesis umfasst eine Vielzahl interdisziplinärer Ansätze, u.a. Philosophie, Design, Algorithmik & Digitalität, Literatur und Pädagogik. Im Zentrum stehen der kreative Prozess, der Akt des Herstellens und die verschiedenen Arten, wie sich Kreativität manifestiert. Neben der inhaltlichen Auseinandersetzung mit speziellen Fragestellungen aus diesem Themenspektrum werden die Fortschritte der einzelnen Promotionsvorhaben vorgestellt und diskutiert. Geplant ist in diesem Rahmen auch ein zweitägiges Kolloquium mit Gastvorträgen.

Roboter in Verbindung mit Künstlicher Intelligenz (KI), die in soziale Beziehungen mit Menschen treten, werden die Welt nachhaltig verändern. Tatsächlich können KI-gestützte Robotersysteme in bestimmten Sozialbereichen längst eigenständige Aktionen durchführen, lebenskritische Entscheidungen fällen oder autonom Verträge abschließen, sei es in der Kranken- und Pflegewirtschaft durch robotergestützter Pflege, in der Kriegsindustrie durch unbemannte Kampfdrohnen oder in der Rechts- und Finanzwelt durch autonome Entscheidungssoftware. Diese immer schneller werdende Entwicklung und Etablierung intelligenter sozialer Roboter legt nahe, dass ihnen eine gewisse soziale Akteurschaft nicht mehr abgesprochen werden kann. Damit avancieren verkörperte digitale Systeme zu unseren neuen nicht-menschlichen Mitgliedern der Gesellschaft. Für unser hybrides Zusammenleben ergeben sich daraus einige brisante Problemstellungen, die uns dazu nötigen, über die Moralität dieser neuen Gesellschaftsmitglieder nachzudenken. Zunächst stellt sich in Bezug auf ihre Entscheidungen die Frage nach ihrer Verantwortlichkeit jenseits etablierter Vorstellungen von Personalität und Sozialität. Im unmittelbaren Zusammenhang damit, stellt sich dann die Frage nach ihrer Identität und Adressabilität. Schließlich stellt sich die Frage nach der Zurechenbarkeit im Umgang mit anonymen Netzwerken, die dann entstehen, wenn intelligente soziale Roboter in einem Netzwerk unsichtbarer Maschinen inter-agieren. Diese neue Unübersichtlichkeit post-gesellschaftlicher Verhältnisse, stellen Politik und Recht schon heute vor die Herausforderung, für intelligente Maschinen einen neuen rechtlichen Status zu bestimmen. Das stellt uns vor weitreichenden Fragestellungen: Wie verändern intelligente soziale Roboter unsere Gesellschaft? Wie können wir sie zur Rechenschaft ziehen? Wer ist für ihr Handeln verantwortlich, wenn Künstliche Intelligenz zwischen Leben und Tod entscheidet? Im Seminar wollen wir tentative Antworten auf diesen Fragenkomplex entwickeln. Dabei wird es zunächst darum gehen, grundsätzlich ein Verständnis dafür zu erarbeiten, wer oder was eigentlich Roboter sind. Sind sie zum Beispiel bloß technisch komplexe Sachen, sozio-technische Assemblagen oder doch eigenständige Subjekte? Neben Fragen zu den radikalen Auswirkungen auf die Arbeitswelt, die Ungleichheit und der Konzentration von Einkommen und Macht, stehen alternative Visionen einer transformativen Ethik der Roboter im Zentrum der Diskussion. Literatur: Zu Beginn des SoSe 2024 wird ein Reader zur Verfügung stehen.

In diesem Seminar dreht sich alles um die Vielfältigkeit der Romane. Wir bringen Licht ins Dunkel diverser Kategorien wie Ensembleroman, Episodenroman oder Gesellschaftsroman, beschäftigen uns mit dem Aufbau von Szenen und der Entwicklung von Figuren, mit Motivketten und Wegen elegante Rückblenden einzubauen. Wie finde ich einen Ton, den ich auf 200 Seiten durchhalten kann und eine Perspektive, die Leser*innen, in den Text sinken lässt? Und will ich das überhaupt? Was schmeiße ich raus und wann ist es besser noch mal von vorne zu beginnen? Wie bringe ich Ordnung in mein Manuskript? Und warum funktionieren Romane, die alles anders machen? Eigene Texte mit konkreten Fragestellungen sind willkommen. Darüber hinaus lesen wir exemplarische Beispiele und poetologische Texte zur Romantheorie.

Ein von den Wassermassen einer Talsperre geflutetes Bergdorf. Die euphemistisch als „Blumeninsel“ bezeichnete Müllkippe von Porto Alegre. Verstrahlte ehemalige Uranabbaugebiete in Sachsen und Thüringen. Die zum Spielplatz gewordene Abraumhalde einer Kobaltmine in der DR Kongo. Das nächtliche Durchgangs-Camp für Flüchtlinge beim nordfranzösischen Sangatte. Ein illegales Internierungslager in Luanda. Verstreute Überreste einer Lebensgeschichte in einem verfallenden Haus in Nordirland. Ein von Geistern bevölkertes Haus in Rio de Janeiro. Dies sind ein paar der Schauplätze der Filme des Seminars. Im Gegensatz zum narrativen Film werden im experimentellen Film Räume nicht als Settings einer Geschichte instrumentalisiert, sondern als autonome Wahrnehmungs- und Erfahrungssphären vermessen und zu Bühnen und Projektionsflächen von emotionalen und psychischen Prozessen transformiert. Die Filme, die in diesem Seminar diskutiert werden, erschaffen Räume, in denen die Koordinaten von on-screen/off-screen, innen/außen, privat/öffentlich, lokal/global verwischen und neu bestimmt werden. Sie legen verschüttete Teile von Geschichte frei, zeigen Grenzen und deren Überschreitungen, erforschen Räume als Schauplätze sozialer Interaktion und besetzen sie mit spielerisch-performativen Interventionen. „Räume #3“ knüpft an zwei vorangegangene Seminare zum Thema an. Die Teilnahme an diesen Veranstaltungen ist für das aktuelle Seminar jedoch nicht verpflichtend. Die Veranstaltung ist offen für Studierende im Grundstudium.

Wie kann Sanftheit grundlegend für Demokratie werden? Wie kann Aktivismus als Zartheit verstanden werden? Lässt sich ein Zusammenleben ausgehend von Sanftheit denken? Was wäre eine zarte Bürger*innenschaft? Und wie lässt sich Liebe und Sanftheit so verstehen, dass sie nicht mehr an romantische Zweisamkeit erinnert, sondern an Widerständigkeit gegen Gewalt, an Ermächtigung und Emanzipation, an wechselseitige Verbundenheit und die Achtsamkeit gegenüber Verletzbarkeiten? Oder sogar als queere widerständige Wendung in weiblicher Mystik? How can softness become fundamental to democracy? How can activism be understood as tenderness? Is it possible to think of coexistence starting from love? What would a tender citizenship be? And how can love and softness be understood in such a way that it no longer reminds of romantic togetherness, but of resistance against violence, of empowerment and emancipation, of mutual connectedness and attentiveness to vulnerabilities? Or even be understood as a queer resistant turn in feminine mysticism? The seminar languages will alternate between German and English. One third of the texts is unfortunately only accessible in German. Possible Literature: Judith Butler, Notes Toward a Performative Theory of Assembly, Cambridge 2015. Kike España, Die sanfte Stadt, Wien u.a. 2021. Sabine Hark, Gemeinschaft der Ungewählten. Umrisse eines politischen Ethos der Kohabitation, Berlin 2021. Gerald Raunig, Ungefüge. Maschinischer Kapitalismus und molekulare Revolution, Wien u.a. 2021. Suely Rolnik, Félix Guattari, Molecular Revolution in Brazil, Los Angeles 2007. Suely Rolnik, „Wie machen wir uns einen Körper?“ (Gespräch), in: Verónica GAGO u.a., 8M – Der große feministische Streik. Konstellationen zum 8. März, Wien u.a., 2018. Lauren Berlant, Michael Hardt, „No one is sovereign in love. A conversation”, 2019, http://coalition.org.mk/archives/646?lang=en

Die Schrift kann als Sonderfall des Zeichnens gelten, wie es im Begriff der „Aufzeichnung“ noch anklingt. Doch wie hängen bemerken und notieren, unterscheiden und bezeichnen, sammeln und ordnen zusammen? Was wird in der Aufzeichnung erst erzeugt und was ist schon vorher da? Wie stehen absichtsvolle Markierung und unvermeidliche Spur zueinander? Wir erkunden diesen Komplex im Interesse, unser Repertoire des Zeichnens und Schreibens als Prozess der „Selbstaufzeichnung“ (Wittmann) zu beobachten und experimentell zu erweitern. Gemeinsam nähern wir uns der Praxis und dem Diskurs zur „Diagrammatologie“ (Krämer). Untersucht werden Diagramme als Arbeitsmittel und Werkbestandteil von Paul Klee und Joseph Beuys über Marc Lombardi bis zu Forensic Architecture, ergänzt durch theoretische Bezüge wie den „Existential Graphs“ (Peirce), „Discourse, Figure“ (Lyotard) und „Denken/Ordnen“ (Perec). Leitende Fragen können sein: Wie bedingen sich für uns Entwerfen und Erkennen? Wie weit denken Hände und Augen, Medien und Situationen, Seh- und Leseerfahrungen mit? Welche Prägungen bestimmen unseren Normalfall und welche Möglichkeiten gewinnen wir durch neue Haltungen und Methoden? Und schließlich: Welchen Wert gewinnt das Widerständige und Unzugängliche, Unsichtbare und Verdeckte? Wie integrieren wir „Verunschärfung oder Entfigurierung“ (Ott)?

Warum sind autobiografische und autofiktionale Erzählformen gerade so populär? Welche Spielformen autobiografischen Schreibens gibt es und welche ist die beste für mein eigenes Projekt? Was bedeutet es, in einem literarischen Text „Ich“ zu sagen? Und wo hört Fiktion eigentlich auf? Für diese und ähnliche Fragen bietet dieses Fachseminar ein Semester lang Raum für Diskussionen und Überlegungen. Wir lesen exemplarische Texte von Annie Ernaux über Isabelle Lehn bis hin zu Éduard Louis und Sheila Heti. Darüber hinaus bietet das Seminar die Möglichkeit eigene Texte und Projekte vorzustellen oder individuelle poetische Fragen zu diskutieren. Drehbücher sind genauso willkommen wie Projekte erzählender Prosa. Vorbereitende Lektüreempfehlungen nach Zeit und Interesse: Isabelle Lehn: Frühlingserwachen Olivia Wenzel: 1000 Serpentinen Angst Sheila Heti: How Should a Person Be? David Wagner: Leben Thomas Glavinic: Das bin doch ich Felicitas Hoppe: Hoppe Karl Ove Knausgård: Die „Min Kamp“-Serie Joan Didion: The Year of Magical Thinking Annie Ernaux: Erinnerungen eines Mädchens & Das Ereignis Éduard Louis: Sämtliche Werke Jeanette Walls: The Glass Castle Nadja Spiegelman: I'm Supposed to Protect You from All This Viele der Texte sind nicht ganz gewaltfrei. Für spezifische Triggerwarnungen schreibt mir gern eine Mail.

In dem zweisemestrigen Seminar wollen wir, ausgehend von technologischen Entwicklungen, die Filmgeschichte nach Inhalten von Schwarz/Weißfilmen untersuchen, die sowohl stil- als auch genreprägend bis heute in die Formsprache des Mediums hinein wirken. Es scheint kein Zufall, dass die 1920er Jahre sowohl inhaltlich als auch formell äußerst modern erscheinen (Babylon Berlin) und Filme wie Roma und The lighthouse auch wirtschaftlich erfolgreich sein können. Liegt das an der Form der Bildwiedergabe, also farblos, oder führen andere Gründe immer wieder zu temporärer Renaissance der schwarz/weiß-Filmfotografie? Wir werden über Technologie, Ästhetik, Wahrnehmung, Politik, Ökonomie, Grafik, Philosophie und Kunstgeschichte sprechen und alle anderen Faktoren, die in diesem Kontext von Bedeutung sind. Welche Fragen führen Künstler:innen immer wieder zurück zur schwarz/weiß Bildwiedergabe und ist es egal, ob es dabei um analoge oder digitale Bildaufzeichnung geht?

In dem zweisemestrigen Seminar wollen wir, ausgehend von technologischen Entwicklungen, die Filmgeschichte nach Inhalten von Schwarz/Weißfilmen untersuchen, die sowohl stil- als auch genreprägend bis heute in die Formsprache des Mediums hinein wirken. Es scheint kein Zufall, dass die 1920er Jahre sowohl inhaltlich als auch formell äußerst modern erscheinen (Babylon Berlin) und Filme wie Roma und The lighthouse auch wirtschaftlich erfolgreich sein können. Liegt das an der Form der Bildwiedergabe, also farblos, oder führen andere Gründe immer wieder zu temporärer Renaissance der schwarz/weiß-Filmfotografie? Wir werden über Technologie, Ästhetik, Wahrnehmung, Politik, Ökonomie, Grafik, Philosophie und Kunstgeschichte sprechen und alle anderen Faktoren, die in diesem Kontext von Bedeutung sind. Welche Fragen führen Künstler immer wieder zurück zur schwarz/weiß Bildwiedergabe und ist es egal, ob es dabei um analoge oder digitale Bildaufzeichnung geht?

Since every visual art project is both a timely process and progressively a collective one, most of your writing consists in conveying to other people your ideas and intentions. While you are developing a project, the challenge is to focus on your idea and, at the same time, to prepare every step in the production process, finding a common language with your team, other collaborating partners and yourself. Equally important is to understand what works and what is less effective when communicating your ideas. By showing and discussing your previous work, even if you don't feel very confident with the result, you can compare your initial intentions with the actual out-come and learn from it. This seminar is an ongoing framework to support and develop cinematic projects, no matter the format: from screenplays for fiction films (short and long), experimental works as well as series, XR works, etc. Besides giving you the possibility to present and discuss your projects, we will have in depth sessions concerning dramaturgy, (screen)writing in its relation to the visual work, and explore topics such as pitching, funding, working with producers and festivals.

A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wave in the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would like to produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The Seminar would be held mainly in English but we all speak different languages as well and can support each other.

A group of students with diverse backgrounds gathered together and started the social room space, which is not only a physical space but a collective project, a small movement, like a wave in the shore, which is looking forward to creating strong dialogues in between us and other activists, artists, thinkers, who are also working in resistance and from a critical stance towards institutionality, structural oppressions and imperialism. We perceive education as a tool for transformation but could also be a tool for oppression. In this sense, we recognize how the hegemonic structures for art education replicate and contribute to social injustice. In this context, we would like to put in practice the possibility to create a collaborative space with a horizontal common ground. We have gathered our interests and topics which some are already taught in the school. And we would like to harvest and cultivate a garden of ideas, feelings, experiences, from another axis, maybe without one, as an encounter, a weaving together, as an un-learning experience. Some of topics that we would like to bring through guests with dialogues and practical workshops: decolonial filmmaking, abolition as practice, orientalism, community as rebellion, anti-colonial approaches to art, intersectional sound art, decolonial ecology, communal cooking, decolonial transfeminism, climate justice. We would like to produce together traces and memories from our experience throughout the Semester in different formats from a fanzine to a podcast, passing through a common pot cooking session. Whoever wants to sign up for the Seminar should come in the first session. The Seminar would be held mainly in English but we all speak different languages as well and can support each other.

In this seminar we will view and listen to Shakespeare and Samuel Beckett as the transversal beginning and end of the project of sovereignty. We will pay attention to the way film versions of Shakespeare foreground the transversal against the sovereign, and the way contextual staging of Beckett, especially Waiting for Godot do the same. Attention will be paid to the emerging logics of race in Shakespeare and the ordering of gender and sexuality. In Beckett, we will pick up these logics centuries later. We will consider the African Grove Theatre, a Black-run theatre started in New York in 1821 featuring all Black productions. We will read the work of Ayanna Thompson and Errol Hill, among others.

This seminar explores how Shakespeare’s unruly worldview was put at the service of the British imperial state over the subsequent centuries, starting with the regulation of the English language itself in the wake of Shakespeare’s English polyglotism. It will also explore the changing perceptions of race and racism as portrayed by Shakespeare, especially through the work of Farah Karim-Cooper. How did Shakespeare’s anarchic warnings against sovereignty’s claims, including its consequences for the emerging racial regime, get redirected into advice to the prince? This will be our central question in the seminar. We will use film versions (subtitled where possible) to explore several of his plays and ask this question.

Das Internet ist ein Hyperobjekt (Morton, 2013), eine Entität, die so allumfassend und alles verzehrend ist, dass es für uns als Individuen fast unmöglich ist, sie wahrzunehmen. Nichtsdestotrotz prägt es unser Leben; es definiert die Informationen, auf die wir zugreifen können, die Bilder, die wir sehen, die Dinge, die wir kaufen, die Orte, an die wir gehen, unsere persönliche und berufliche Kommunikation usw. Wie können wir uns bewusst werden, dass diese allgegenwärtigen Netzwerke unsere Realität täglich neu konfigurieren und produzieren? Wie können wir eine Sensibilität für ein System entwickeln, in das wir komplett integriert sind und oft vergessen, dass es überhaupt existiert? In diesem Seminar nähern wir uns dem überwältigenden Ganzen an, indem wir es in eine Reihe seiner konstitutiven Elemente zerlegen und verschiedene Perspektiven einnehmen. - Technisch: Was sind die Protokolle, die den Datenfluss und -austausch unterstützen? - Physisch: Was ist die Offline-Infrastruktur, die die Online- Kommunikation ermöglicht? - Politisch: Welche Mächte kontrollieren, steuern und regeln, was im digitalen Raum geschieht? - Gesellschaftlich: Wie verändern und entwickeln sich unsere Art des Zusammenseins und unsere Erkenntnisprozesse durch unsere vernetzte Existenz? - Künstlerisch: Welche Ästhetiken, Metaphern und Analogien bilden sich heraus und wie manifestieren sich diese reziprok wiederum in Netzwerktechnologien, Infrastrukturen und Anwendungen?

Das Internet ist ein Hyperobjekt (Morton, 2013), eine Entität, die so allumfassend und alles verzehrend ist, dass es für uns als Individuen fast unmöglich ist, sie wahrzunehmen. Nichtsdestotrotz prägt es unser Leben; es definiert die Informationen, auf die wir zugreifen können, die Bilder, die wir sehen, die Dinge, die wir kaufen, die Orte, an die wir gehen, unsere persönliche und berufliche Kommunikation usw. Wie können wir uns bewusst werden, dass diese allgegenwärtigen Netzwerke unsere Realität täglich neu konfigurieren und produzieren? Wie können wir eine Sensibilität für ein System entwickeln, in das wir komplett integriert sind und oft vergessen, dass es überhaupt existiert? In diesem Seminar nähern wir uns dem überwältigenden Ganzen an, indem wir es in eine Reihe seiner konstitutiven Elemente zerlegen und verschiedene Perspektiven einnehmen. − Technisch: Was sind die Protokolle, die den Datenfluss und -austausch unterstützen? − Physisch: Was ist die Offline-Infrastruktur, die die Online-Kommunikation ermöglicht? − Politisch: Welche Mächte kontrollieren, steuern und regeln, was im digitalen Raum geschieht? − Gesellschaftlich: Wie verändern und entwickeln sich unsere Art des Zusammenseins und unsere Erkenntnisprozesse durch unsere vernetzte Existenz? − Künstlerisch: Welche Ästhetiken, Metaphern und Analogien bilden sich heraus und wie manifestieren sich diese reziprok wiederum in Netzwerktechnologien, Infrastrukturen und Anwendungen?

Ob die zum Leben erweckte antike Skulptur Galatea aus Ovids „Metamorphosen“, dem Arbeiterroboter aus dem Theaterstück „R.U.R.“ von Karel Capek aus dem Jahr 1920 oder der solarbetriebenen Androidin Klara aus dem jüngsten Roman des japanischen Schriftstellers Kazuo Ishiguro, schon immer erregen Fantasien über humanoide Maschinen unsere Gesellschaftsutopien. Dabei sind Roboter mit kognitiven und sozialen Kompetenzen keine reinen Hirngespinste der Science Fiction Literatur. Tatsächlich sind ortsflexible, sensomotorische Robotersysteme schon längst fester Bestandteil unserer Lebenswelt geworden. Sei es in Form von teilautonomen Industrierobotern in der Fertigungs- und Agrarindustrie oder mit künstlichen Emotionen, Tast- und Feinsinn ausgestatteten Spielzeug-, Pflege- und Sexrobotern im privaten Bereich. Sie begegnen uns weltweit in unterschiedlichen kulturellen Kontexten und in immer mehr verschiedenen Größen und Gestalten, die zuweilen weniger an Menschen als vielmehr an Tiere oder gar Cartoons erinnern. Neben Hardwarerobotern, etwa in Form von Service-, Sicherheits- und Kampfrobotern werden inzwischen auch Softwaresysteme wie etwa Chatbots zu den sozialen Robotern gezählt. Diese Entwicklungen stellen uns vor weitreichende Fragestellungen. Wie verändert der Umgang mit vernetzten sozialen Robotersystemen unsere Kommunikation und unser Verhalten? Welche Folgen für unsere Wert- und Normvorstellungen ergeben sich daraus? Was bedeutet diese Hybridisierung von Sozialität für das Selbstverständnis des Menschen? Welche Theorien können uns diesen Wandel erklären? Fragen dieser Art betreffen im Kern eine globale sozio-technische Neukonfiguration von Menschlichkeit, Politik und Gesellschaft auf die konventionelle Theorien bisher jedenfalls nur unzureichende Erklärungen gefunden haben. Im Seminar wollen wir aus einer experimentell orientierten künstlerisch-wissenschaftlichen Perspektive tentative Antworten auf diese Fragestellungen entwickeln. Dabei wird es zunächst darum gehen, grundsätzlich ein Verständnis dafür zu erarbeiten, wer oder was eigentlich soziale Roboter sind. Sind sie zum Beispiel bloß technisch komplexe Sachen, sozio-technische Assemblagen oder doch eigenständige Subjekte? Zudem wollen wir klären, ob und wie wir das Handeln sozialer Roboter qualifizieren können. Neben Fragen zu den radikalen Auswirkungen auf die Arbeitswelt, Ungleichheit und der Konzentration von Einkommen und Macht, stehen auch alternative Visionen einer transformativen Roboterpolitik im Zentrum der Diskussion.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfilms funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2022 und es werden unterschiedliche Rohschnitt- und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maß die Qualität eines Films.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfims funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2021 und es werden unterschiedliche Rohschnitt - und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maß die Qualität eines Films.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfims funktionieren. Dieses Seminar ist eine Fortsetzung aus dem Sommer 2023 und es werden unterschiedliche Rohschnitt - und Feinschnittfassungen der im Sommersemester gedrehten Konzepte diskutiert und erarbeitet. Der Schnitt als zentraler Bestandteil der Filmherstellung beeinflusst die Wirkung eines Films höchst unterschiedlich. Die unterschiedlichen Längen, der Erzählrhythmus, die Verbindung zwischen Bild und Ton bestimmen im hohen Maße die Qualität eines Films.

Wie kann Sanftheit grundlegend für Demokratie werden? Wie kann Aktivismus als Zartheit verstanden werden? Lässt sich ein Zusammenleben ausgehend von Sanftheit denken? Was wäre eine zarte Bürger*innenschaft? Und wie lässt sich Liebe und Sanftheit so verstehen, dass sie nicht mehr an romantische Zweisamkeit erinnert, sondern an Widerständigkeit gegen Gewalt, an Ermächtigung und Emanzipation, an wechselseitige Verbundenheit und die Achtsamkeit gegenüber Verletzbarkeiten? How can softness become fundamental to democracy? How can activism be understood as tenderness? Is it possible to think of coexistence starting from love? What would a tender citizenship be? And how can love and softness be understood in such a way that it no longer reminds of romantic togetherness, but of resistance against violence, of empowerment and emancipation, of mutual connectedness and attentiveness to vulnerabilities? Possible Literature: Kike España, Die sanfte Stadt , Wien u.a. 2021. Sabine Hark, Gemeinschaft der Ungewählten. Umrisse eines politischen Ethos der Kohabitation, Berlin 2021 bell hooks, All about love , New York 2000. Gerald Raunig, Ungefüge. Maschinischer Kapitalismus und molekulare Revolution, Wien u.a. 2021. Lauren Berlant, Michael Hardt, „ No one is sovereign in love. A conversation ”, 2019, http://coalition.org.mk/archives/646?lang=en

Ohne Sorge keine Liebe, keine Arbeit, keine Freude, keine Kunst, kein Leben. Die Gegenwart aus der Perspektive translokaler Sorgearbeit und transversaler Sorgebeziehungen zu betrachten, heißt einen vielschichtigen, weitreichenden Gegensatz hervorzukehren: Wenig steht der kapitalistischen Logik dermaßen stark entgegen, wie die vielfältigen Schichten der Sorge. Gerahmt von queer-feministischen Diskursen zu Reproduktion, den militanten Untersuchungen zu Sorgebeziehungen, den internationalen Sorge-Streikbewegungen sowie Fragen danach, wie Infrastrukturen der Sorge in städtischen Nachbarschaften und im Plattformkapitalismus funktionieren und was die aktuell diskutierten „Medien der Sorge“ sind, unternimmt dieses Seminar eine Reise durch queer-feministische, aktivistische und theoretische Räume gegenwärtiger Ökologien der Sorge.

Erster Termin 06.04.2022, verpflichtender Termin /obligatory date Bei den Begriffen Care, Fürsorge und Sorgearbeit denken viele Menschen an Kinderbetreuung, die Pflege alter und kranker Menschen oder Hausarbeit. Sorgearbeit, die in trans und nicht-binären Räumen geleistet wird und die über familiäre oder medizinische Fürsorge hinausweist, wird selten in den Blick genommen. Dieses Grundseminar befasst sich damit, wie Sorge jenseits heteronormativer Zweigeschlechtlichkeit praktiziert und theoretisiert wird und wie eine Perspektive auf nicht-binäre queere und trans Sorgepraxen zu radikalen Analysen von kapitalistischen Verhältnissen und zu neuen demokratischen Praxen führen. Und wir fragen, wie wechselseitiges Sorgen und der Fokus auf Abhängigkeiten mit aktivistischen kollektiven Versorgungspraxen beispielsweise in den Social Clinics der 2010er Jahre in Griechenland korrespondieren. When people hear the terms care, caring, and care work, they think of childcare, caring for the elderly and sick, or housework. Care work that is done in trans and non-binary spaces and that goes beyond family or medical care is rarely considered. This basic seminar looks at how care is practiced and theorized beyond heteronormative gender binary and how a perspective on non-binary queer and trans care practices can lead to radical analyses of capitalist conditions and to new democratic practices. And we ask how mutual caring and a focus on interdependency correspond with activist collective care practices in, for example, the social clinics of the 2010s in Greece. Heath CABOT (2016), "'Contagious' Solidarity: Reconfiguring Care and Citizenship in Greek's social clinics”, Social Anthropology 24:2, 151-166. Jules Joanne GLEESON, Elle O’ROURKE (eds.) (2021), Transgender Marxism, London. Hil MALATINO (2020), Trans Care, Minneapolis, London. Martin F. MANALANSAN IV (2008), "Queering the Chain of Care Paradigm", http://sfonline.barnard.edu/immigration/print_manalansan.htm. Alan SEARS (2016), "Situating sexuality in social reproduction", Historical Materialism, 24(2), 138-163. Francis SEECK (2021), Care trans_formieren. Eine ethnographische Studie zu trans und nicht-binärer Sorgearbeit, Bielefeld.

Klang, Musik und Geräusch sind wesentliche Bestandteile der künstlerischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Medien. Die Gestaltung der Klangebene stellt ein zentrales Element dar, sei es als eigenständige Komposition in den Bereichen Musik oder Klangkunst, sei es im Zusammenhang mit anderen Medien, wie etwa Film, Video, Installationen, Radio, Performance. Im Grundlagenseminar Sound werden technische, künstlerische und wissenschaftliche Grundlagen der Arbeit mit Klang in Theorie und Praxis vermittelt. Dies umfasst u. a. die Themenkomplexe Schallausbreitung, auditive Wahrnehmung, Gehörphysiologie, Schallwandlung, Klangsynthese, digitale Audiotechnik und Filmton. Neben diesen Grundlagen wird auch eine geschärfte ästhetische Wahrnehmung von Klangereignissen und ihr bewusster Einsatz im Gestaltungsprozess von audiovisuellen Medien sowie (klang-) künstlerischen Projekten angestrebt. Scheine können nach Absprache mit der Erstellung einer Audio-Studie erworben werden. Die Teilnahme am Grundlagenseminar Sound ist Voraussetzung für die selbstständige Arbeit im Klanglabor und für die Ausleihe von Audio Equipment von dort. Der Grundkurs Sound findet in jedem Sommersemester statt.

Das Verlassen der definierten und geschützten Umgebungen von Konzertraum und Galerie legt ein disruptives Potential von sound frei, das andere Möglichkeitsräume künstlerischer, aber auch politischer Agency herausfordert, sowohl für die Einzelne/ den Einzelnen als auch im Kollektiv und nicht unbedingt mit Lautstärke verbunden sein muss. In den Worten des Musikjournalisten Andreas Fellinger: "Werft sound ins Getriebe!" Das Seminar ist ein Feldversuch für verschiedenste Strategien von sonic interventions und mündet (möglicherweise) in eine gemeinsame Aktion zum 1.000.060sten arts birthday am Dienstag, 17.01.2023.

Klang erzählt Geschichten: Nicht nur von menschlichen Akteuren, sondern auch von Dingen und nicht zuletzt von seiner eigenen Entstehung, seinem Vorübergehen und Verschwinden. Es gibt nichts Überraschenderes als die Begegnung von Literatur und Sound als in den vielen Formaten der akustischen Produktion, ob im Radio, in Performances (Live-Hörspiel, soundperformance) oder installativen Räumen. In diesem Seminar soll es um das Erkunden dieser medialen Möglichkeiten gehen und um die konkrete Entwicklung eigener Arbeiten – wir besuchen das Studio, sprechen im Wechsel mit Tonmeister*innen, Redakteur‘*innen, Regisseur*innen Performer*innen, hören hin, was Klangkunst und Literatur verbinden mag, und wie auch der kritische Blick mit der Selbstermächtigung einer ganzen Szene zusammenhängt. Am Ende sollte jede:r Teilnehmer:in eine eigene sound.story entwickelt und sendefertig produziert haben. Sprache: Deutsch, Teilnahme in Englisch möglich

"To affect and to be affected is to be open to the world, to be active in it and to be patient for its return activity.” In his conversations on a politics of affect, Brian Massumi emphasizes that these reciprocal affect activities of being in encounter and in relation sustain change. Affect is therefore meant (in a Spinozean reading) as a way of acting in a situation while being affected and affect at the same time. It is also central for realizing plays of power and ideology. Sara Ahmed examines with a cultural political focus how single and collective bodies as well as their surfaces are formed through contact and how fear and its politics work to exclude bodies from social spaces and restrict their movements. She argues that emotions as being relational “produce the very surfaces and boundaries that allow the individual and the social to be delineated as if they are objects.” Therefore, not feelings themselves but their objects circulate and create a social a psychic presence. How could we think affect, emotion, sensation of bodies and cognition in relation to social, political and cultural spaces? And if “the aesthetic” and “the political“ would not be understood as biased, as either/or, as Ariella Azoulay highlights, but by enriching and contradicting one another, thus the gazes of art within photography are operating in parallel. Interestingly the “civil” professional gaze of the viewer of an image which is part of another structure of time and place is addressed and confronted by the persons photographed a part of a “citizenry of photography”. In the seminar we are focusing on these close connections between aesthetic/artistic and political actions, on the paradoxes within and in which ways spaces, their (invisible) borders and micropolitics are related and could be confronted. We will do readings, writing and have a closer look into exhibitions and events (excursions) connected. Together we will work on a glossary of what you consider of significance for the aesthetic and political and of affecting and being affected.

Beim GLS Spielfilmübung 1 geht es um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung sowie der Film-Montage. Dieses Grundlagenseminar ist auf drei Semester verteilt. Beginnend im Wintersemester werden im Teil 1 „Gewerke und Geschichten“ die verschiedenen Gewerke am Filmset vorgestellt. Ebenso werden die Studierenden in die Grundlagen des Drehbuchschreibens und der Dramaturgie eingeführt und entwickeln eine eigene Szene, die verfilmt werden soll. Im Sommersemester beginnt Teil 2 „ Inszenierung und Auflösung“. Hier liegt der Fokus auf der Arbeit mit Schauspielern und der Bildgestaltung. Im Anschluss wird die Spielfilmübung im Studio B mit Schauspielschüler*innen gedreht. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion“ - erfolgt die Endfertigung der gedrehten Szenen. Um bei der Spielfilmübung 1 eine eigene Szene zu inszenieren, ist die Teilnahme an allen drei Teilen dieses Grundlagenseminars unerlässlich.

Dieses Seminar ist der zweite Teil des 3-semestrigen Grundlagenseminars „Spielfilmübung 1”. In diesem zweiten Teil des Seminars geht es vorwiegend um die finale Verfertigung einer kleinen Szene und deren konzeptueller Vorbereitung, sowie die theoretische und praxisbezogene Vorbereitung auf die gemeinsamen Dreharbeiten in den Semesterferien. Die Studierenden erhalten während der laufenden Vorlesungszeit einen Einblick in die „(Arbeits-)Welt” der Schauspieler*innen, ihre vielseitigen Möglichkeiten und Tools, sowie Einführungen in einige der wichtigsten (Schauspiel-)Theorien und deren Historie. Wichtiger Bestandteil ist ein mehrtägiger Schauspiel-Workshop und erste Casting-Erfahrungen (mit Schauspielstudierenden der näheren Umgebung), sowie ein Diskurs über Schauspielführung /-konflikte /-themen. An den noch nicht fertig gestellten Szenen sollte unbedingt parallel in Einzelsprechstunden weiter gearbeitet werden, um dann das fertige Drehbuch zum Ende der Vorlesungszeit allen Seminarist*innen vorzustellen (Pitch!). Im darauffolgenden Wintersemester erfolgt die Postproduktion der gedrehten Szenen. Um bei dem Grundlagenseminar „Spielfilmübung I” eine eigene Szene drehen zu können, ist die konsequente Teilnahme an allen drei Teilen des Grundlagenseminars und des angebotenen Schauspielworkshops unerlässlich. Über die Teilnahmeberechtigung wird im Seminar entschieden.

Die gedrehte Spielfilmübung I wird in diesem Seminar geschnitten, besprochen und fertiggestellt. Dabei folgen auf eine Einführung in das Schnittsystem AVID zwei Wochen betreutes Schneiden und im Anschluss die Besprechung der bis dahin entstandenen Szenen. Wir werden in den Sitzungen die jeweiligen Schnittversionen des gedrehten Materials gemeinsam diskutieren, die gemachten Erfahrungen unter kameraspezifischen und schauspielerischen Aspekten neu reflektieren und daran anschließend die postproduktiven Schritte durchführen.

In diesem Seminar werden die Rohschnitte aller Übungsfilme gemeinsam in der Gruppe besprochen und inhaltlich analysiert. Im Fokus steht neben der Montage die Schauspielarbeit, inwieweit das Staging mit der Auflösung funktioniert, und alle Fragen der Gestaltungsmöglichkeiten innerhalb der Postproduktion. Es ist eine „Pflichtveranstaltung“ für alle Teilnehmer*innen (Regie und Kamera) der Spielfilmübung aus dem Wintersemester 2021/22. Zudem werden die Termine für alle weiteren Postproduktionsschritte dieser Übungsfilme besprochen und in ihren zeitlichen Abläufen bis zum DCP koordiniert. Die Premiere aller Übungsfilme findet in der Aula zu Beginn des Wintersemesters 2022/23 statt.

Menschen sitzen im Gefängnis. Sie sind eingesperrt. Sie sind weggesperrt. Welche Schicksale verbergen sich dahinter? Wieso sind diese Personen ins Gefängnis gekommen? Wie spielt sich ihr Leben auf einer 9m² Fläche ab? Und für wie lange? Wie drehen wir in einem kleinen geschlossenen Raum? Wie sollen die Bilder die Klaustrophobie und die enge der Zelle vermitteln? Wie erstellen wir die Verhältnisse zwischen Innenwelt und Außenwelt (Fenster, Korridor)? Welche Wirkung hat die Lichtstimmung auf den Menschen, der in einem so kleinen Raum lebt? In der Spielfilmübung II entwickeln Regisseur:innen ihre eigenen Drehbücher, die sie dann in einer gebauten Gefängniszelle drehen. Die einzelnen Episoden werden zu einem langen Film montiert.

In einem dunklen Raum, zwischen Bühne, den Garderoben, der Maske, dem Inspizientenpult, der Seiten- und Hinterbühne, begegnen sich Menschen. Welche Geschichten verbergen sich hinter diesen Menschen? Vor welchen Aufgaben, Situationen stehen sie? Hinter dem verschlossenen Vorhang erwartet sie eine andere Realität. Wir sind bei ihnen, solange sie in diesem Zwischenraum sind. In der Spielfilmübung II erwarten wir von jedem Teilnehmenden, der ein eigenes Skript in Regie entwickeln will, vor dem ersten Seminartermin eine schriftliche Idee. Gemeinsam entwickeln wir eure Ideen zu Drehbüchern. 10 Übungen werden an 10 Drehtagen, mit einem kleinen Pool von Schaupieler*innen, aus dem sich jede/r Regisseur*in 2 Darstellende aussuchen kann, umgesetzt.

Ob Chemie- oder Biologielabor, wir befinden uns an einem besonderen Ort. Hier geht es um Beziehungen zwischen Menschen, die in einer wichtigen, aber auch gefährlichen Umgebung arbeiten. Welche Geschichten verbergen sich hinter diesen Menschen? Mit welchen Aufgaben und Situationen sind sie konfrontiert? Wir sind bei ihnen, solange sie in diesem Labor sind. In der Spielfilmübung II erwarten wir von jeder/m Teilnehmenden, die/der ein eigenes Drehbuch als Regisseur:in entwickeln möchte, eine schriftliche Idee bis zum 01.10.2023 per Email (siehe Vorraussetzungen). Gemeinsam entwickeln wir die Ideen zu Drehbüchern. Dabei sind die Kamera-Studierenden frühzeitig eingebunden - die visuelle Ebene wird von Beginn an mitgedacht. 10 Übungen werden an 10 Drehtagen mit einem kleinen Pool von Schauspieler*innen umgesetzt, aus dem sich jede/r Regisseur*in 2 Schauspieler*innen aussuchen kann. Schickt uns eure erste Idee für ein Drehbuch (eine halbe A4 Seite genügt). Einzige Vorgabe: Die Szene ist für max. 2 Darsteller*innen in einem Labor geeignet. Und schickt uns einen Link zu einer oder zwei eurer Arbeiten! Einsendeschluss ist der 01.10.2023.

Im Sommersemester findet die Postproduktion der im WS 22/23 gedrehten Spielfilmübung statt.

Es geht um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung sowie der Film-Montage. Dieses Grundlagenseminar ist auf drei Semester verteilt. Beginnend im Wintersemester werden im Teil 1 „Gewerke und Geschichten“ die verschiedenen Gewerke am Filmset vorgestellt. Ebenso werden die Studierenden in die Grundlagen des Drehbuchschreibens und der Dramaturgie eingeführt und sie entwickeln eine eigene Szene, die verfilmt werden soll. Im Sommersemester beginnt Teil 2 „ Inszenierung und Auflösung“. Hier liegt der Fokus auf der Arbeit mit Schauspielern und der Bildgestaltung. Im Anschluss wird die Spielfilmübung im Studio B mit Schauspielschüler:innen gedreht. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion“ - erfolgt die Endfertigung der gedrehten Szenen.

Beim GLS Spielfilmübung 1 geht es um die Realisierung einer filmischen Szene. Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Drehbuch- und Stoffentwicklung, der Auflösung und Inszenierung sowie der Film-Montage. Dieses Grundlagenseminar ist auf drei Semester verteilt. Beginnend im Wintersemester werden im Teil 1 „Gewerke und Geschichten“ die verschiedenen Gewerke am Filmset vorgestellt. Ebenso werden die Studierenden in die Grundlagen des Drehbuchschreibens und der Dramaturgie eingeführt und entwickeln eine eigene Szene, die verfilmt werden soll. Im Sommersemester beginnt Teil 2 „ Inszenierung und Auflösung“. Hier liegt der Fokus auf der Arbeit mit Schauspielern und der Bildgestaltung. Im Anschluss wird die Spiel-filmübung im Studio B mit Schauspielschüler*innen gedreht. Im darauffolgenden Wintersemester – Teil 3 „Postproduktion“ - erfolgt die Endfertigung der gedrehten Szenen. Um bei der Spielfilmübung 1 eine eigene Szene zu inszenieren, ist die Teilnahme an allen drei Teilen dieses Grundlagenseminars unerlässlich.

Dieses Seminar ist der zweite Teil des 3-semestrigen „Grundlagenseminars Spielfilmregie I“. Es richtet sich an die Studierenden im 2. Semester Diplom I, die bereits am ersten Teil des Seminars („Gewerke und Geschichten“) teilgenommen haben. Im zweiten Teil geht es vorwiegend um die Weiterentwicklung der Szenen, deren konzeptuelle Vorbereitung und ihre finale Umsetzung. Die Studierenden erhalten Einblicke in die verschiedenen Aspekte der Arbeit mit Schauspieler*innen, sowie in die Auflösung einer Szene. Wichtiger Bestandteil des Seminars ist ein mehrtägiger Schauspiel-Workshop und ein erstes gemeinsames Casting. An den noch nicht fertig gestellten Szenen sollte unbedingt parallel in Einzelsprechstunden weitergearbeitet werden, um dann das fertige Drehbuch zum Ende der Vorlesungszeit allen vorzustellen (Pitch!). Um bei dem Grundlagenseminar ,,Spielfilmübung I'' eine eigene Szene drehen zu können, ist die konsequente Teilnahme an allen drei Teilen des Grundlagenseminars und des angebotenen Schauspielworkshops unerlässlich. Im darauffolgenden Wintersemester folgt der dritte Teil des Seminars mit der Postproduktion der gedrehten Szenen. Vorbereitung und Drehzeitraum: Vorbereitung: vsl. 28.08.2023 – 08.09.2023 Drehzeitraum: vsl. 11.09.2023 – 22.09.2023

Schauspielworkshop: 12.-14.04.2024 Drehvorbereitung: vsl. 24.06.2024- 09.07.2024 Drehzeitraum: vsl. 10.07.2024 – 21.07.2024 Dieses Seminar ist der zweite Teil des 3-semestrigen „Grundlagenseminars Spielfilmregie I“. Es richtet sich an die Studierenden im 2. Semester Diplom I, die bereits am ersten Teil des Seminars („Gewerke und Geschichten“) teilgenommen haben. Im zweiten Teil geht es um die Weiterentwicklung der Szenen, deren konzeptuelle Vorbereitung und ihre finale Umsetzung. Die Studierenden erhalten Einblicke in die Schauspielarbeit, sowie in die Auflösung einer Szene. In 14-tägig stattfindenden Terminen erforschen die Student*innen die Figuren und die Struktur ihrer Szene zusammen mit Schauspieler*innen kooperierender Schauspielschulen. Wichtiger Bestandteil des Seminars ist ein mehrtägiger Schauspiel-Workshop. An den noch nicht fertig gestellten Szenen sollte unbedingt parallel in Einzelsprechstunden weitergearbeitet werden, um dann das fertige Drehbuch vor Beginn der zweiwöchigen Drehvorbereitung allen vorzustellen (Pitch!). Im darauffolgenden Wintersemester erfolgt die Postproduktion der gedrehten Szenen.

Für alle, die am Grundlagenseminar "Spielfilmregie" im Sommersemester teilgenommen haben (Vorbereitung und Dreh), ist dieses Seminar verpflichtend. Die gedrehte Spielfilmübung I wird in diesem Seminar geschnitten, besprochen und fertiggestellt. Dabei folgen auf eine Einführung in das Schnittsystem AVID zwei Wochen betreutes Schneiden und im Anschluss die Besprechung der bis dahin entstandenen Szenen. Wir werden in den Sitzungen die jeweiligen Schnittversionen des gedrehten Materials gemeinsam diskutieren, die gemachten Erfahrungen unter kameraspezifischen und schauspielerischen Aspekten neu reflektieren und daran anschließend die Schritte der Postproduktion durchführen.

Für alle, die am Grundlagenseminar Spielfilmregie im Sommersemester teilgenommen haben (Vorbereitung und Dreh), ist dieses Seminar verpflichtend. Die gedrehte Spielfilmübung I wird in diesem Seminar geschnitten, besprochen und fertiggestellt. Dabei folgen auf eine Einführung in das Schnittsystem AVID zwei Wochen betreutes Schneiden und im Anschluss die Besprechung der bis dahin entstandenen Szenen. Wir werden in den Sitzungen die jeweiligen Schnittversionen des gedrehten Materials gemeinsam diskutieren, die gemachten Erfahrungen unter kameraspezifischen und schauspielerischen Aspekten neu reflektieren und daran anschließend die Schritte der Postproduktion durchführen.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall, aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Doch wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen und was interessiert uns daran? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen beobachtetes und gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und Gegenwart sowie anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht womöglich eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, vielleicht sogar eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Doch wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen und was interessiert uns als Schreibende daran? Sollte man im Prozess des Notierens an literarische Kohärenz denken? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen Beobachtetes und Gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Steckt in ihnen womöglich eine ganz eigene Poesie? Und lassen sich Regeln erkennen, nach denen sie funktionieren? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen.

Vor der Entstehung eines Schreibvorhabens steht womöglich eine Beobachtung, eine Idee, ein Spracheinfall aus dem in einem nächsten Schritt eine Notiz, eine Skizze, vielleicht sogar eine Szene oder ein Gedicht werden kann. Doch wie wird Welt in Text umgewandelt und Text wiederum zu Literatur? Welche Funktion haben einzelne Sätze und Wörter dabei? Wie können wir schreibend durch die Welt gehen und was interessiert uns als Schreibende daran? Sollte man im Prozess des Notierens an literarische Kohärenz denken? Ist eine Notiz schon eine gestaltete Form? Welche Formen Beobachtetes und Gestaltetes Textmaterial zu sammeln und festzuhalten gibt es? Steckt in ihnen womöglich eine ganz eigene Poesie? Und lassen sich Regeln erkennen, nach denen sie funktionieren? Ausgehend von Beispielen aus Literaturgeschichte und -gegenwart und anhand von kleineren und größeren Schreibaufgaben werden wir uns im Seminar diesen Fragen stellen und dabei die eigene Wahrnehmung schulen und kennenlernen.

„Uns interessiert grundsätzlich am Medium Film, dem Unbegreiflichen der Existenz auf der Spur zu bleiben, Film nicht als Nabelschau, sondern als Suche nach dem faszinierend Unbegreiflichen, das man selbst ist, das die anderen sind, das sich im Leben auf dieser seltsamen Erde verbirgt.“ Cinenomad (STEP ACROSS THE BORDER) Das Privileg von Dokumentarfilmemacher*innen ist es, mit der Kamera in der Hand, Welt- und Lebenswirklichkeiten aufzusuchen, die nicht zwingend aus eigener Erfahrung bekannt sind. Das gilt für die dokumentarische Beobachtung von Menschen, sowie von Orten. Dokumentarfilme drehen heißt auch, sich auf unbekanntes Terrain wagen, zu beobachten und nicht wertend Material zu sammeln, um es dann im Schneideraum zu einer Position zu verdichten. Voraussetzung ist Neugier, Protagonist*innen und Orten unvoreingenommen zu begegnen, um eigene Erwartungen zu unterwandern, verbunden mit dem Anspruch den Motiven und Figuren nahezukommen, um im Besten Fall durch den Film mehr zu verstehen als vorher. Das dokumentarische Drehen ist immer eine Reise ins Ungewisse. Im Seminar werden Rechercheergebnisse und dokumentarische Filmideen diskutiert und entwickelt. Interviewtechniken werden besprochen und dokumentarische Praxen analysiert, um die jeweils beste Form (z.B. direct cinema/partizipierende Beobachtung/Videotagebuch) für die individuellen Projekte zu finden. Zudem wird in Beispielen die Entstehung von Dokumentarfilmen von der Idee zum fertigen Film nachgezeichnet und dabei Arbeitsmethoden und Vorgehensweisen beleuchtet und auf Hürden, Stolperfallen und Widerstände hingewiesen, die von Produktionsrealitäten zeugen.

Kennst Du A? Ich hatte ja mal so eine B-Phase. Hat C das nicht auch gemacht? Das ist total D. Irgendwann habe ich angefangen, Sätze von E zu träumen. Im Moment muss ich aufpassen, nicht selbst wie F zu schreiben. Bei G bekomme ich Seitenstechen. Ich habe alle Bücher von H gelesen und verstehe nicht, wie sie gemacht sind. Diese Reduktion bei I. Dieses Redundante bei J. Diese abgründige Klarheit bei K... Das Alphabet literarischer Schreibweisen kennt mehr als 26 Buchstaben, denn Literatur heißt nie allein Was, Literatur heißt immer auch Wie. Wo fängt der Manierismus an, wo hört die Marotte auf? Im Seminar Stil & Spleen widmen wir uns unterschiedlichen Erzähltemperamenten und fragen uns, was wir unter Stil verstehen, warum uns anzieht, was uns anzieht, warum uns nervt, was uns nervt. Denn als ich jung war, las ich alles von L, aber M kann ich nicht mehr ertragen. Woran das liegen könnte, wollen wir untersuchen. Begeben wir uns gemeinsam in die Werkstätten!

Seminar zur Stoffentwicklung für fiktionale filmische Projekte (lang/kurz/seriell). Das Seminar findet in 5 "Doppelterminen" statt (jeweils Montag und Dienstag). Zwischen den Doppelterminen schreiben alle. Diese Texte gehen zurück in die Gruppe als Vorbereitung für das nächste Treffen. Möglicherweise gibt es Heißgetränke.

In diesem Seminar geht es um das Finden von Stoffen in schreibender Praxis. Wir erforschen den Kern der Idee und wollen Möglichkeiten aufzeigen, sie weiterentwickeln. Wir lesen die Stoffe und Szenen und diskutieren sie gemeinsam. Dabei streifen wir die unterschiedlichen Herangehensweisen als Autor*in und Regisseur*in, untersuchen Methoden der Szenen- und Drehbuchanalyse und nebenbei reflektieren wir unsere Art, in Gruppen zu kommunizieren.

"The Wonderful World of Disney is more than a logo; it signifies how the terrain of popular culture has become central to commodifying memory and rewriting narratives of national identity and global expansion. Disney's power and reach into popular culture combines an insouciant playfulness and the fantastic possibility of making childhood dreams come true — yet only through strict gender roles, an unexamined nationalism, and a notion of choice that is attached to the proliferation of commodities." (Henry Giroux, 1993) Das vorangestellte Zitat von Henry Giroux deutet die Vielschichtigkeit dessen an, was unter dem Begriff Disneyfication zusammengefasst werden kann. Im Seminar wollen wir uns mit Themenfeldern beschäftigen, die sich aus den damit verbundenen gesellschaftlichen, politischen und ästhetischen Implikationen ergeben. Anhand von theoretischen Texten, wissenschaftlichen Analysen und konkreten Beispielen aus Kunst, Musik, Film und Popkultur entwickeln wir unterschiedliche Perspektiven auf das Phänomen Disney und darüber hinaus. Von Theme-Park-Studies, die sich konkret mit Freizeitparks wie Disneyland auseinandersetzen bis zu kritischen Betrachtungen kommodifizierter (Vor-)Städte; von den fließenden Übergängen zwischen künstlichen Welten und realen Lebenswirklichkeiten bis zur Dekonstruktion mythischer Utopien; von der Auseinandersetzung mit stereotypen Identitätskonstruktionen zur Analyse animierter Narrative wollen wir einer ganzen Reihe an Fragestellungen nachspüren: Was für ein Gesellschaftsbild vermittelt Disney(land)? Wie werden Medien dafür instrumentalisiert? Welche Wechselwirkungen bestehen zwischen mediatisierter Fiktion und sozialer Realität? Was für eine Rolle spielen dabei Aspekte von Race, Class, Gender und Sexualität? Was für subversive Strategien gibt es, um sich in kommerzialisierten Räumen selbstbestimmt zu bewegen und wie lassen sich disneyfizierte Narrative gegen den Strich lesen? Literaturauswahl: Dobson, Nichola, Annabelle Honess Roe, Amy Ratelle und Caroline Ruddell, Hrsg. 2019. The Animation Studies Reader. New York, London, Oxford, New Delhi, Sydney: Bloomsbury Academic. Giroux, Henry A. und Grace Pollock. 2010. The Mouse That Roared: Disney and the End of Innocence. Lanham, MD: Rowman & Littlefield Publishers. Hobbs, Priscilla (2015). Walt's utopia: Disneyland and American mythmaking . McFarland & Company Inc. Publishers. Mittermeier, Sabrina (2021). A Cultural History of the DisneyLand Theme Parks: Middle Class Kingdoms. Intellect. Rutherford, Stephanie. 2011. Governing the Wild: Ecotours of Power. Minneapolis: University of Minnesota Press. (Disney's Animal Kingdom: The Wild That Never Was) Tongson, Karen (2011). Relocations: Queer suburban imaginaries . New York University Press. Wells, Paul. 2009. The Animated Bestiary: Animals, Cartoons, and Culture. New Brunswick, NJ: Rutgers Univ. Press. Zukin, Sharon. 2002. The Cultures of Cities. Reprinted. Cambridge, Mass. Blackwell. (Learning From Disney World)

Im Jahr 1979, vor genau 45 Jahren, erscheint mit Dick Hebdiges Buch »Subculture: The Meaning of Style« eine der einflussreichsten Studien zu Jugendsubkulturen, die aus den Cultural Studies hervorgegangen ist. Sie blickt als eine der ersten theoretischen Abhandlungen überhaupt analytisch auf subkulturelle Formationen wie Teds, Mods, Rocker, Skinheads und insbesondere Punks. Eine Rezension im Rolling Stone Magazin hält diesbezüglich fest: „[I]t’s the first book dealing with punk to offer intellectual content.“ Dieser „intellectual content“ besteht bei Hebdige vornehmlich aus Bezügen zu post-/strukturalistischen (Derrida, Barthes), marxistischen (Althusser, Gramsci), semiotischen (Saussure, Kristeva) und anthropologischen (Lévi-Strauss) Theorien, die er als ehemaliger Weggefährte von Stuart Hall in der Tradition des Centre for Contemporary Cultural Studies (CCCS Birmingham) anwendet. Im Seminar fragen wir uns gemeinsam, was das Buch seinerzeit so bedeutend und in den Jahrzehnten danach so einflussreich gemacht hat, denn auch 45 Jahre nach Erstveröffentlichung nimmt nahezu jede Publikation, die sich mit Jugend-, Sub- und/oder Popkultur auseinandersetzt, Bezug auf Hebdiges Ausführungen. Dabei werden wir auch die Leerstellen in den Blick nehmen, die Hebdiges Studie aufweist und die immer wieder zu Kritik an seinem Ansatz führten. Im ersten Teil des Seminars werden wir gemeinsam und schrittweise »Subculture: The Meaning of Style« lesen und die darin genannten Theoriestränge diskutieren, um im zweiten Teil weiterführende Texte zu besprechen, die auf Hebdiges Überlegungen aufbauen oder sich davon abheben, um aktuellere (Jugend-) Subkulturen in unterschiedlichen Kontexten zu analysieren.

Das Seminar startet mit einem Lab am 22. & 23. Oktober. Wir laden dazu einen Gast ein, Beru Tessema , der neben seiner Tätigkeit als Theater-& Filmautor, Experte der Meisner-Technik ist und diese im Hinblick auf Screen Acting an der RADA school in London unterrichtet. Es gilt die Erfahrung der Meisner-Technik selber anhand von vorgegebenen Szenen zu machen und dadurch, als FilmemacherIn, das Bewusstsein der sehr feinfühligen Arbeit mit Schauspieler*innen zu bekommen und die eigene Methodik seiner Inszenierungsarbeit mit Schauspieler*innen und/oder Laiendarsteller*innen zu schärfen. Sprache des Seminars : Englisch/Deutsch Ab dem 27.10 fängt das reguläre Seminar an: Im Zentrum steht die Wiederinterpretation in kurzen Dreh-Übungen von existierenden Szenen aus markanten Genre oder Arthouse Filmen, die speziell und meisterhaft mit dem Unheimlichen, mit Angst, Spannung oder sogar der Präsenz von Geistern arbeiten. Wir werden uns in kurzen Inszenierungs-Übungen auf der Suche nach einer genau durchdachten Auflösung in Interaktion mit Schauspielführung machen. Das Schauspiel und die Inszenierung soll in diesem Rahmen keine reine Übersetzung von unmittelbaren Emotionen, Illustration von Gefühlen und dramatischen Effekten bedeuten. In der Zusammenarbeit zwischen Regie, Bildgestaltung & Darsteller*innen soll erforscht werden wie Subtext entsteht, wie Film ein Zusammenspiel von Schauspiel & Filmsprache ist. Ein Bewusstsein für die notwendige Spannung zwischen Spiel & Bild, und zwischen Auflösung und Schnitt ist uns dabei wichtig. Wie spannt man Subtext im Schauspiel und eine präzise Auflösung in einer kongenialen Interaktion zusammen? Ohne das Spiel der Schauspieler*innen in den Hintergrund zu drängen? Wie inszeniert man Blicke, Gefühle, Dynamiken zwischen Figuren, im Verhältnis zum Raum, zur Cadrage, wie wird das Unsichtbare sichtbar, spürbar? Das sind alles Fragen, die wir erforschen werden. In wöchentlichen Sessions werden wir Szenen aus 10 Filmen, die für ihre besondere Filmsprache und Inszenierung bekannt sind, ohne sie zuerst genannt zu haben, versuchen aufzulösen und mit Augenmerk auf das Schauspiel zu inszenieren, die Szenen schneiden und immer jeweils in der nächsten Woche die Arbeiten besprechen. Anschliessend werden wir die Filmausschnitte aus denen die jeweiligen Szenen stammen anschauen und vergleichend besprechen. Auch im Hinblick auf die Wahl die der/die jeweilige Regisseur*innen getroffen hat.

Als Medium von Interaktion ist Klang ein wesentlicher Träger alltäglicher Kommunikation, räumlicher Orientierung und des Austauschs mit der Umwelt. Mit der Fähigkeit zur Klangerzeugung, differenzierten Artikulation und Bedeutungsprägung konnten sich komplexe lebendige Systeme entwickeln. In diesem Seminar werden im Rahmen von Exkursionen Habitate und Soundscapes auf ihr Spektrum an verschiedenartigen Klangspuren aus bewegten Körpern, physikalischen Prozessen und kommunizierenden Spezies mit bioakustischen und künstlerischen Strategien untersucht, im Atelier Klangerzeuger und -rezeptoren entwickelt, Wechselwirkungen und Interaktionen gesteuert und sich daraus bildende offene und geschlossene Systeme kritisch betrachtet. Die Umsetzung und Reflektion in eigenen künstlerischen Projekten ist gewünscht und kann in Form von interaktiven Klanginstallationen/-instrumenten, Audiowalks, künstlerischen Handlungsanweisungen, Neuem Hörspiel und Klangperformances im gemeinsam zu planenden Ausstellungsformat präsentiert werden.

In diesem Seminar möchte ich Regie - und Kamerainteressierte einladen, unter dem Oberbegriff der „szenischen Choreografie“ verschiedene Aspekte filmischer Auflösung zu untersuchen und auszuprobieren. Was sind Möglichkeiten von dynamischer Kamera, wie kann sich ein Aufbau von Handlungs- Zeit- und Raumerzählung gestalten? Welche Perspektiven werden eingenommen? Mit der Kamera Impulsen der Figuren folgen oder autonom sein? Was schafft erzählerische Authentizität, wie etabliert sich ein filmischer Rhythmus? Montage oder Plansequenz - kann Kamerabewegung als innere Montage den Schnitt ersetzen und zu mehr künstlerischer Kontrolle führen? Welche Bedeutung haben dabei Proben? Kann ausgefeilte Choreografie den Ausdruck oder die Lebendigkeit des Schauspiels behindern oder kann sie befreiend sein? Wir drehen bis zu sieben kurze Filme, möglichst in wenigen komplexen Master-Einstellungen oder als Plansequenz - jeweils an einem Drehtag in Regie/Kamera-Kombination an einer festgelegten Original-Location. Die Filmideen müssen vor Seminarbeginn vorliegen und einen abgeschlossenen dramaturgischen Bogen haben. Gemeinsam analysieren wir die dramaturgischen Potentiale und erarbeiten mögliche Choreografien. Anhand der konkreten szenischen Arbeit werfen wir auch einen Blick zurück aufs Buch und betrachten die verschiedenen Etappen filmischer Entstehung als wechselseitigen Prozess. Schließlich erstellen wir die Auflösung mit Kamerabewegungen und überlegen die technischen Mittel (Handkamera, Dolly, Steadycam, Kran etc.). Begleitend zur Vorbereitung der Filme untersuchen wir diese Fragen anhand von Texten, Filmbeispielen und eigenen Erfahrungen.

"Hitchcock hat geäußert: Alles, was gesagt wird, statt gezeigt zu werden, ist verloren. Die Worte, die nicht aus dem Film kommen, haben keinen Sinn. Für uns alle galt die Regel: Kein Interview!" sagt Stéphane Breton im Gespräch mit Olivier Mongin. In diesem Seminar geht es um das gesprochene Wort. Vor der Kamera und hinter den Bildern. Der Umgang mit den eigenen Fragen (den stummen, den ausgesprochenen) und dem Schweigen des Gegenüber. Wie können wir dem Unaussprechlichen eine Stimme verleihen? Der dramaturgische und künstlerische Umgang mit dem gesprochenen Wort und dem Schweigen. Im Seminar zu Gast: die Künstlerin Lina Zacher und ihre aktuelle Arbeit mit jugendlichen Häftlingen in Deutschland und die Anthropologin Angélica Cabezas Pino und ihrer Arbeit mit Menschen, die in Chile aufgrund ihrer HIV Infektion gesellschaftlich marginalisiert werden.

"We are confronted directly by the production of the materiality of gender. Everything is a matter of doses, of melting and crystallization points, of the rotary power of the molecule, of regularity, of milligrams, of the form and mode of administration, of habit, of praxis." (Paul Preciado) Plethysmographs, brain scanners, imaging devices, viewing time trackers, hormone level measuring, tomographs, DNA tests, measuring tape, computers… – high- and low-tech devices involved in the categorization and normalization of sex_gender_sexuality seem to be an ever growing field of scientific technologies. How are all these measuring and imaging devices co-constitutive of the categories that we call sex, gender, and sexuality? Can brain scanners really 'read' your sexuality? Is sexual subjectivity produced in labs? Do we live in an era of ‘pharmacopornographic capitalism’, as Paul B. Preciado calls it? Are we being neurogendered? And what in the world is a 'penile plethysmograph'? In the seminar, we will look at the complex assemblage of materialities, technologies, lab technicians, scientists, neurologists, endocrinologists, sexologists, and people being scanned and measured, that produces and keeps up the binary sex_gender_sexuality system. The seminar is open to people from Hauptstudium and Grundstudium. It will be possible to join the seminar on Zoom. If you want to join on Zoom, please email me. If you’ll join live, just come to the first session on 26.10.2022. Languages: English, German, Dinglish (texts will be in English and German)

Art collectives immediately foreground the question of organization, particularly the organization of labor in art making as well as the individuation of the artist and art work. Moreover political collectives, research collectives, and social/familial collectives help to make visible the division of social reproductive labor in particular. This seminar is a comparative examination of how collectives explore their conditions of possibility. It will focus especially on how collectives attempt to experiment transversally with organizational form to address these questions. Special attention will be paid to these questions in the decolonial context, where the state presents particular obstacles and economic ‘development’ more still. We will enter into conversation, live and via zoom, with a number of contemporary collectives including Weekend Affair and Post-Museum in Singapore, KUNCI in Yogyakarta, Indonesia, and the Center for Convivial Research and Autonomy in California, USA. Some of the questions we will raise with the collectives include the gendered division of labor, state surveillance and sponsorship, collective approaches to the (dis)identity of the artist, the artwork, and the show. We will also examine our own practices of collectivity or barriers to such practices.

The Black Sonic does not entail thinking about the history of music from Africa and the African diaspora. Instead, is entails studying the history of this music as thinking, as conceptual, as social experiment, and as the practice of ensemble and collectivity. In the seminar we will listen to reggae, calypso, zouk, juju, hi life, afro-beat, reggaeton, jazz, blues and more. We will read African diasporic writers on music including Ralph Ellison, Amiri Baraka, Angela Davis, and Nadia Ellis. We will invite guests to play music for us and discuss the thought, composition, and context of this music. We will also play music for each other. The Black Sonic will be a mode of studying the insurgent sound of liberation.

This seminar will explore the sometimes disavowed connections between the analytics of the Afro-pessimism theoretical movement and the historic and contemporary conditions in the occupied territory of Gaza, Palestine. How does this analytic shed light on these conditions and structural relations? How can a condition be both unique and exceptional on the one hand and in common on the other? Among the readings will be selections from Frank Wilderson and Jared Sexton, two premier thinkers in black studies today, as well as selections from Israeli and Palestinian analysts. This seminar will meet every two weeks during the semester and culminate in an intensive with a guest in the study week in July.

What does it mean or take to pierce through the current structures and forms of oppression, separation and isolation? This seminar begins in (home)sickness and our extraordinary capacity to persist without remedy. Our aim is to resist the modernist preoccupations with and calls to straightness, sanity or positionality. Our aim is to revive the liberation of our forms of longing for something or someone that is not here/now. Our aim is to thrive nonetheless, despite the normative efforts to understand and to cure the strangeness of our desires, and to do so by way of mobilizing and researching through the aesthetic/feeling of perforation. Drawing on interdisciplinary texts/media, this seminar bridges the roles of creativity and critique at the intersection of experimental writing, sound and image making, queer ecologies, and feminist & anticolonial methods. We will study the holy works of Nathaniel Mackey, Renee Gladman, Jamilah Sabur, Greg Tate, Geri Allen, Sandra Ruiz & Hypatia Vourloumis, with an interest in opening up the field of creative expression.

Im Seminar werden wir klassische und aktuelle Texte zum Phänomen der Globalisierung diskutieren. Wir werden uns mit Konzepten der ökonomischen Entgrenzung, kulturellen Verflechtung und digitalen Transformation beschäftigen. Wir fragen nach den diskursiven Rahmungen und gesellschaftlichen Effekten der räumlichen und zeitlichen Figuration von globaler Sozialität und den komplexen Wechselwirkungsverhältnissen zwischen Globalität und Lokalität. Ein Fokus wird dabei auf de-koloniale Kritiken an eurozentristischen Metanarrativen und den imperialen Macht- und Herrschaftsformen weißer Heteromaskulinität liegen. Einen weiteren thematischen Schwerpunkt bilden aktuelle Debatten zu den existentiellen Bedrohungslagen durch den anthropogenen Klimawandel und den damit im Zusammenhang stehenden geopolitischen Auseinandersetzungen und Forderungen nach einem Ende der Globalisierung. Vor diesem Hintergrund wollen wir im Seminar die Frage nach der Zukunft der Globalisierung stellen und radikal transformative Interventionen aus der Perspektive diverser Künstler*innen, Aktivist*innen und Wissenschaftler*innen diskutieren. Wir fragen nach den Reibungen und Konflikten, die mit der zunehmenden Robotisierung und Polarisierung soziotechnischer Assemblagen und den bisherigen kapitalistischen Lebensweisen einhergehen, nach ihren katastrophalen Folgen für betroffene Akteur*innen insbesondere in den Ländern des Globalen Südens, aber auch nach den Potenzialen einer politischen Ökologie für die Gestaltung künftiger neuer postanthropozentrischer Lebenswelten. Aus einer künstlerisch-experimentell orientierten Perspektive geht es daher darum, herkömmliche Weisen der Welterschließung und Weltbeschreibung zu dekonstruieren, um einerseits ökologisch unhaltbare Praktiken und Codes zu verändern und andererseits alternative Verfahren der Konstruktion und Kritik neu zu denken und gegenhegemoniale Strategien und Utopien zu entwickeln.

Mit: Agustina Adreoletti / Rautenstrauch-Joest-Museum (RJM) Köln In this seminar, we will explore how colonial archives and collections can be critically developed and reflected upon. Students are free to choose what kind of idea they want to pursue; research and work can include methodological and/or thematic approaches to collections and archives, databases, or individual subjects in the collection. POSSIBLE TOPICS ‒ the visual and material culture of colonialism ‒ legacies of diverse colonial empires and coloniality in archives ‒ material and digital restitution and repair ‒ accessibility, conservation and participation ‒ engaging own communities in digital spaces ‒ digital infrastructure and alternative networks ‒ narratives and counter-narratives, and issues of memory ‒ human, more-than-human and institutional relations ‒ predatory inclusion and colonial debt ‒ discomfort and hope ‒ decolonisation of the unconscious The seminar includes access to the complete Rautenstrauch-Joest-Museum (RJM) database and visits to the museum’s depot. The outcomes of the seminar will be shown in RJM during September 2023. The Rautenstrauch-Joest-Museum is one of the largest ethnological museums in Germany; approximately 65,000 objects and 100,000 photographs are contained in its collections. Leaky Archive is a new digital project at the RJM which aims to work collaboratively and democratically on the collections in digital and analog spaces. http://www.rjm-leakyarchive.de/

1984 erschien ein Buch mit dem sonderbaren Titel: „The Policeman’s Beard is Half Constructed“. In weißen Lettern auf knallrotem Einband wurde behauptet, dies sei “The first book ever written by a computer”. Autor der Computerprosa und Poesie war Racter, eine Software, entwickelt von William Chamberlain und Thomas Etter. Versprochen wurde nicht weniger als eine bizarre und fantastische Reise in den Geist einer Maschine. Um so eine Reise, vielmehr verschiedene Reisen, geht es im Seminar. Wir wollen uns die frühen und vor allem die heutigen algorithmischen Methoden näher ansehen, mit denen Computer-Fiktion erzeugt wird. Literarische Texte werden normalerweise in einer bestimmten Absicht und für Adressaten geschrieben. Dem Verhältnis zwischen Autor*in und Leser*in liegen also zwei Annahmen zugrunde: Erstens, dass Leser*innen glauben, die Autor*innen möchten ihnen etwas mitteilen, und zweitens, dass Autor*innen möchten, dass Leser*innen ihre Texte verstehen. Diese „hermeneutische Vereinbarung“ ist bei computergenerierten Texten nicht erfüllt. Wer würde ernsthaft annehmen, dass Software etwas mitteilen möchte oder daran interessiert ist, dass Leser die Texte verstehen? Doch wozu dann das Ganze? Tatsächlich gibt es nach wie vor menschliche Autor*innen, nämlich Codepoeten, Codeliteraten, die als Programmierer klare Absichten verfolgen. Das Spiel zwischen Autor*innen und Leser*innen wird also lediglich auf eine abstraktere Ebene verlagert. Zwischen Autor*in (Programmierer*in) und Leser*in tritt ein weiteres Element, der Algorithmus, der die eigentliche Textproduktion übernimmt. Solche Algorithmen, aber auch deren Produkte und Autoren werden wir uns im Seminar näher ansehen.

Our slide against the professionalization of the senses takes the form of a bundle of nebulous desires. This is how we roll to preserve the realness of flesh and feeling. Not by contracting civility and citizenship, nor by substituting our transversal, strange experiments to the honing of skills and the definition of the present. Our radiance is too dark to be selective. And maybe what we do together is too volatile, tender, or febrile to qualify us for the task. Maybe we are too busy working on how to get to the other side of aesthetics, the other side of the sensational world, while moving hesitantly in the galactic, universal blackness of the hole. This seminar with include an intensive week in May at PAF, the Performing Arts Forum outside Paris in St. Erme, France.

Soziale Roboter sind ein fester Bestandteil unserer sozialen Lebenswelt geworden. Sei es in Form von teilautonomen Industrierobotern in der Fertigungs-, Agrar- und Forstwirtschaft oder mit künstlichen Emotionen, Tast- und Feinsinn ausgestatteten Spielzeug-, Pflege-, Lern- und Sexrobotern im Bereich der Privatsphäre, Altenpflege, Kindererziehung oder Bildung. Sie begegnen uns weltweit in unterschiedlichen kulturellen Kontexten und in immer mehr verschiedenen Größen und Gestalten, die zuweilen weniger an Menschen als vielmehr an Tiere oder gar Cartoons erinnern. Neben Hardwarerobotern, etwa in Form von Service-, Sicherheits- und Kampfrobotern in der Kriegsindustrie werden inzwischen auch Softwaresysteme wie etwa Chatbots zu den sozialen Robotern gezählt. Diese Entwicklungen stellen uns vor weitreichende Fragestellungen. Wie verändert die Mensch-Roboter-Interaktion unsere Kommunikation und unser Verhalten? Welche Folgen für unsere Wert- und Normvorstellungen ergeben sich daraus? Was bedeutet diese Hybridisierung von Sozialität für das Selbstverständnis des Menschen? Welche Theorien können uns diesen radikalen Wandel erklären? Fragen dieser Art betreffen im Kern eine tiefgreifende sozio-technische Neukonfiguration planetarer Gesellschaftlichkeit auf die konventionelle Theorien der Globalisierung und Digitalisierung bisher jedenfalls nur unzureichende Erklärungen gefunden haben. Im Seminar wollen wir aus einer experimentell orientierten künstlerisch-wissenschaftlichen Perspektive spekulative Fabulationen auf diese Zukunftsfragen entwickeln. Dabei wird es zunächst darum gehen, grundsätzlich ein Verständnis dafür zu erarbeiten, wer oder was eigentlich soziale Roboter sind. Sind sie zum Beispiel bloß technisch komplexe Sachen, sozio-technische Assemblagen oder doch eigenständige Subjekte? Zudem wollen wir klären, ob und wie wir das Handeln sozialer Roboter qualifizieren können. Neben Fragen zu den radikalen Auswirkungen auf die Kunst- und Arbeitswelt, die Ungleichheit und der Konzentration von Einkommen und Macht, stehen alternative Visionen einer transformativen Ethik der Roboter im Zentrum der Diskussion. Literatur: Zu Beginn des SoSe 2023 wird ein Reader zur Verfügung stehen. Auf Grund der hohen Resonanz und auf Wunsch der Studierenden dient die Lehrveranstaltung zur Fortführung und Vertiefung des Seminars „Social Robots“, das im WS 2021/2022 gehalten wurde.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen Regisseure*innen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar wöchentlich analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Zwei Menschen sprechen miteinander. An einem Tisch. Sie sehen sich an. Sie begutachten sich, sie prüfen sich, sie streiten und gestehen ihre Zuneigung. Was so leicht scheint, ist oft das Produkt von hart erarbeiteter Inszenierung, die in diesem Seminar im Vordergrund steht. Die Seminarteilnehmer*innen werden eigene Szenen schreiben, diese inszenieren und auch als Schauspieler*innen in den Szenen der anderen vor der Kamera stehen (Drehort: Seminarraum; available light). Danach wird der Schnitt der Szenen im Seminar analysiert und diskutiert. Ob mit einer präzise ausgearbeiteten Drehbuchszene oder als Improvisation: Das Ausprobieren steht hier im Vordergrund. Jede/r hat die Möglichkeit, diesen Freiraum, den das Seminar bietet, für sich zu nutzen, um die eigene Erzählstimme der Inszenierung zu finden.

Taktiles Wahrnehmen, Berühren bedeutet neben Orientierung vor allem mit verschiedenen Sinnen Umwelt in ihrer Materialität zu erfahren. Da sich Körper in Bewegung, in beständiger Veränderung befinden, wird Berühren mit Erin Manning relational, interaktiv sozial und politisch in anderen Raum- und Zeitverhältnissen gedacht. Hingegen sind es auch Gesten taktiler Kommunikation, die über Interfaces wie Touchscreens und berührungssensible Oberflächen virtuelle Interaktion ermöglichen und erweitern. In ihrer feministisch-haptischen Filmtheorie hatte Laura U. Marks bereits früh untersucht, wie taktile Visualität und -Kritik ineinander übergehen. Dabei geht sie Anverwandlungen und Abdrücken dieser haptischen Filmtheorie nach und wie diese Nah- und Fernsicht miteinander in Beziehung setzen. Ein wesentlicher Bezugspunkt ist somit, wie Karen Barad Berührung und Theoretisierung denkt und miteinander verschränkt, indem sie mit der Quantenfeldtheorie Berühren als elektromagnetisches Abstoßen, als Selbst-Berührung, als Alterität und Perversität, als unendliche Möglichkeiten und Unbestimmtheiten, die ein gleichzeitiges Herstellen und Auflösen [un/doing] beschreiben. In der Kunst und -wissenschaft sind vielfach die Spuren oder Abdrücke, die prozessualen und prozeduralen Erzeugnisse des Berührens und des damit verbundenen Körpers bearbeitet und reflektiert worden, etwa mit Georges Didi-Hubermans Studie zu Ähnlichkeit und Berührung. Im Seminar gehen wir den unterschiedlichen Verbindungen von Taktilität, Berührung und Theorie nach, verhandeln Politiken der Berührung in postmedialen künstlerischen Arbeiten und in Ausstellungsexkursionen. In addition to orientation, tactile perception, touching means above all experiencing the environment in its materiality with different senses. Since bodies are in motion, in constant change, touch with Erin Manning is conceived relationally, interactively socially and politically in differing spatial and temporal relationships. On the other hand, it is also gestures of tactile communication that enable and expand virtual interaction via interfaces such as touchscreens and touch-sensitive surfaces. In her feminist-haptic film theory, Laura U. Marks examined early on how tactile visuality and criticism merge. She explores the transformations and imprints of this haptic film theory and how they relate close-up and distant vision to one another. An essential point of reference is thus how Karen Barad thinks and interweaves touch and theorization by using quantum field theory to describe touch as electromagnetic repulsion, as self-touch, as alterity and perversity, as infinite possibilities and indeterminacies that simultaneously produce and dissolve [un/doing]. In art and art theory, the traces or imprints, the processual and procedural products of touching and the body associated with it have often been processed and reflected upon, for example in Georges Didi-Huberman's study on similarity and touch. In the seminar we will explore the various connections between tactility, touch and theory, negotiate the politics of touch in post-media artistic works and in exhibition excursions. Vorgeschlagene Literatur/Suggested readings: Karan Barad, „Berühren – das Nicht-Menschliche, das isch also bin (V.1.1)“, in: Susanne Witzgall/Kerstin Stakemeier (Hg.), Die Macht des Materials/Politi der Materialität, Zürich 2014, S. 163–176. Jaques Derrida, On touching – Jean-Luc Nancy, Stanford 2005. Georges Didi-Huberman, Ähnlichkeit und Berührung. Archäologie, Anachronismus und Modernität des Abdrucks, Köln 1999. Christiane Krejs/Ursula Maria Probst (Hg.)Touch the reality. Rethinking Keywords of Political Performance (dt./engl.), Ausst.-Kat. Kunstraum Niederösterreich, Wien 2016. Erin Manning, Politics of Touch. Sense, Movement, Sovereignty, Minneapolis/London 2007. Laura U. Marks, Touch Sensuous Theory and Multisensory Media, Minneapolis 2002.

In this seminar, we will discuss the transformative potential of interventionist, engaged and 'video as research' filmmaking and draw new approaches of symbiosis between filmmaking, social-anthropology and activism. We will explore the transformative and methodological potential of the selected films and the value of the collaborative co-creative, decolonizing and transformative approach of 'video as research' methodologies with the aim to produce something of local value. We will explore 3 projects in Africa, Latin America and Europe with 2 invited guest-lecturers: Ecofeminist filmmaker Soledad Fernández Bouzo, sociologist, doctor in social sciences and CONICET researcher at the Gino Germani Institute in Buenos Aires. Video artist, filmmaker and cultural worker Ayşe Kalmaz dedicates herself to various art, theatre and online cultural projects with a focus on intercultural conflicts, racism and migration, based in Dortmund. The seminar creates also space to develop your own interventionist, transformative documentary. Bring your ideas, questions, projects in the making.

»Ein Gedicht entsteht überhaupt sehr selten - ein Gedicht wird gemacht«, schrieb einst Gottfried Benn in seiner Rede „Probleme der Lyrik“. Ein Gedicht wird also gemacht. Aber wie »macht« man ein Gedicht? Wie stehen sich Form und Inhalt gegenüber? Ist die Form denn nicht schon das Gedicht selbst? Welche Bedeutung kommt dem Klang, welche dem Rhythmus zu? Was unterscheidet einen Trochäus von einem Daktylus? Und spielen Fragen wie diese eine Rolle, wenn wir uns selbst an Gedichten versuchen? Kann man ein Gedicht verstehen oder verfehlt schon allein dieser Wunsch das Gedicht? Darf man im Gedicht erzählen, und wenn ja, wie? Vertragen Gedichte Pointen? Die Lyrik ist wohl jene Gattung, in der am häufigsten durch bloßes Antippen Bilder, durch Aussparungen Bedeutungen entstehen. Gedichte können „vokabelfrohe Mischungen aus Sprachfetischen und Wordüberdrehtheiten“ sein, wie es bei Michael Lentz heißt. Mal ist ein hochartifizielles Sprachbewusstsein am Werk, mal bricht sich ein lakonischer Parlando-Ton Bahn. An ausgewählten Beispielen aus der Tradition und der Gegenwartslyrik werden wir im Seminar untersuchen, mit welchen Mitteln die Verwandlung der Welt ins Wort gelingt, um für die eigene Arbeit daraus zu lernen.

englisch/ deutsch Wie lesen wir? In welcher Weise nähern wir uns Text und Theorie? Wie erleben wir das eigene und gemeinsame Lesen? Was bedeutet es, an Texten zu scheitern, aber auch, durch Sprache, Zeit, Wiederholung, parallele Lektüren mit Texten zu arbeiten und mit ihnen/gegen sie zu denken? Im Seminar lesen wir – auch mit eingeladenen Gäst*innen – film-, kultur- und kunstwissenschaftliche, philosophische Texte, die sich in mit dem Unlearning, dem Verlernen als Verfahren befassen. Dieses versteht Gayatri Chakravorty Spivak als Möglichkeit, aus einer feministischen, subalternen Perspektive ideologische und institutionalisierte Formierungen und Formen des Schweigens zu adressieren und über das Reklamieren von bislang in der Repräsentation nicht vorgesehenen Räumen und den mit ihnen verbundenen Rechten determinierte und machtvolle, vorgezeichnete Strukturen zu entkoppeln. „The text is text-ile. To suture here is to weave, as in invisible mending.” Mit dem Bild der ,unsichtbaren Flickarbeit‘, dem Gewebe, sieht Spivak die Notwendigkeit, bislang nicht sichtbare Perspektiven und Stränge in die kulturelle und gesellschaftliche Textur einzuweben. Ariella Aïsha Azoulay wiederum versteht das Unlearning als notwendigen Prozess, sich von unhinterfragten, politischen und historischen Konstrukten zu entkoppeln. Die Filmemacherin und Theoretikerin Trinh T. Minh-ha beschreibt die beständige Bewegung zwischen sich als Schreibender und Lesender, die ebenfalls festgeschriebene Perspektiven aufbricht. In diesem Prozess, den sie auch als Gewebe verschiedener Fäden beschreibt, macht sie drei Bewegungen aus, die den Rhythmus ihrer Stimme (im Text, im Film) beschreiben. _________ How do we read? In which ways do we approach text and theory? How do we perceive our own and common reading? What does it mean to fail on texts, but also to work with texts by acknowledging language, time, repetition, parallel readings and to think with and against them? Within the seminar we read – partly together with guests – essays, texts from art, film and cultural theory, as well as philosophy who focus on Unlearning. This procedure opens up the possibility, as Gayatri Chakravorty Spivak emphasizes, to address ideological and institutional formations and forms of silence from a feminist, subaltern perspective. It therefore disengages predetermined and powerful structures by reclaiming spaces not yet represented and the related rights. “The text is text-ile. To suture here is to weave, as in invisible mending.” With this image of a fabric Spivak sees the necessity to weave in non-visible perspectives and strands into the cultural and social texture. Ariella Aïsha Azoulay understands Unlearning as a process to disentangle unquestioned political and historical constructions. The film maker and theorist Trinh T. Minh-ha describes the constant movement between herself as writer and reader which also break the fixed and established perspectives. Within this process which she also describes as a weaving of different threads, Trinh T. Min-ha identifies three movements creating the rhythm of her voice within text and film. Lektüre/ Readings: - Ariella Aïsha Azoulay, Potential History. Unlearning Imperialism, London/ New York 2019. - Walter Benjamin, Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, in: Gesammelte Schriften , Bd. 1.2, hg. v. Tiedemann/ Schweppenhäuser, Frankfurt a. M. 1974, S. 471–508. - Homi K. Bhabha, The Location of Culture, London/New York 1994. - Trinh T. Minh-ha, Woman, native, other, Bloomington 1989. - Trinh T. Minh-ha, Cinema-Interval, New York/London 1999. - Trinh T. Minh-ha, elsewhere, within here. Immigration, refugeeism and the boundary event, New York/London 2011. - Lilian Haberer, “Kuratieren als kollektives Angencement. Über das Verlernen und Entflechten in transmedialen Verlaufsformen“, in: Medienkomparatistik. Beiträge fü „Kuratieren als medienkomparatistische Methode“ , hg. v. Gotto/ Simonis/ Kandioler/ Biet 3 (2021), S. 143–163. - Julia Kristeva, The Kristeva Reader, ed. By Toril Moi, New York 1989. - Julia Kristeva, Revolt, She Said, New York 2002. - Maria do Mar Castro Varela, “Verlernen und die Strategie des unsichtbaren Ausbesserns“, in: Bildpunkt. Zeitschrift der IG Bildende Kunst ( Herbst 2007), S. 4–7. - Irit Rogoff, “Practicing Research. Singularising Knowledge”, in: MaHKUzine. Journal of Artistic Research 9 (Summer 2010), pp. 37–42. - Gayatri Chakravorty Spivak, Can the Subaltern Speak? Reflections on the History of an Idea, New York/Chichester 2010.

‘urban stage/öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non Sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des Öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Pandemieabhängig sind derzeit Exkursionen und Kooperationen nur eingeschränkt planbar – wir werden das Programm den entsprechenden Möglichkeiten anpassen. Mit dem archiv.komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Weiterhin in Planung ist ein Ausstellungsprojekt mit dem Skulpturenmuseum in Marl, dort arbeiten wir mit dem Direktor/Kurator Georg Elben zusammen – weitere Projekte sind in Planung oder werden durch das Kolloquium angeregt. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen wird kontinuierlich angeboten – u.a. auch mit Gästen (nach Ankündigung) Infos auch unter: https://www.khm.de/public_art_oeffentlicher_raum/ Bitte anmelden bei Cătălina Bucos: <c.bucos@khm.de> Sprechstunde nur nach Vereinbarung: <kuball@khm.de> bzw. <mk2@mischakuball.com>

‘urban stage / öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non-sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des Öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Mit dem archiv.komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Weiterhin in Planung ist ein Ausstellungsprojekt in Düsseldorf mit dem WELTKUNSTZIMMER und der Kuratorin Janine Blöß sowie dem Übergangsort des Skulpturemuseums, der Martin-Luther-King-Gesamtschule in Marl. Dort arbeiten wir mit dem Direktor/Kurator Georg Elben zusammen; mit WESTWERK, einer Künstler*innen-Initiative in Hamburg, planen wir ein performance-basiertes Format – weitere Projekte sind in Planung oder werden durch das Kolloquium angeregt. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen werden kontinuierlich angeboten – u. a. auch mit Gästen (nach Ankündigung). Infos auch unter: https://www.khm.de/public_art_oeffentlicher_raum/ Studentische Hilfskraft: Cătălina Bucos 

‘urban stage/öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non-sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des Öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Mit dem archiv.komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Ein Ausstellungsprojekt mit WESTWERK – einer Künstler*innen Initiative in Hamburg – planen wir ein performance-basiertes Format, ebenso eine kritische Auseinandersetzung mit der Mack-Pyramide in Monhein: dort werden wir von der Kunstschule Monheim – Katharina Braun und dem Bürgermeister Daniel Zimmermann begleitet – weitere Projekte sind in Planung oder werden durch das Kolloquium angeregt. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen werden kontinuierlich angeboten – u. a. auch mit Gästen (nach Ankündigung). Infos auch unter : https://www.khm.de/public_art_oeffentlicher_raum/ Bitte anmelden bei Cătălina Bucos, Projektassistenz: <catalina.bucos@gmail.com>

‘urban stage / öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non-sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des Öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Mit dem archiv.komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Weiterhin in Planung ist ein Ausstellungsprojekt in Düsseldorf mit dem WELTKUNSTZIMMER und der Kuratorin Janine Blöss sowie dem Übergangsort des Skulpturemuseums, der Martin-Luther-King-Gesamtschule in Marl. Dort arbeiten wir mit dem Direktor/Kurator Georg Elben zusammen. Weitere Projekte sind in Planung oder werden durch das Kolloquium angeregt. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen werden kontinuierlich angeboten – u. a. auch mit Gästen (nach Ankündigung). Infos auch unter: https://www.khm.de/public_art_oeffentlicher_raum/ Studentische Hilfskraft: Cătălina Bucos 

'urban stage/öffentlicher Raum’ untersucht seit 2007 kontinuierlich in praktischen Übungsformaten die Frage nach städtischen Folien und soziopolitischen Strukturen im Format studentischer Projektarbeit. Leerstand und architektonische Agglomeration, Non-sites und institutionelle Rahmenbedingungen sollen analysiert und neu beschrieben werden. Jetzt, nach der regulierenden politischen Veränderung des öffentlichen Raumes, sollen künstlerische Intervention sowie Aspekte des Performativen und Szenografischen methodisch zur Anwendung kommen. Spezifische Projektideen sollen auf der Seminarplattform entwickelt und in konkreten Ausstellungsprojekten und Kooperationen – auch verstärkt im städtischen Raum – umgesetzt werden. Pandemieabhängig sind derzeit Exkursionen und Kooperationen nur eingeschränkt planbar – wir werden das Programm den entsprechenden Möglichkeiten anpassen. Mit dem Archiv.Komplex realisiert das Seminar eine ‚nachbarschaftliche’ und dauerhafte Kooperation zur Fragestellung des künstlerischen und politischen Umgangs mit aktueller Zeitgeschichte und Archiven am Beispiel der Einsturzstelle (3. März 2009) des Stadtarchivs in Köln. Weiterhin in Planung ist ein Ausstellungsprojekt mit dem IKOB in Eupen/Belgien – dort arbeiten wir mit Brenda Guesnet und Frank-Thorsten Moll an einer Umsetzung eines Projektes für den Winter 2021/22. Besprechungen einzelner studentischer Projekte und Skizzen wird kontinuierlich angeboten – u. a. auch mit Gästen (nach Ankündigung). Infos auch unter: https://www.khm.de/publicart

„Welcome to The Speak Angel Series. It is long and perhaps idiosyncratic, but friendly. It is a good book for now.“ This is how Alice Notley opens her more than 600 page poetry book, which came out 2023. It includes the following booklength chapters: The House Gone, Opera, Healing Matter, To Paste On, Out of Order, and The Poem and it travels through the underworld. „Good poets open themselves to all the voices in the air“, Notley said in an interview in 2015, and it seems she succeeds in a distinct feminist voice of her own, which is chanting, talking, making (and writing) all kind of sounds that emerge during the long journey or that resonate from outer space or just from the other side of the story. „It is fictive, but I am not doing fiction. Take it as you want, as you certainly will“, Notley writes in her foreword. And this is exactly what we are going to do. In this Fachseminar we will read the extended poetry of Alice Notley, we will try to enter the acoustic world of The Speak Angels Series and develop its soundtrack. But we will also have a look into other traditions of under- (and outer-) world travel and visit important sights of the Cologne underworld, spectacular Rhenish dripstone caves and other audible spaces of transit. The course will include reading, writing, composing the construction of devices and will be held in English and German. "Willkommen zu den „Speak Angel Series“. Das Buch ist lang und vielleicht eigenwillig, aber freundlich. Es ist ein gutes Buch für den Moment." So eröffnet Alice Notley ihren mehr als 600 Seiten starken Gedichtband, der 2023 erschienen ist. Er enthält folgende Kapitel in Buchlänge: The House Gone, Opera, Healing Matter, To Paste On, Out of Order und The Poem und beschreibt in seinem Verlauf eine Reise durch die Unterwelt. "Gute Dichterinnen und Dichter öffnen sich allen luftigen Stimmen", sagte Notley 2015 in einem Interview. Notley hat über die vergangenen Jahrzehnte eine ganz eigene feministische Stimme gefunden, die alle Klänge singt, spricht, macht (und schreibt), die während der langen Unterweltreise vernehmbar sind oder aus dem Weltraum oder von der anderen Seite der Geschichte her widerhallen. "Es ist fiktiv, aber ich mache keine Fiktion. Macht damit, was ihr wollt, was ihr sicherlich tun werdet", schreibt Notley in ihrem Vorwort. Und das machen wir auch. In diesem Fachseminar werden wir die weitläufige Lyrik von Alice Notley lesen, wir werden versuchen, in die akustische Welt der „Speak Angels Series“ einzutauchen und ihren Soundtrack zu entwickeln. Wir werden aber auch einen Blick auf andere Traditionen der Unter- (und Außen-) Weltreise werfen und einige Sehenswürdigkeiten der Kölner Unterwelt, spektakuläre rheinische Tropfsteinhöhlen und andere Räume des Transits besuchen. Der Kurs beinhaltet Lektüre, Schreibaufgabe, Komposition und die Konstruktion von Geräten und wird in Englisch und Deutsch gehalten.

Der auf Spanisch vorgetragene Song »Vamos a la Playa« (1983) des Italo-Disco Duos Righeira ist der Inbegriff eines Sommerhits. Seit seiner Veröffentlichung vor genau 40 Jahren übersetzt er wie kaum ein zweiter Popsong die Leichtigkeit eines sommerlichen Strandbesuchs in Musik. Häufig ausgeblendet wird allerdings, dass sich das Lied auf der Textebene mit der Explosion einer Atombombe beschäftigt, die ein lebloses Meer zurücklässt. Beispielhaft deutet sich dadurch nicht nur an, dass sich ein analytischer Blick hinter die glatten Oberflächen des Pop lohnt, sondern auch, dass der Strand als (pop-) kulturelles Motiv vielschichtige Facetten aufweist: von touristischem Hedonismus und Lebensfreude bis zu militärischem Konflikt und dystopischer Umweltkatstrophe. Der Strand steht für unscharfe und verschwommene Topografien sowie für Grenzen und Grenzerfahrungen: Menschen finden sich dort in unterschiedlichen Stadien eines „Dazwischen“ wieder; „Natur“ trifft auf „Kultur“; es kommt zu Begegnungen mit dem „Anderen“; die einen brechen zu Reisen auf, die anderen erleiden Schiffbruch; für die einen bedeutet Strand Abenteuer und Freizeit, für die anderen ist der Strand mit traumatischen und lebensbedrohlichen Erfahrungen besetzt. Im Seminar setzen wir uns mit den unterschiedlichen Eigenschaften des Strands auseinander und arbeiten exemplarisch heraus, inwiefern in seinen Medialisierungen komplexe Themen wie Migration, (post-) koloniale Machtstrukturen, Gender- und Körperpolitik verhandelt werden, aber auch Formen des Begehrens, der Sehnsucht und der Freiheit Ausdruck finden. Zu den theoretischen Konzepten, die uns dabei begegnen, gehören u.a.: Liminalität, Hybridität, Heterotopie, Utopie und Dystopie.

In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt“ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch-performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard- und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen. Das Seminar baut auf den Erfahrungen und Experimenten aus dem Wintersemester auf.

In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt“ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch-performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard- und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen.

In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt“ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch- performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard- und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen.

In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt“ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch-performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard- und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen. Das Seminar wird im Sommersemester fortgesetzt.

In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt“ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch-performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard- und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen. Das Seminar baut auf den Erfahrungen und Experimenten aus dem Wintersemester auf.

Auch im Atelier 4a/b. Das Seminar baut auf den Erfahrungen und Experimenten aus dem Wintersemester auf. In diesem Grundlagenseminar erforschen wir gemeinsam die künstlerischen Möglichkeiten von performativen Strategien in Zusammenhang und Differenz zu denen des Mediums Video. Das Hauptaugenmerk liegt in der synergetischen Verbindung beider Felder: Wie verändert sich die Wahrnehmung des zeitbasierten Bildes, wenn man es durch eine performative Maske betrachtet und was passiert mit dem transitorischen „Jetzt“ im performativen Akt durch die Konfrontation mit einem Aufzeichnungsapparat? Die selbstständige künstlerische Arbeit steht im Zentrum des Seminars. Im Rahmen prozess- und gruppenbasierter Aufgabenstellungen lernen die Teilnehmer*innen, bildnerisch-performative Fragestellungen zu entwerfen und zu realisieren. Unterstützend finden regelmäßig Präsentationen und gemeinsame Besprechungen statt. Ziel ist die Entwicklung einer kommunikativen Sensibilität, eine Schärfung der Aufmerksamkeit für mediale und gesellschaftspolitische Prozesse und die Herausbildung einer eigenen künstlerischen Haltung. Im Rahmen von praktischen Workshops werden die Studierenden ermutigt, unbeschränkt zugängliche Werkzeuge wie Mobiltelefone, Mikrophone, Sound- und Lichtanlagen sowie Open Source Hard- und Software zu gebrauchen, um ein unabhängiges Experimentieren zu ermöglichen.

Schnell. Schlecht, aber schnell. Das war das Motto des französischen Schriftstellers Paul Claudel, für den die Geschwindigkeit ermöglichte, das auszudrücken, was man in der Langsamkeit nicht schafft. Allerdings bildet heutzutage die Geschwindigkeit vor allem eine wirtschaftliche Voraussetzung in der Film- und Fernsehwelt. Denn nach der langwierigen Periode des Schreibens und der Finanzierung kommen plötzlich die Dreharbeiten, die immer schneller werden. Das Ziel dieses Seminars ist es, uns diesen Zwang anzueignen, um uns auf fröhliche Weise daran anzupassen. Vor den Dreharbeiten wählen wir gemeinsam die Szenen aus, die wir drehen werden. Dabei werden Originaltexten den Vorzug gegeben, die für den jeweiligen Anlass geschrieben wurden. Anschliessend lernen wir, am Set schnell zu denken und sofort Entscheidungen zu treffen, wobei wir uns erlauben, nicht immer perfekt zu sein. Wir lernen, einen Raum sehr schnell zu analysieren, um uns eine "on set" Auflösung vorzustellen. Mit den Schauspieler*innen lernen wir auch die Prinzipien des "one take", die insbesondere auf dem Selbstvertrauen jedes Einzelnen beruhen. Im Anschluss an die Dreharbeiten schneiden wir die Szenen selbst, um die Ergebnisse unserer Inszenierung zu sehen.

Schnell. Schlecht, aber schnell. Das war das Motto des französischen Schriftstellers Paul Claudel, für den die Geschwindigkeit ermöglichte, das auszudrücken, was man in der Langsamkeit nicht schafft. Allerdings bildet heutzutage die Geschwindigkeit vor allem eine wirtschaftliche Voraussetzung in der Film- und Fernsehwelt. Denn nach der langwierigen Periode des Schreibens und der Finanzierung kommen plötzlich die Dreharbeiten, die immer schneller werden. Das Ziel dieses Seminars ist es, uns diesen Zwang anzueignen, um uns auf fröhliche Weise daran anzupassen. Vor den Dreharbeiten wählen wir gemeinsam die Szenen aus, die wir drehen werden. Dabei werden Originaltexten den Vorzug gegeben, die für den jeweiligen Anlass geschrieben wurden. Anschliessend lernen wir, am Set schnell zu denken und sofort Entscheidungen zu treffen, wobei wir uns erlauben, nicht immer perfekt zu sein. Wir lernen, einen Raum sehr schnell zu analysieren, um uns eine "on set" Auflösung vorzustellen. Mit den Schauspieler*innen lernen wir auch die Prinzipien des "one take", die insbesondere auf dem Selbstvertrauen jedes Einzelnen beruhen. Im Anschluss an die Dreharbeiten schneiden wir die Szenen selbst, um die Ergebnisse unserer Inszenierung zu sehen.

Schnell. Schlecht, aber schnell. Das war das Motto des französischen Schriftstellers Paul Claudel, für den die Geschwindigkeit ermöglichte, das auszudrücken, was man in der Langsamkeit nicht schafft. Allerdings bildet heutzutage die Geschwindigkeit vor allem eine wirtschaftliche Voraussetzung in der Film- und Fernsehwelt. Denn nach der langwierigen Periode des Schreibens und der Finanzierung kommen plötzlich die Dreharbeiten, die immer schneller werden. Das Ziel dieses Seminars ist es, uns diesen Zwang anzueignen, um uns auf fröhliche Weise daran anzupassen. Vor den Dreharbeiten wählen wir gemeinsam die Szenen aus, die wir drehen werden. Dabei werden Originaltexten den Vorzug gegeben, die für den jeweiligen Anlass geschrieben wurden. Anschliessend lernen wir, am Set schnell zu denken und sofort Entscheidungen zu treffen, wobei wir uns erlauben, nicht immer perfekt zu sein. Wir lernen, einen Raum sehr schnell zu analysieren, um uns eine "on set" Auflösung vorzustellen. Mit den Schauspieler*innen lernen wir auch die Prinzipien des "one take", die insbesondere auf dem Selbstvertrauen jeder/s Einzelnen beruhen. Im Anschluss an die Dreharbeiten schneiden wir die Szenen selbst, um die Ergebnisse unserer Inszenierung zu sehen.

Im Rahmen des Seminars beschäftigen wir uns mit Texten über Klang und Hören unter verschiedenen Perspektiven: Philosophischen und ästhetischen, historischen, technischen, poetischen. Texte von Künstler*innen spielen dabei ebenso eine Rolle wie solche von Theoretiker*innen, Kurator*innen, Naturwissenschaftler*innen und Autor*innen, die sich zwischen etablierten Positionen bewegen. Das Seminar ist gleichzeitig eine Einführung in die zahlreich vorhandene Literatur zum Thema Sound in der KHM-Bibliothek, zu deren selbstständiger Erkundung wir einladen. Die im Seminar gelesenen Texte werden sowohl in deutsch als auch in englisch sein, weswegen beide Sprachen im Seminar eine gleichberechtigte Rolle spielen werden. Die Bereitschaft zu Lesen und das Gelesene gemeinsam zu diskutieren wird erwartet.

Die gerichtliche Aufarbeitung politischer Verbrechen dient als Basis und szenische Grundlage zahlreicher Filme und literarischer Texte, ob in Romanform oder für die Bühne, gerade, weil die Autonomie des Gerichts vor allem in Staatsschutzprozessen in einer hohen Spannung zu den realen politischen Fragen steht. Es gilt als Ort der reinen Diskussion, der Abwägung der Argumente und der Transparenz, und es geht um nichts weniger als um Wahrheitsfindung. Dieser Vorgang wird gleichzeitig stets in Frage gestellt wie bestätigt. Das Gericht als „realer“ (im Gegensatz zum fiktiven) Ort besteht gerade in Deutschland auf seiner Autonomie, Medien und Öffentlichkeit haben eine sehr reduzierte Position, nichts desto trotz ist die politische Ausstrahlungskraft des Gerichts in den letzten Jahrzehnten gestiegen, nicht nur die des Bundesverfassungsgerichts in Fragen der Klimakrise. Gerade im Menschenrechtsbereich werden seltener Prozesse gewonnen, als Wissen geschaffen und Öffentlichkeiten hergestellt. Strategische Prozessführung und transitional justice gelten als relativ neue Schlagworte, die künstlerisch begleitet und manchmal gar in der Beweisführung unterstützt werden, nicht zuletzt von Kunstprojekten wie forensic architecture. Wie steht es um die vermeintlich neutrale Beobachterposition der Kunst? Wie gehen wir mit Fragen der Zeugenschaft um? Was für eine Situation ist das Plädoyer und wer hält es? Was heißt Dokumentarismus in dieser Hinsicht und wie erzählen, bebildern, inszenieren wir das Gericht und wann und warum? Was bedeutet es, wenn wir medial überbeobachtete oder radikal unterbeobachtete Prozesse begleiten? Geplant sind Besuche des Oberlandesgerichts Köln und Düsseldorf, Gespräche mit Gerichtsbeteiligten (Richter, Nebenklage, Zeugenschaft), dazwischen werden wir über das künstlerische Verhältnis zu dem Material sprechen in ausgewählten Arbeiten und mit Fatima Fay Kastner über (Auto)-Poesie des Rechts sprechen. Vissmann, Cornelia. Medien der Rechtssprechung, 2011. Luhmann, Niklas. Legitimation durch Verfahren, 1969. Rammelsberger, Ramm, Schultz, Stadler. Der NSU-Prozess. Das Protokoll, 2018. von der Behrens, Antonia. Kein Schlusswort. Nazi-Terror, Sicherheitsbehörden, Unterstützernetzwerk. Plädoyers im NSU-Prozess, 2018. Pook, Stanjek, Wigard. Der Halle-Prozess: Mitschriften, 2021. Kafka, Franz. Das Urteil, 1913. Weitere Literatur und Filmmaterial wird ab Oktober in der Bibliothek bereitstehen.

Autor*innen verbringen viel Zeit allein mit ihren Texten. Sie vor Publikum zu lesen, ist oft erst mal eine Herausforderung. Erst recht, wenn sich die Geschichten und die Wörter, aus denen sie bestehen, persönlich anfühlen, weil sie auf persönlichen Erfahrungen beruhen, Teil der privaten Sprache sind. In diesem Seminar geht es darum, die eigenen Texte vor Publikum zu lesen. Wir besuchen Lesungen, gucken uns Lesungen an und finden heraus, wie wir lesen wollen und wie wir auf keinen Fall lesen möchten. Neben technischen Aspekten (Wie weit sollte das Mikro von meinen Lippen entfernt sein?) geht es auch darum herauszufinden, was die eigenen Texte ausmacht, wie sie im Verhältnis zu Euch als Autor*innen stehen und was das für das Vorlesen bedeutet. Wir werden üben Raum einzunehmen und Verantwortung zu übernehmen, für ein Publikum, eine Situation, und Erfahrungen machen, die uns genau in diesen Momenten Sicherheit geben. Was bedeutet es gehört zu werden, Aufmerksamkeit zu bekommen, Stille einzufordern, und wie fühlt sich all das an? Das Seminar bietet die Möglichkeit, in einem geschützten Rahmen einiges auszuprobieren, sich selbst und die eigenen Texte besser kennenzulernen, und sich unabhängig vom Schreibprozess als Autor*in wahrzunehmen. Wenn Interesse besteht, unternehmen wir eine Exkursion zum Literaturwettbewerb open mike nach Berlin vom 18. bis 20. November 2022. Weitere Infos dazu findet ihr online.

Was will das eigene dramatische Schreiben in der Welt, in welche Tradition will es sich einschreiben? Ist wirklich schon alles gesagt und gezeigt worden? Entscheidet die Form über den Inhalt oder diktiert das Thema die formale Umsetzung? Sollen alle über alle und alles schreiben dürfen, sofern es Kunst ist? „Mal das, was du siehst! Nicht das, was du denkst, das du siehst“, soll eine vielzitierte Anweisung von Paul Gauguin an einen seiner Schüler gelautet haben. Wie entlarvend, dass ausgerechnet von einem Maler, der für seine exotisierenden Bilder von kolonialisiertem Land und seinen Bewohner*innen bekannt ist, die Forderung nach einem authentischen Blick gekommen sein soll. Doch wann sieht man, was man wirklich sieht? Wie dekolonialisiert, dekonstruiert man den eigenen Blick, um zu verstehen, durch welche Filter man gelernt hat, die Welt zu betrachten? Im „Blicktraining“ erkunden die Seminarteilnehmenden ihre eigene Position in der Welt, ihren Kanon, ihre künstlerische Prägung, um davon ausgehend selbst ins Schreiben zu kommen. Die Grundlage für dieses Seminar sind sowohl eigene dramatische Texte als auch von den Teilnahmenden mitgebrachte Theaterstücke, die den Blick geprägt haben und als künstlerisches Vorbild dienen. Zur Diskussion sollen aber auch jene Dramen stehen, von deren Prägung man sich bewusst absetzen möchte.

The seminar will present concepts and contemporary art practices from the Global South, which consider time as a medium. To "write-in-time" is to practice ways of historicizing that re-centre oral histories and forms of knowledge production that also include ancestral knowledge and nature as archives. Through inventing and making use of "unknowing-grammars", we will go beyond what is immediately decipherable or categorised at first glance, in order to also understand institutional critique, decoloniality, feminism, and queer/black/migration identity politics as not separate "themes", but as often overlapping and embodied ways of navigating the world that require specific and various modes of marking a presence. This module aims to open up possibilities for creating what Sisonke Msimang (2017) describes as "characters that come from the future, whose tenacity resists categorization". The course will include guest lectures, live events, workshops, and group discussions with invited artists/historians/writers/activists. Invited speakers (tbc): Jota Mombaça Wanelisa Xaba Zara Julius PUNGWE Kiluanji Kia Henda Spechstunden: Open to all students Tuesdays: 10:00 – 17:00 Studios/Online/In-situ/Atelier 2 (aka room 2) Please email to book an appointment.

The practical course references contemporary art practices from the Global South, which consider time as a medium. To write-in-time is to practice forms of historicizing that re-centre oral histories and forms of knowledge production originating outside the West. Through inventing unknowing-grammars that go beyond what is immediately decipherable or categorized at first glance, we also begin to understand institutional critique, decoloniality, feminism, and queer/black/migration identity politics as not separate “themes”, but as often overlapping and embodied ways of navigating the world, requiring various modes of marking presence. This module of experimenting aims to open up possibilities for creating what Sisanda Msimang (2017) describes as “characters that come from the future, whose tenacity resists categorization”. The course will combine practical work with readings, group discussions, excursions, and live/zoom presentations by invited artists/historians/writers/activists. Invited Speakers (TBC): M. NourbeSe Philip, Jota Mombaça, Wanelisa Xaba, Tracey Rose, Nontsikelelo Mutiti, Kiluanji Kia Henda, Khaled Barakeh. Course readings will be supplied once registration is complete. Spechstunden: Open to all students Tuesdays: 14:00 – 17:00 Wednesdays: 17:00 - 19:00 Studios/Online/In-situ/Atelier 2 (aka room 2)

Phytotron, von griechisch [φύτον] (phyton) für Pflanze und [τρον] (-tron), eine Nachsilbe, die auf ein Instrument verweist. Das Phytotron ist eine neue Forschungseinheit zur Untersuchung der Wechselwirkungen zwischen lebenden Organismen und ihrer Umwelt – und ein Ideenbeschleuniger für die Auseinandersetzung mit bio-technologischen Medien. Das Phytotron ist ein spezieller Arbeitsbereich innerhalb des exMedia Labors, der 2021 in Betrieb genommen wurde. Es bietet eine voll ausgestattete Laborumgebung für mikro- und makrobiologische Experimente und die Kultivierung von Pflanzen, Bakterien und Pilzen. Es verfügt u.a. über eine Sicherheitswerkbank zum sterilen Arbeiten, Inkubatoren und Klimakammern sowie verschiedene Mikroskope. Mit "Welcome to the Phytotron" laden wir dazu ein, den neuen Arbeitsbereich im exMedia Labor kennenzulernen und die eigene Interessenslage auszuloten. Das wöchentliche Seminar umfasst unterschiedliche Aktivitäten und Angebote: Laboreinführungen, gemeinsame Experimente und Workshops (z.B. Prototyping mit elektronischen und biologischen Medien, Biostatistik und Phytotronkonstruktion) werden ergänzt durch monatliche Treffen zum inhaltlichen Austausch (jour fixe) sowie individuelle Sprechstunden. Darüber hinaus besteht die Möglichkeit zur eigenständigen Arbeit an Kunst- und Forschungsprojekten.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfilms funktionieren. Die Grundlage, der Ursprung eines jeden Films ist die Qualität einer Idee, die in der Lage ist, einen Film zu tragen. Das Seminar erstreckt sich von der Ideenfindung bis hin zur finalen Umsetzung/Realisation eines Spots. Dabei werden alle relevanten Bereiche des Films ausgiebig diskutiert und beleuchtet. - Idee/Geschichte - Regie - Schauspielführung - Casting - Ausstattung - Kamera - Styling - Props - Produktion - Storyboard - Licht und Grading - Schnitt - Postproduktion Die Dreharbeiten finden in den Kompaktwochen vom 8. bis 19. Juli 2024 statt.

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfilms funktionieren. Die Grundlage, der Ursprung eines jeden Films ist die Qualität einer Idee, die in der Lage ist, einen Film zu tragen. Das Seminar erstreckt sich von der Ideenfindung bis hin zur finalen Umsetzung/Realisation eines Spots. Dabei werden alle relevanten Bereiche des Films ausgiebig diskutiert und beleuchtet. Idee/Geschichte - Regie - Storyboard - Casting - Schauspielführung - Ausstattung - Kamera - Maske - Props - Licht

Social Spots sind eine eigene Kunstgattung. Sie wirken über Emotion, Geschichten, Bilder, durch ungewöhnliche Perspektiven. Es sind kurze Spielfilme, die nach dem gleichen Prinzip des Langfilms funktionieren. Die Grundlage, der Ursprung eines jeden Films ist die Qualität einer Idee, die in der Lage ist, einen Film zu tragen. Das Seminar erstreckt sich von der Ideenfindung bis hin zur finalen Umsetzung/Realisation eines Spots. Dabei werden alle relevanten Bereiche des Films ausgiebig diskutiert und beleuchtet. Idee/Geschichte - Regie - Storyboard - Casting - Schauspielführung - Ausstattung - Kamera - Maske - Props - Licht

Idee? Exposé? Buch? Wir kümmern uns drum. Es geht um Stoffentwicklung für fiktionale Filmprojekte in all ihren Stadien - von der Idee, die noch diffus in der Gegend rumschwebt bis zur Buchfassung, in der es irgendwie knirscht. Egal ob Kurzfilm oder Serienidee. Bei kürzeren Texten arbeiten wir am ganzen Material, bei längeren an Auszügen, an einzelnen Szenen oder an einer Synopsis, je nach Stand der Entwicklung. Arbeiten heißt hier: Zwischen den Terminen wird geschrieben. Und bis zum nächsten Treffen lesen alle, was an Neuem entstanden ist. Damit wir mit einem maximalen Feedback neu auf die Baustellen schauen können. Das Ziel ist, alle Projekte so klar einen Schritt weiter zu bringen, dass es z.B. von der Idee ins Exposé oder vom Buch in den Dreh gehen kann.

Das Seminar vermittelt Strategien aus der investigativen Recherche und setzt Methoden der Dramaturgie als Analysetool ein. Es geht um Figuren und ihr Verhältnis zueinander. Um Orte und Bewegung, um Aktion und Reaktion, um Widerstände und Konflikte, die alte Gewissheiten erschüttern, den Absturz ins Bodenlose – das Scheitern – und um die Suche nach neuer Stabilität, die verbunden ist mit (Selbst-)Erkenntnis. Von einer ersten vagen Idee zum Exposé, Synopsis oder Treatment. Begonnene Projekte in allen Stadien können in das Seminar eingebracht und hier weiterentwickelt werden.

Das Kolloquium dient der Fortführung der Themen und Arbeiten aus dem Sommersemester 2023. Neben einzelnen Gastvorträgen steht die Arbeit am gemeinsamen Publikationsvorhaben zum Thema „Dealing with the Unknown“ im Zentrum. Parallel werden die Fortschritte der einzelnen Promotionsvorhaben vorgestellt und diskutiert.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“ wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seinem Besitzer, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der sichere Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“ wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Nach dem Besuch von insgesamt vier Terminen erhalten die Teilnehmenden den KHM-E-Schein, dieser ermöglicht die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

Die Veranstaltung richtet sich an alle Studierenden der KHM, die bei ihren Arbeiten professionelle Licht- und Bühnentechnik einsetzen und dabei zunehmend mit Fragen der Sicherheit konfrontiert werden. Auf einem kreativen, aber trotzdem sicheren Umgang mit den uns zur Verfügung stehenden Mitteln der Beleuchtungs- und Bühnentechnik, liegt ein Hauptaugenmerk dieser Veranstaltung. Der Umgang mit Strom für mobile Netze „on location“ wird dabei ein wichtiger Gegenstand des Seminars sein. Darüber hinaus werden Fragen zum Arbeiten im Studio der KHM, genehmigungstechnische Fragen, Fragen der Transportsicherheit und der Statik behandelt. Die Teilnehmer*innen erhalten den KHM-E-Schein, nach Besuch von insgesamt vier Abendveranstaltungen (zweimal im Wintersemester, zweimal im Sommersemester). Der KHM-E-Schein ermöglicht seinem Besitzer/ seiner Besitzerin, die Ausleihe aller Hochspannung führenden Lampen, Verteiler, Kabel und statisch sensibler Technik der KHM.

n this tutorial we will discuss and (re-)consider basic aspects of writing a (scholarly) paper or "Hausarbeit". The tutorial will be organized along three sessions respectively dealing with the writing of an introduction, the main part of the paper, and its conclusion. We will face questions such as: 
 How can I define the topic of my paper? How do I structure my paper? What is my main

In this tutorial we will discuss and (re-)consider basic aspects of writing a (scholarly) paper or "Hausarbeit". The tutorial will be organized along three online sessions respectively dealing with the writing of an introduction, the main part of the paper, and its conclusion. We will face questions such as: − How can I define the topic of my paper? − How do I structure my paper? − What is my main question/thesis? − How can I develop and articulate it? − What are the necessary steps to adequately introduce, process, elaborate, and answer my question/thesis? − How do I present my results? − What problems do I face in the course of working on my paper? − How can I solve these problems?

In this tutorial we will discuss and (re-)consider basic aspects of writing a (scholarly) paper or "Hausarbeit". The tutorial will be organized along three sessions respectively dealing with 1.) the writing of an introduction, 2.) the main part of the paper, and 3.) its conclusion. We will face questions such as: − How can I define the topic of my paper? − How do I structure my paper? − What is my main question/thesis? − How can I develop and articulate it? − What are the necessary steps to adequately introduce, process, elaborate, and answer my question/thesis? − How do I present my results? − What problems do I face in the course of working on my paper? − How can I solve these problems? The sessions will take place on the following dates: Mittwoch, den 08.11., 17:00-19:00, Seminarraum 2.04, Filzengraben 8-10 Mittwoch, den 22.11., 17:00-19:00, Seminarraum 2.04, Filzengraben 8-10 Mittwoch, den 13.12., 17:00-19:00, Seminarraum 2.04, Filzengraben 8-10 Please register at: k.butz@khm.de

The tutorial is open for all interested students – also to undergraduate students (it is not meant to "make a Schein“). Please register before at: k.butz@khm.de In this tutorial we will discuss and (re-)consider basic aspects of writing a (scholarly) paper or "Hausarbeit". The tutorial will be organized along three sessions respectively dealing with the writing of an introduction, the main part of the paper, and its conclusion. 
 We will face questions such as: − How can I define the topic of my paper? − How do I structure my paper? − What is my main question/thesis? − How can I develop and articulate it? − What are the necessary steps to adequately introduce, process, elaborate, and answer my question/thesis? − How do I present my results? − What problems do I face in the course of working on my paper? − How can I solve these problems? The sessions will take place on the following dates: Mittwoch, den 09.11., 17:00-19:00, Seminarraum 2.04, Filzengraben 8-10 Mittwoch, den 23.11., 17:00-19:00, Seminarraum 2.04, Filzengraben 8-10 Mittwoch, den 14.12., 17:00-19:00, Seminarraum 2.04, Filzengraben 8-10

Three Dates: Wednesday 27.04., 11.05. and 08.06., 17 - 19 Uhr In this tutorial we will discuss and (re-)consider basic aspects of writing a (scholarly) paper or "Hausarbeit". The tutorial will be organized along three sessions respectively dealing with the writing of an introduction, the main part of the paper, and its conclusion. We will face questions such as: 
 How can I define the topic of my paper? How do I structure my paper? What is my main question/thesis? How can I develop and articulate it? What are the necessary steps to adequately introduce, process, elaborate, and answer my question/thesis? How do I present my results? What problems do I face in the course of working on my paper? How can I solve these problems?

Die Maschinen sind immer schon da, unaufhörlich produzieren wir sie (...), obgleich es der Künstler bedarf, ihre autonome Präsentation sicherzustellen. [Deleuze/Guattari 1977:512] „Wunschmaschinen“ erzeugen Ströme des Begehrens und der Affekte. Die „Mikropolitik des Wunsches“ formalisiert, normalisiert, transformiert. Im Rückblick auf eine Denkfigur zur Wiedervorlage und Neujustierung: Was sind Wunschmaschinen heute? Kann das Konzept neu entdeckt und weitergedacht werden? Wir studieren Wunschmaschinen zunächst als „Theoriekunstwerk“ (Lyotard 1979), dann in Bezug auf eigene Arbeiten: Annäherung durch fragmentarische Lektüren, unzulässige Schlüsse und produktive Missverständnisse, Verhältnis zu neuen Kontexten, eigenen Passionen und Obsessionen, Folgerungen für die Praxis. Mögliche Fragen: − Wie dem Phantasma der Produktion entgehen („...und dann, und dann, und dann“)? − Ist Anti-Produktion möglich? Wie finden Hingabe, Schenkung und Verschwendung ihren Ort? − Welche neuen „Schizo-Schleichwege“ (Tholen 1981) sind zu entdecken?

This ongoing project-based seminar will explore the possibilities and challenges of tools such as laser scanning, virtual reality, AR and 3D. We will focus on technologies such as 3D Animation (Autodesk Maya), geospatial imaging (Leica BLK360), 3D Games (Unity3D), VR Drawing (AnimVR) and 360 degree imaging (Insta360Pro 2). On philosophical and ethical problems concerning new technologies as well as storytelling in XR. The seminar consists of presentations, colloquia as well as hands-on teaching. Through ‘learning-by-doing’ you will be able to develop your XR works. Furthermore, the seminar will be a platform to meet with curators, makers, festivals and related institutions from the field of artistic XR and you will have the opportunity to participate and collaborate on larger XR projects for festivals and exhibitions such as the established collaboration with http://www.futur21.nrw. Please see also the seminar 'Animation Production from script to screen'. A video mapping project: NRW#FUTUR 21.

Dieses Theorieseminar soll als Einführung in grundlegende ästhetisch-philosophische Zeittheorien verstanden werden mit einem Fokus auf gegenwärtig diskutierte Positionen, sowie auf Erzähltheorie. Ob chronologische Vorstellungen und Simultaneitätstheorien, marxistisch-dialektische Positionen und Ideen eines Zeitvampirismus, einer „breiten Gegenwart“ oder eines popkulturellen Beharrens auf das „Jetzt, Jetzt, Jetzt“ bis hin zu den kommunizierenden Röhren und Beuteltheorien des Erzählen, oder zu Kippunkten und aufgebrauchtem Futur - es existiert ein breites Panorama an sehr unterschiedlichen Vorstellungen, wie das Vergehen der Zeit zu fassen ist, welche Zeitbilder uns umgeben, und vor allem, wie das künstlerisch thematisiert werden kann, immer eingebunden in einen politischen und historischen Rahmen. Insofern werden sich Zeitphilosophie und Literaturtheorie in diesem Seminar begegnen, und vielleicht auch einen Blick auf die Soziologie unternehmen. Und da die Praxis nicht fehlen darf, werden wir einige literarische Texte lesen, die typische Zeittechniken der Moderne und der Gegenwartsliteratur zu ihrem Thema machen und Begriffe wie „Zeitreise“ oder „Anachronismus“ sowie „Dehnung“, „Gleichzeitigkeit“ oder „Kompression“ zum Thema machen. In der Lektüre begegnen sich u.a. Heraklit, Michail Bachtin, Walter Benjamin, Hans-Ulrich Gumbrecht, Ursula Le Guin, Isabell Lorey, Paul Ricoeur, Zygmunt Baumann, Ilse Aichinger, Rolf Dieter Brinkmann, David Foster Wallace, Barbi Markovic, Georgi Gospodinov, Alexander Kluge und Kurt Vonnegut.

Zwischen Sprachen schreiben, schreibend die Sprache wechseln oder Sprache erschreiben, sich Sprache schreibend aneignen, die fremde Sprache im Schreiben zur eigenen machen, von mehreren Sprachen geprägt oder gleich mehrsprachig schreiben? Exophonie bezeichnet das literarische Schreiben in einer Sprache, die nicht die eigene Erstsprache ist. Doch lässt sich das innerhalb postmigrantischer Biografien und multilingualer Kontexte immer so genau benennen? Und ist die Sprache der Literatur nicht per se eine andere als die, die wir im Alltag sprechen? Welche Sprache wählen wir zum Schreiben, wenn wir uns mehrerer Sprachen bedienen können? Wird die Schreibsprache durch Mehrsprachigkeit oder der Distanz der Zweitsprache geprägt? Und wie lässt sich diese Prägung literarisch fruchtbar machen? Verändert ein Wechsel der Sprache auch die Perspektive, mit der man auf einen Stoff blickt? Verspürt man, wie Maria Cecilia Barbetta, dank des Filters der Fremdsprache die Freiheit, sich schreibend in Bereiche hineinzutrauen, die man sonst nicht betreten würde? Oder spricht man, wie Ágota Kristóf, von der "Herausforderung der Analphabetin", in einer Sprache zu schreiben, die die Umstände einem aufgedrängt hat? Und was bedeutet das eigentlich für die Texte, ihre Sprache und Rezeption? Im Seminar wollen wir diesen Fragen nachgehen und gemeinsam literarische Werke von Autor*innen, die einen Sprachwechsel durchlaufen haben oder in einer anderen Form ZwischenSprachen schreiben, lesen und diskutieren – je nach Bedarf auf Deutsch und Englisch.